Presentación del libro "Berta Cáccamo. Horas Felices"
Evento a cargo de Juan de Nieves en la Galería Formatocomodo

El libro publicado por el Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo Español.
Textos de Juan de Nieves y Patricia Dauder.
Diseño Tipos móviles. Coordinación editorial - Juan de Nieves.

Nov  19,  2022 - Apr  23,  2023

Artists

• Adán Vallecillo  Alia Farid  Álvaro Barrios  Ana Mendieta  Candida Alvarez Christopher Cozier Cosmo Whyte David Medalla Deborah Jack Denzil Forrester
• Donald Rodney Donna Conlon and Jonathan Harker Ebony G. Patterson
• Engel Leonardo  .y mas
  

ARTFORUM

Berta Cáccamo

MUSEO PATIO HERRERIANO DE VALLADOLID
January 29–May 15, 2022

Un barco ebrio eclecticismo, institucionalidad y desobediencia en los ochenta

Edificio Nouvel, Planta 0

La publicación Camiño Negro. Damián Ucieda ya está a la venta en librerias, plataformas digitales y en la página web de la editorial Turner Libros.

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Entre los proyectos ganadores de generación 2022 en la Casa Encendida La Casa Encendida presenta la exposición de los proyectos ganadores de Generación 2022, convocatoria de la Fundación Montemadrid destinada a artistas menores de treinta y cinco años que, como cada año, muestra una selección del panorama del arte contemporáneo más actual.Los ocho artistas que han resultado seleccionados son: Nora Aurrekoetxea (Bilbao, 1989), Christian García Bello (A Coruña, 1986), Pablo Durango (Madrid, 1988), Esther Gatón (Valladolid, 1988), Abel Jaramillo (Medina de las Torres, Badajoz, 1993), Mónica Mays (Madrid, 1990), Sofía Montenegro (Madrid, 1988) y Sara Santana (Alcobendas, Madrid, 1994). Este año el jurado ha estado compuesto por Irene Aristizábal, jefa de curaduría y programas públicos en el Baltic Centre for Contemporary Art (Londres); Juan Canela, director artístico de ZsONAMACO en Ciudad de México y curador asociado del Centro de Residencias Artísticas de Matadero; y Keyna Eleison, directora artística del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro. Christian participa con el proyecto Esgrafiado   Serigrafía con tintas de minio de plomo y corteza de pino sobre papel de algodón teñido con corteza de roble   90 x 63 cm https://www.lacasaencendida.es/exposiciones/generacion-2022-13300

PILAR JUNCOSA & SOTHEBY’S AWARDS AND GRANTS 2020.

Grant for accommodation and participation at the Slade School of Fine Art, University College, London

https://miromallorca.com/en/pilar-juncosa-sothebys-awards-and-grants-2021-open-call/

Exposición colectiva : „Ehrenfeld“

24 de abril - 29 de mayo de 2021

Daniel Boccato, Jonathan Binet, Samuel Francois, Max Frintrop, Manor Grunewald, Agata Ingarden, Jens Kothe, Colin Penno, Johanna von Monkiewitsch, Evan Robarts, Loup Sarion

http://bertholdpott.com/

Fundación DIDAC
19 septiembre / 27 noviembre
Comisariado: David Barro

Pongo mi pie desnudo en el umbral es un proyecto expositivo con tres capas: un relato escrito para la ocasión, el propio dispositivo plástico de la exposición y una colaboración con María Roja a través de una performance específica.

El título —un verso robado al poeta José Ángel Valente— nos lleva a pensar en una historia que concluye o se inicia, pero desde luego una historia que avanza caminando, tocando, pisando, como sucede en el relato que vertebra la exposición.

Este relato es la historia de un hallazgo: los diarios de viaje de una mujer llamada Dirse que peregrinó desde Amberes hasta A Guarda en algún momento entre los siglos XVI y XVII y que pasó sus últimos días en el Monte de Santa Trega, mirando la desembocadura del Miño, el umbral que separa Galicia de Portugal.

La exposición se plantea como una colección de miradas fragmentadas y solapadas sobre la historia de Dirse que van puntuando la sala y articulando una narración espacial en torno el paisaje, la espiritualidad, la ritualidad, la arquitectura y las formas vernáculas.

O pronunciamento

Carla Souto / Carme Nogueira / Diego Santomé/ Jorge Varela / Mar Ramón/ Rodríguez-Méndez
Ángel Calvo Ulloa (comisario)

Galeria Vilaseco A Coruña

Dice la filósofa Marie-José Mondzain que el levantamiento de la insurrección es una energía revolucionaria sin la cual el orden no sería más que una dictadura burocrática. En el proyecto expositivo y editorial que Georges Didi-Huberman realizó a partir de la estetización de la insurrección, en el cual se incluye el texto de Mondzain, el francés recupera una escena ya icónica de la historia del cine, perteneciente a la película Cero en conducta de Jean Vigo. En ella, después de una hermosa guerra colectiva de almohadas protagonizada por los alumnos de un internado, y el posterior desfile triunfal a lo largo del dormitorio que todos compartían, cuatro de ellos ascienden al tejado de la escuela y comienzan a lanzar toda suerte de objetos contra bedeles, profesores, familiares y notables reunidos en el patio.    

Refiriéndose a la revuelta de Cero en conducta, afirma Didi-Huberman que todo aquí exhibe la marca de la insurrección: gestual, verbal, psíquica y atmosférica, desde los mínimos gestos de la revuelta hasta el “texto de proclamación”  -en alusión a la proclama que previo a la insurrección es leída en el dormitorio por uno de los jóvenes- y a la ascensión final de los insurrectos al tejado del colegio, pasando por las sábanas lanzadas al aire y por las almohadas rasgadas.  

En la línea de las reflexiones de Mondzain y Didi-Huberman O pronunciamento parte de una noticia aparecida el 13 de diciembre de 1857 en el diario El País Diario de Pontevedra a propósito de los disturbios que habían tenido lugar el día 7 de aquel mismo mes en la Fábrica de Tabacos de A Palloza (A Coruña). Según la crónica, los cambios introducidos en la producción de los cigarros y la llegada de máquinas liadoras habían provocado una fuerte reducción salarial y el despido de muchas trabajadoras. Como consecuencia, el levantamiento de las mujeres se inició aquella mañana en el interior de la fábrica, pasando posteriormente a destruir y tirar la materia prima y la maquinaria al mar. Informadas del suceso, las autoridades competentes se desplazaron hasta el lugar con las fuerzas de infantería y caballería, donde fueron recibidas por las trabajadoras con una lluvia de tejas desde los tejados de la fábrica, hasta que más de una veintena de ellas –más de treinta según otros medios- fueron detenidas y trasladadas hasta la cárcel de O Parrote. Conscientes dichas autoridades de la posibilidad de que la ciudad se levantara en apoyo a las cigarreras, decidieron conducirlas por mar hasta el penal, sin prever que a la llegada iban a ser abordados por un amplio grupo de insurrectas que apedreó nuevamente a los militares.    

O pronunciamento toma con amplia libertad este suceso para ponerlo en manos de seis creadores y creadoras gallegas, y analizar en sus respectivos procesos el poso, no de la insurrección como tema, sino de la estetización de los gestos que, como en el caso de la insurrección, ponen su foco en lo que de incorpóreo existe en la agitación de los cuerpos, y en los recuerdos que, por situarse a veces en los márgenes de la historia oficial, o por inscribirse en los múltiples relatos anónimos que configuran una historia oficiosa, no se encuentran insertados en esa crónica asimilada. 

Esos hechos que nos acompañan y que se diluyen en forma de recuerdos cuya presencia física suele limitarse a los rastros que deja su vacío, son una de las razones que lleva a MAR RAMÓN a reparar en las esquinas de la casa familiar e identificarlas como históricos espacios de conflicto. Dentro de la estructura de una casa, las esquinas son lugares donde no sucede nada, lugares de mínimo contacto que funcionan como espacio de refugio. Se materializa el hueco con el cuerpo cerámico, luego expuesto, descontextualizado, desnudo y frágil. Así, lo que ella extrae de esa experiencia, aunque efectivamente hable de la materialización de ese no lugar, aporta también informaciones físicas sobre la casa y sobre el acto de acurrucarse. 

También desde la adaptación al espacio, CARLA SOUTO aporta un grupo de esculturas de escayola y arcilla que aluden a los volúmenes del cuerpo desde la indefinición de su positivo o negativo, en correspondencia con las formas que se vinculan con lo público –en la medida en que un cuerpo pueda o quiera relacionarse con la idea de lo público- o con lo privado y/o lo íntimo. Junto con estas esculturas encontramos diferentes registros fotográficos en los que se establece una relación del cuerpo con la naturaleza, estableciendo una serie de vínculos no reglados entre la imagen y el volumen escultórico, que actúan en un espacio otro que se activa entre ellas.

Desde el año 2007, mi Madre (sastra de profesión) confecciona, cada mes, un pantalón y una camisa con las dimensiones de mi padre, que envía a mi dirección en Madrid en un paquete que nunca abro. Una acción que uso como pretexto para recibir y acumular mi nombre escrito por ella, sobre un embalaje que contiene una información física y actual de mi padre. Así describió RODRÍGUEZ-MÉNDEZ Región de validez, una pieza que se inscribe en el trabajo que él desarrolla desde los límites de la escultura. Detenido el envío en 2017, Región de validez continúa siendo un enigma, y no únicamente por el gesto de permanecer oculta, sino por el hecho de introducirse en un espacio que despierta intereses adscritos a diversos niveles de la lingüística. 

En el nexo existente entre la memoria de los gestos y la del saber hacer, vinculado inevitablemente a la labor de los y las artistas presentes en esta exposición, subyace también un interés por la tradición plástica. En el caso de DIEGO SANTOMÉ, sus xilografías son el resultado no sólo de una aspiración formal, sino de un deseo por abordar su trabajo al ralentí, que le permita revertir la creciente tendencia a apurar los procesos. Las tablas sobre las que se inscriben estas nubes exigen de un largo tiempo de elaboración y, al mismo tiempo, requieren del oficio de una técnica tradicional estampada de un modo rudimentario. Al margen del gesto físico que requiere su elaboración, Santomé alude, cuando habla de estas piezas, a la importancia que la xilografía ha tenido históricamente para los y las artistas que, comprometidas artística y políticamente, buscaron difundir y democratizar su obra. En el caso de Santomé, además, la decisión de grabar nubes nos lleva a reparar inevitablemente en el giño irónico de la pérdida de tiempo.  

Aunque el tema de la insurrección es abordado aquí de un modo poco categórico, no se puede obviar la importancia de lo simbólico en la novela que Emilia Pardo Bazán publicó en 1883 bajo el título La Tribuna, y que narra las duras condiciones de vida de esas mujeres, incluyendo de manera destacada los detalles del levantamiento violento de las trabajadoras contra los patrones. CARME NOGUEIRA quiere profundizar en este episodio tomando la imagen modernista de la mujer fumadora que la Compañía Arrendataria de Tabacos estampaba en las cajas de Farias fabricadas en A Palloza. Esa imagen, popularizada tras el diseño que Alphonse Mucha realizara a finales del XIX para una campaña de los cigarros Job, se extendió rápidamente en el ámbito de la publicidad, no así en la vida real, ya que el consumo de tabaco por parte de las mujeres continuó siendo un tabú hasta hace muy poco. Nogueira transforma la imagen en tribuna, lista para ser utilizada en un pronunciamiento, e inscribe en su madera esa silueta en la que el escalón que hace posible el ascenso a ella se corresponde con el rostro y con el humo que exhala esta figura, y que puede recordar tanto al gesto ascensional –a la tribuna o al tejado- cuya finalidad es el pronunciamiento, como al hecho de que el término La Tribuna sea utilizado también por Pardo Bazán para nombrar a la protagonista, conformando con esto un juego abstracto entre el dispositivo, la persona y la colectividad.   

En este juego abstracto se inserta también la propuesta de JORGE VARELA, y no sólo desde el relato de Pardo Bazán, sino desde los aspectos formales en que el propio hecho de pronunciarse –quizás en esa acepción que lo contempla como la acción de dar más intensidad a algo- deviene en elemento físico para que esa pronuncia cobre mayor presencia y/o intensidad. Así, partiendo del diseño que El Lissitzky firmara para la tribuna de Lenin, Varela propone una serie de volúmenes geométricos serrados en granito negro, que funcionan como un despliegue de cada una de las partes del proyecto de El Lissitzky. El resultado es el gesto mínimo y preciso que todo monumento aspira a ser, conectando en este caso de un modo hábil con los Proun –proyecto para la afirmación de lo nuevo- que acuñara el ruso, en los que empleaba los elementos básicos del pensamiento arquitectónico –la masa, el peso, el espacio, el ritmo- haciéndolos estéticos y privándolos de la función utilitaria que es propia del proyecto arquitectónico. 

El resultado es una exposición apenas dirigida, en la que cada artista se mantiene en su lugar, donde espera a que el tema se acerque, y este se va adaptando a la forma supuesta de cada gesto, esperando a que también el espectador forme parte de esa flexibilidad y se aproxime de tantas formas como individuos la recorran. Termina Marie-José Mondzain diciendo que presentar el problema requiere que el espectador acuda al encuentro con el enigma de su propia visibilidad, que sienta sacudidas sus certezas estructurales, para sumergirse en la multiplicidad de las temporalidades, en la reversibilidad de todas las orientaciones.

Ángel Calvo Ulloa

M+B is pleased to present Cannibal Valley, an exhibition of new works by Daniel Boccato and Loup Sarion, the artists’ first exhibition with the gallery and in Los Angeles. The exhibition runs from September 14 through November 9, 2019, with an opening reception on Saturday, September 14 from 6 to 8 pm.

 
Cannibal Valley brings together the sculptural objects of Loup Sarion and Daniel Boccato, united by the artists’ collaborative friendship and interest in abstract figurative forms.

https://www.mbart.com/exhibitions/186/overview/

Farol

MAC Niterói

Rio de Janeiro, Brazil

RODRIGUEZ-MENDEZ  realiza un proyecto editorial y expositivo para CICLÓN , coordinado por David Silva y Misha Bies 

 Inauguración 31 julio
Santiago de Compostela

El trabajo de Rodríguez-Méndez analiza los principios materiales de la escultura y la experiencia física esencial del hombre en proyectos que combinan acción y escultura para explorar la interacción o el equilibrio de energías entre los dos.

Lo Perfecto. Arriba* En

*Título de carácter general, que reúne todos los proyectos realizados durante los años 2015 – 2017 en Oslo, Noruega. Serie de 196 fotografías.

Envase de un litro de plástico, derretido en gotas sobre papeles. Responde a la idea de practicar un vaciamiento, un intento de reproducir ese volumen interno sobre una superficie en la reducida forma y conclusiva de una gota.

Una dimensión ulterior, que puede verse en cinco salas de las plantas segunda y tercera del Museo, toma aquella exposición como punto de partida para realizar un ejercicio similar, y pulsar el modo en que ha evolucionado la escultura en España hasta nuestros días. Incluye muchas de las obras que integraron la muestra de 2003 y otras realizadas en fechas recientes por creadores españoles de generaciones sucesivas. Si Cuatro dimensiones eludía la vehemencia de los grandes relatos, Una dimensión ulterior refuerza también el valor de las historias pequeñas. No es baladí que el título de esta muestra haya optado por el indeterminado “una” en vez del determinado “la”, pues, como sabemos, no hay ya cabida para lecturas unívocas de las prácticas artísticas de nuestro tiempo, y la que aquí se ofrece es sólo una de tantas posibles, si bien, admitimos, pretende ser un recorrido que trate de explicar con cierta solvencia algunas de las claves de la escultura de hoy.

Artistas participantes: Ignasi Aballí, Elena Aitzkoa, Elena Asins, Jorge Barbi, David Bestué, Elena Blasco, Jacobo Castellano, Jordi Colomer, June Crespo, Ángela de la Cruz, Patricia Dauder, Diego Delas, Pepe Espaliú, Ángel Ferrant, Nuria Fuster, Fernando García, Christian García Bello, Cristina Iglesias, Pello Irazu, Carlos Irijalba, Antoni Llena, Eva Lootz, Juan López, Asier Mendizabal, Mitsuo Miura, Itziar O  Okariz, Jaime Pitarch, Adolfo Schlosser, Fernando Sinaga, Teresa Solar, Julia Spínola y Susana Solano.

Rodríguez-Méndez presenta o Episodio #05 de Creación Contemporánea: «Ir»

Vídeo 47 min. Casal Solleric, Palma de Mallorca, Spain 2018  &  Video 1h25min.  /  Oslo, Norway 2016

Proyecto para la exposición:  

"Un sujeto construido en el punto de intersección de la multiplicidad de posiciones de sujeto".  Comisaria: Diana Guijarro.

I say error / Digo error

Vídeo 47 min.  

Digo error es una liturgia del recordar. Hay una idea de recuperar lo perdido, una voluntad de reconstrucción a través de un nuevo conocimiento.

Descripción:

- 4 placas de yeso prensado en el centro del patio de Casal Solleric y separadas entre sí. Medidas de cada una: 300x120x1,5cm.

- Primera acción: El artista deshilacha parte de uno de los hombros de la americana de un hombre. Deja caer los hilos al suelo.

- Segunda acción: El artista, con una lente graduada fijada en el talón derecho de su zapato, va golpeando las placas de yeso hasta que entren en contacto en el centro.

- La acción finaliza cuando las placas se juntan entre sí.

Bomba de humo apotropaica

The apparition of these faces in the crowd;

Petals on a wet, black bough

Ezra Pound

In a Station of the Metro, 1913

Paciencia y Fortaleza custodian la New York Public Library y Daoíz y Velarde el Congreso de los Diputados. Leones protegen las puertas de la Ciudad Prohibida y leonas las de Micenas. Los hubo de Nemea y de Judea; otros fueron vigilantes del sueño eterno de los poderosos. Los leones Médici se copiaron hasta la náusea y ahora casi todos se producen en serie, como los jardineros de Daniel Boccato. Distribuidos por las salas, los centinelas de Daniel miran directamente a los ojos pidiendo santo y seña. Su poderosa aura ya no resulta tan benéfica como la de sus antepasados. En apariencia protectora, es más bien amenazante. Estos leones-hito han dejado de ser mágicos en si mismos para transformarse en artefactos especulares.

La instalación de Daniel Boccato conecta el tiempo presente, de selfies y tecnologías de reconocimiento facial, con un pasado moderno y pre-digital, y es a la vez distopía. Con lodos encontrados en el sótano de Dostoievski se modelan estos bellos leones, bombas de humo apotropaicas creadas para ocultar a ojos vistas la realidad del subsuelo. Leones artificiales, sacados de un sueño de Philip K. Dick, se acomodan sobre unos pedestales que son ahora el elemento variable y nos recuerdan que la aceptación del individualismo lleva implícito el derecho a la autodestrucción. Las esculturas están bajo los leones y son una muestra del sustrato social de la contemporaneidad. Construidos con elementos de diversa procedencia y estética contradictoria, trascienden el ready-made mediante sutiles guiños poéticos y referencias personales que el autor oculta a propósito, pero cuya impronta es legible. Leídas como plintos romanos, estas esculturas de base cuentan dudosas hazañas de los leones retratados, más bien anécdotas cotidianas, urbanas y sobre todo carentes de sentido. Historias tan fragmentadas en su unidad, como la propia representación del león, que trae consigo un pasado muy pesado. Incluso cabe una lectura social de la instalación, de la actualidad tecnológica y consumista en la era Trump: protagonizada por una masa aleccionada para la uniformidad y sostenida en la ilusión de su unicidad que termina por igualarse por abajo, encumbrando lo más zafio. El impreciso límite entre lo artificial y lo natural, la decadencia de la vida y la sociedad, y el significado de la individualidad en el mundo de hoy son algunas de las cuestiones presentes en el trabajo de Daniel Boccato.

Sin mediar verbo, el primer verso y el segundo se juntan precisamente en el momento de la acción. Pedestal y clon, escultura y objeto. Como en el poema de Pound, como en los haikus, la conexión va de cuenta de quien observa. Solo que ese sujeto es también vigilado, acechado por leones que devuelven el verso cambiado de orden. Desvergonzados trileros heráldicos, hipnotizan al ojo previamente anestesiado por la multitud de caras legibles, simétricas, repetidas. La refrescante paradoja que Boccato diseña entre el arriba y el abajo, bascula entre la reconfortante visión de estos reyes destronados y el deshecho que nos define, entre la aspiración del ideal y el dinamismo de lo real. En línea con sus trabajos anteriores, en esta instalación incómoda el símbolo se escurre por el lavabo y la metáfora se diluye en la confortabilidad de un signo reconocible, de una cara agradable, en la ilusión de creernos únicos y merecedores.

Yara Sonseca

ART CENTER/SOUTH FLORIDA RESIDENCY

Mar Guerrero ha sido seleccionada para realizar una estancia en residencia en Art Center/South Florida, Miami. Esta residencia es una oportunidad que se ofreció a los artistas baleares participantes en el  programa de formación “Les Clíniques d’Es Baluard”, cuyo objetivo principal es fomentar la profesionalización del sector y facilitar las herramientas de análisis, conocimiento, recursos y seguimiento de la práctica creativa y de pensamiento desde el museo. Por ello, la residencia en el Art Center/South Florida constituye una gran oportunidad para conocer el contexto artístico de Miami así como los programas de formación de artistas desarrollados desde esta institución artística. Esta residencia es posible, además, gracias a la colaboración mantenida entre Es Baluard y el Illenc. La residencia tendrá lugar durante el mes de marzo de 2018 y permitirá participar a la artista en el Program for Applied Artistic Research.

http://www.artcentersf.org/

Christian García Bello.

If Christian García Bello’s second show at this gallery seems to stage no major overhauls of his first, progress nonetheless lies within the reaffirmation of his perseverance. In this light, the exhibition represents a remarkable step forward in his still-young career. Titled, somewhat awkwardly, “Ahora no es pretérito todavía” (Now it is still not the past), the show reflects on how our relationship with time informs our perception of space. His drawings and sculptures share a precise blend of representation and abstraction, mathematical rhetoric and transcendent nebulousness, as he draws from rigorous classical humanism and from hazier Romantic movements in equal measure.

On entering the gallery, one easily detects the relevance of rhythm in his exquisite installation. It stems from a careful study of human proportions in the context of the gallery’s singular architecture. Drawing out our gaze, a vertical wooden form expands toward the wall, punctuated by both drawings and sculptures that share a distinctive ingredient: On all of them, thin layers of wax subtly accumulate to produce dense surfaces with an enthralling aura. They represent architectural motifs as well as shadows and hollow spaces, relentlessly swinging between the tangible and the ethereal. The three wooden sculptures on view are found objects that evolve into abstractions evoking a melancholic sense of longing, while unambiguously reflecting shapes and symbols drawn from traditional art of Galicia. Apathetic toward fuzzy trends and unnegotiably committed to austere formalism, García Bello understands his work as a body of complex textures providing a humble and serene take on the infinite.

— Javier Hontoria

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Desarrolla el proyecto Cosmic networks en Nirox Foundation (Sudáfrica) dentro del Programa de Residencias El Ranchito de Matadero Madrid – AECID.

A partir de la observación concreta del espacio se ponen en cuestión ideas sobre progreso tecnológico y estéticas migratorias a través de las dicotomías que se establecen entre tradición y futuro, investigando acerca del concepto de “redes” a partir de dos ejes principales: el primero parte de la idea de “redes humanas”, que se lleva a cabo a través de una serie de acciones grupales; el segundo punto se relaciona con la idea de “redes tecnológicas”, donde se establece una investigación acerca de SKA (Square Kilometre Array), un proyecto desarrollado a nivel internacional para poner en marcha el que será el mayor radiotelescopio de la Tierra, construyéndose en The Great Karoo desert, Sudáfrica.

Presenta su nueva exposición nut, nuts, nut job en la galería Sorry we're closed de Bruselas.