19 NOV 2022 - Engel Leonardo
Forecast Form: Art in the Caribbean Diaspora, 1990s–Today

Forecast Form: Art in the Caribbean Diaspora, 1990s–Today

Nov  19,  2022 - Apr  23,  2023

The 1990s were a period of profound social, political, and economic transformation. From the dissolution of the Eastern Bloc to the rise of transnational trade agreements, the decade’s large-scale shifts ushered in an era of international connectivity and social upheaval. In the cultural sector, art exhibitions expanded and turned global, and dialogues around identity, especially by those who have suffered systemic oppression, were featured front and center in cultural debates. The forces of this pivotal decade also had a major effect on the production, circulation, and presentation of art from the Caribbean.
The exhibition is curated byCarla Acevedo-Yates, Marilyn and Larry Fields Curator, withIris Colburn, Curatorial Assistant,Isabel Casso, former Susman Curatorial Fellow, andNolan Jimbo, Susman Curatorial Fellow.


  • Adán Vallecillo  Alia Farid  Álvaro Barrios  Ana Mendieta  Candida Alvarez Christopher Cozier Cosmo Whyte David Medalla Deborah Jack Denzil Forrester
  • Donald Rodney Donna Conlon and Jonathan Harker Ebony G. Patterson
  • Engel Leonardo  .y mas
Forecast Form: Art in the Caribbean Diaspora, 1990s–Today
7 JUL 2022 - Damian Ucieda
Hay un río de oro negro bajo A Coruña
EL PAIS.BABELIA  Hay un río de oro negro bajo A Coruña

Gloria Crespo Maclennan

‘Camiño negro’ es una serie fotográfica que recorre el itinerario trazado por un oleoducto soterrado a lo largo de seis kilómetros en la ciudad gallega, que pone de relevancia las contradicciones entre la idea de progreso y otras alternativas de subsistenciaExiste una ruta soterrada en A Coruña que no es fácil de detectar. Se extiende a los largo de seis kilómetros, entre arrabales, carreteras y zonas verdes. Un camino de ida y vuelta, por donde circulan toneladas de petróleo. Parte del puerto hasta alcanzar la refinería del valle de Bens, pero su recorrido es solo visible en su primer tramo, cuando cruza la carretera desde el puerto y a su paso por el barrio de los Castros. El resto queda oculto a los ojos de los transeúntes. Solo unas balizas bicolor, las cámaras de seguridad o distintos carteles advierten indirectamente de su existencia. Un camino de oro negro que revela la transformación de un territorio y pone en evidencia las contradicciones entra la idea de progreso y la pervivencia de otras formas de vida y subsistencia. La tensión entre la población y una industria pesada que Damián Ucieda (A Coruña, 1980) ha sabido captar con su cámara para dar forma a un libro y a una exposición que comparten título, Camiño Negro
Hay un río de oro negro bajo A Coruña
26 ABR 2022 - Berta Cáccamo
Description of the day

Berta Cáccamo,    Descrición do día(Description of the day),
1988–90,mixed medium on canvas and board, each piece 27 1/2 x 21 1/2ARTFORUM


Berta Cáccamo

January 29–May 15, 2022

After living in Barcelona, Paris, and Rome, Berta Cáccamo returned in the mid-1990s to her native Galicia, where she made “Horas felices” (Happy Hours), a series of one-line abstractions in which a thick, sinuous brushstroke expands across each canvas, folding in on itself like an intestine. The series lends its title to this exhibition, which brings together paintings by the artist dated from the late 1980s to 2018 alongside notebooks, sketches, annotations, and a collection of knickknacks and discarded objects.These years map a trajectory, from the discreet informalism of her early output, to the embrace of a more autonomous stroke—slow and meandering—to colorful abstractions, to a more process-oriented approach open to various mediums and techniques. In untitled works from 1990, the paper absorbs the ink, creating organic marbling patterns. Other times, as inBlue, 1996, the brush is dragged so that, with the winding or straightness of the gesture, paint accumulates on the edges of the stroke or is dispersed by the movement of the bristles. From her own statements, we know that Cáccamo conceived of painting as a method of introspection where literature and philosophy also played a part. Here, we are deprived of her words, left to somehow content ourselves with a body of work cut tragically short with the artist’s death in 2018, at age fifty-eight. Seeing how the same motifs and colors emerge repeatedly in her work, we can fantasize that painting, even in the absence of its author, continues to converse with her.

Translated from Spanish by Michele Faguet.

Joaquín Jesús Sánchez
Description of the day
12 MAR 2022 - Loup Sarion
Text by Emma McCormick-Goodhart x Bureau Eponym
Brassaï: In the lower strata of the valley of Les Eyzies, excavation archaeologists had the brilliant idea of preserving a cross-section four to five meters high, with layers built up over millennia. It’s like a mille-feuille.

Picass And you know what’s responsible? It’s dust! The earth doesn’t have a housekeeper to do the dusting. And the dust that falls on it every day remains there. Everything that’s come down to us from the past has been conserved by dust.”—Pablo Picasso to Brassaï

“It's just dirt, really.”—Peter Schlesinger . . .

 Brassaï’s “mille-feuille,” Picasso’s phantom duster: such stratification is a leitmotif in Loup Sarion’s two new parallel bodies of work in Saliva, of architectonic resin panel reliefs, and nose forms sculptured in beeswax.

Sarion’s panels’ sedimentations—his “mille-feuille”—are not so much of timescale, though, but of site and species of skin. Composites and complex infoldings, in part, of fissure and cupule-filled walls of his studio, and floors of his apartment, his panel casts, via the molds that mothered them, migrate lived architectures in Bushwick, Brooklyn, to neutraler ones in Cologne. As if skin tissue being grafted, they clothe gallery walls in sudden synthetic material fictions of an epidermal kind of urban Palaeolithic, which, in feeling, share something of the inevitability and drama of a fossil’s sedimentary re-emergence as readymade relief. What was first floor is now wall—not that such axes hold, as in caves, which are simply volumes wrought by water. Spatialities of uninterrupted geological fabric.

Here, casts molt city surfaces, turning hide in their unpeeling, and into which real dust—like white noise—paints itself, by itself, in particle heap. An aesthetics of the nan specs of black floor paint, rust flecks from a belt. Even sheen endures its translation from negative to positive. One thinks of Heidi Bucher’s “skinnings,” of interior architectures coated in latex and then stripped, rendered entire, except Sarion makes stranger, chimeric figurations; ones that move further from their sources. His are haptic, but unfaithful facsimiles—and in their playful imaging of fabric and occasional frottage-applied pigment, whether charcoal or metal dust, more like Pati Hill’s xeroxes than indexical molds.

Leather belts, mostly sidewalk foraged, their skin still legible as such; walking canes, always sensory prostheses and spatial stethoscopes that “see” for us. A shirt, uncannily soft even in newfound solid form, though note its loose soil hem. These layerings have their origin in his and any’s lovers’ clothes’ own entwinings—the hasty undress in the kitchen, the strewing—inadvertent mapmaking reencountered as chance logic mornings after. As casts of molds that themselves “kissed” walls, Sarion’s panels are love letters of a mille-feuille kind. Of an eros of the imprint.

Nose extrusions, in counterpoint, perform a prosthetic kiss of remote sensing—as aerial, olfactive “tongues,” and mouths for molecules, whose machinations remain occluded from view. They insist, sotto voce, that unmoldable anatomical cavities are the lived architectures that give us to sense, to wish to touch, to want to mold, in the first place. Urges that exceed origin.

 New York City, March 2022

Loup Sarion: Born 1987 in France, lives and works in New York.

Selected solo and 2-person exhibitions:AD, New York, USA / Berthold Pott, Cologne, Germany /C L E A R I N G, New York, USA / Jeanroch Dard, Brussels, Belgium / Formatocomodo, Madrid, Spain / Kunstverein Heppenheim, Germany / M+B, Los Angeles, USA / Sorry We Are Closed, Brussels, Belgium / Spazio A, Pistoia, Italy

Selected group exhibitions:Carl Kostyal, Sweden, MAC Val Museum, France / Socrates sculpture park, New York, USA /Upcoming: International Objects, New York, USA (April 2022) / Le 109, Biennale de Nice, France (June 2022)
2 MAR 2022 - Victoria Gíl
Victoria Gil  participa en la exposición en el MNCARS

Un barco ebrio eclecticismo, institucionalidad y desobediencia en los ochenta

Edificio Nouvel, Planta 0

En la década de los ochenta, varias exposiciones conformaron las sensibilidades del momento. Rudi Fuchs, comisario de la Documenta de Kassel de 1982, contempló la posibilidad de titular dicha muestra El barco ebrio. Este poema de Arthur Rimbaud aludiría a la deriva de un arte que navega sin un rumbo fijo, al margen de las «guerras de estilo». Esta ausencia de hegemonías terminó por traducirse en un eclecticismo de las formas que definieron las prácticas artísticas de aquellos años. Una parte de la historiografía lo interpretó como un giro hacia valores conservadores, donde la ausencia de la historia y de la crítica, así como la recuperación del individualismo artístico, se correspondían con una realidad social y política dominada por la era Reagan-Thatcher.En España, la joven democracia impulsaba una institucionalización del arte que reemplazase las luchas sociales contra el franquismo. En este contexto, la creación de la feria ARCO o del Centro de Arte Reina Sofía se acompañó de una intensa política de exposiciones nacionales e internacionales, con el retorno a la pintura como lengua franca. Frente a este aparente conservadurismo, surgen una serie de prácticas de desobediencia que expresan su descontento con las instituciones y se enfrentan a crisis como la pandemia del sida. Un arte que apostará por actitudes postpunk, nuevas versiones del feminismo y de la subversión de los cuerpos.

24 FEB 2022 - Miquel Mont
En esta segunda edición de PANORAMA MADRID las exposiciones y galerías seleccionadas han sido:
Belén Uriel, Rayo Verde. The RYDER Projects
Fernando Sánchez Castillo, Ex Positio. Albarrán Bourdais
Gonçalo Sena, Circular Spaces. Galería Heinrich Ehrhardt
Juan López, Surco. Galería Juan Silió
Julian Rosefeldt, Penumbra. Galería Helga de Alvear
Los Torreznos,  Las Palabras y las Cosas. Galería Freijo
Martin Llavaneras, Delta. Intersticio
Mercedes Azpilicueta, Katalina, Antonio, Alonso. NoguerasBlanchard
Miquel Mont, Deseos Borrados Recoloreados. Galería FORMATOCOMODO
Oriol Vilanova, Con los ojos abiertos en la oscuridad. Galería Elba Benítez
23 FEB 2022 - Damian Ucieda
LIBRO , Camiño Negro
23.02.22   Camiño Negro. Damián Ucieda

La publicación Camiño Negro. Damián Ucieda ya está a la venta en librerias, plataformas digitales y en la página web de la editorial Turner Libros.

To order

LIBRO , Camiño Negro
3 FEB 2022 - Christian Garcia Bello
Generaciones 2022

Entre los proyectos ganadores de generación 2022 en la Casa Encendida

La Casa Encendida presenta la exposición de los proyectos ganadores de Generación 2022, convocatoria de la Fundación Montemadrid destinada a artistas menores de treinta y cinco años que, como cada año, muestra una selección del panorama del arte contemporáneo más actual.Los ocho artistas que han resultado seleccionados son:

Nora Aurrekoetxea (Bilbao, 1989), Christian García Bello (A Coruña, 1986), Pablo Durango (Madrid, 1988), Esther Gatón (Valladolid, 1988), Abel Jaramillo (Medina de las Torres, Badajoz, 1993), Mónica Mays (Madrid, 1990), Sofía Montenegro (Madrid, 1988) y Sara Santana (Alcobendas, Madrid, 1994).

Este año el jurado ha estado compuesto por Irene Aristizábal, jefa de curaduría y programas públicos en el Baltic Centre for Contemporary Art (Londres); Juan Canela, director artístico de ZsONAMACO en Ciudad de México y curador asociado del Centro de Residencias Artísticas de Matadero; y Keyna Eleison, directora artística del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro.

Christian participa con el proyecto
Serigrafía con tintas de minio de plomo y corteza de pino sobre papel de algodón teñido con corteza de roble   90 x 63 cm
Generaciones 2022
29 ENE 2022 - Berta Cáccamo

HORAS FELICES     de Berta Cáccamo Patio Herreriano.
Museo de arte contemporáneo Español . Valladolid 29 -1 / 29-5/2022

 “Horas Felices” es una exposición de carácter retrospectivo en torno a la obra de la artista gallega Berta Cáccamo (Vigo, 1963-2018), una de las pintoras más relevantes de su generación. En ella, su comisario, Juan de Nieves, propone un juego de asociaciones poéticas entre obras de diferentes momentos, desde finales de los años ochenta hasta su muerte en 2018. El título de la exposición hace referencia a una serie de pinturas realizada a mediados de los noventa, un sencillo enunciado mediante el que la artista apela a un momento vital muy preciso de reafirmación de la pintura como práctica liberadora. Berta Cáccamo se formó en Barcelona, donde entró en contacto con la tradición catalana, y marchó en 1989 a París, donde comenzó a forjar un estilo propio basado en una intensa y rigurosa reflexión sobre el hecho de pintar. De esta incesante investigación da fe el buen número de dibujos y de cuadernos que le acompañaron toda su vida y que pueden verse en esta exposición. A su regreso a Galicia, Cáccamo trabajó exhaustivamente en una pintura en la que vertía, a un mismo tiempo, ricas referencias a la historia del arte y un poderoso caudal emocional. La programación de "Berta Cáccamo. Horas felices” responde a nuestra voluntad de revisar y presentar la obra de mujeres pintoras activas en nuestro país y pertenecientes a generaciones diversas, como Soledad Sevilla o Mercedes Mangrané.
6 NOV 2021 - Victoria Gíl
Manuel Segade y Tania Pardo, director y subdirectora del Centro de Arte Dos de Mayo

Con obras de Caroline Achaintre, Nora Aurrekoetxea, Mercedes Azpilicueta, Leda Catunda, Victoria Gil, Josep Grau-Garriga, Arturo Herrera, Julia Huete, Gabriel Kuri, Cristina Lucas, Teresa Margolles, Ana de Matos, Asunción Molinos Gordo, Tejiendo Móstoles, Sonia Navarro, Nohemí Pérez, Laure Prouvost, Belén Rodríguez y Yinka Shonibare

Las obras que se exponen forman parte de la Colección Fundación ARCO, o de la Colección CA2M (Centro de Arte Dos de Mayo), con excepción del trabajo firmado por Tejiendo Móstoles que es propiedad de este colectivo.Del 6 de noviembre de 2021 al 27 de marzo de 2021

20 SEP 2021 - Engel Leonardo
El Momento del Yagrumo
El momento del yagrumo examina nuestra relación con la naturaleza a través de tres temas centrales: los derechos de la naturaleza; los reclamos de soberanía y resistencia; por medio del trabajo de 21 artistas y colectivos activos en el Caribe y las Américas.

El momento del yagrumo curada por Marina Reyes Franco, no se limita a elaborar un discurso crítico sobre el impacto de la actividad humana en el entorno natural, sino que a través de la selección de obras prioriza, además, en soluciones a esta problemática basadas en la propia naturaleza. La muestra reitera la pertinencia social del artista y su labor al exponer un lenguaje que no solo propicia la experiencia estética, sino que, en este caso, propone opciones para desacelerar el cambio climático.

El Momento del Yagrumo
14 SEP 2021 - Christian Garcia Bello
Caminos es un proyecto que aborda el hecho de caminar, andar, pasear y la vivencia del camino, del vagar, del itinerario y de la peregrinación como fenómenos y experiencia artísticas.

Comisariad Alberto Carton, Santiago Olmo

Artistas:  Richard Long, David NaSiah Armajani, Gabriel Díaz, Roland Fischer, Hamish Fulton, Christian García Bello, Per Kirkebsh, Manolo Paz, Rubén Ramos Balsa, Humberto Rivas, Ulrich Rückriem, Beat Streuli, Jesús Madriñán, Roman Signer, Montserrat Soto, Guido van der Werve, Sophie Whettnall, Peter Wüthrich
7 JUL 2021 - Victoria Gíl
Partcipacion en la feria de ARCO del 7 al 11 de julio
Con la ayuda de
4 MAY 2021 - Mar Guerrero
Presentación del proyecto y LIbro  ( 3 de Mayo al 8 de Mayo )

La luna de cristal, 2020
Realizado en Talleres de Obra Gráfica de la Fundación Pilar y Joan Miró, Mallorca (ES)

Diez estampaciones mediante serigrafía sobre papel Oikos 300g en diferentes formatos. Serie limitada de veinte copias, 36 x 52 cm.

Hallazgos recientes sugieren que la capa de hielo que cubre la luna Europa contiene cloruro de sodio (NaCI), el principal componente de la sal que encontramos en la Tierra. Esta referencia sirve de punto de partida para desarrollar una serie de imágenes que simulan fotografías tomadas de la superfície de esta luna de Júpiter, siendo imágenes procedentes de la costa mallorquina. Esta dualidad espacial nos sitúa en un territorio invadido por la ambiguedad y la incertidumbre. Las esferas que componen las imágenes emergen en un mapa de movimientos distantes y encuentros estelares.

29 ABR 2021 - Mar Guerrero


Grant for accommodation and participation at the Slade School of Fine Art, University College, London

24 ABR 2021 - Daniel Boccato

Exposición colectiva : „Ehrenfeld“

24 de abril - 29 de mayo de 2021

Daniel Boccato, Jonathan Binet, Samuel Francois, Max Frintrop, Manor Grunewald, Agata Ingarden, Jens Kothe, Colin Penno, Johanna von Monkiewitsch, Evan Robarts, Loup Sarion

Del hijo, la respiración’, de RODRÍGUEZ-MÉNDEZ (Proxecto de intervención en Capela do Carmen)
Dos superficies de tela de 9x6m. sobre sendos bastidores son colocadas en los laterales de la Capilla del Carmen en Lugo. Estos lienzos contienen en su parte superior todo el aceite que ha sido entregado por los miembros de la cofradía del Carmen y depositado en una vasija dispuesta en el interior de la iglesia.En Del hijo, la respiraciónel aceite se va desvelando verticalmente por la superficie de la tela, como una presencia que se descubre lentamente y que habla de un peso, una forma corporal sutil extendida construyendo a su vez un paradójico y vívido plano.Me resulta especialmente emotivo que ese material (el aceite) provenga de los espacios íntimos y privados de las familias de los cofrades para unirse en un solo “cuerpo” en la vasija, que posteriormente, en un proceso lento y sin intervención de ningún tipo irá ocupando las dos superficies de tela en una transfor- mación que parecería no acabar nunca, como lento y sin término es el proceso del conocimiento.Contiene en el título de esta obra la atención a dos materiales que simbólicamente se encuentran indivisibles, el oxigeno y el aceite, la condición física limi- tante de un cuerpo en el misterio de ser vivo desde la pertenencia a un origen, un padre y por lo tanto a alguien más y mayor que sí mismo y la de la expan- sión rítmica de la inhalación del oxigeno que como “membrana inmaterial” lo ocupa todo y lo vivifica.
Del hijo, la respiración’, de RODRÍGUEZ-MÉNDEZ (Proxecto de intervención en Capela do Carmen)
 1 de octubre a las 20 horas. Caja Blanca de Las Cigarreras

Exposición dentro de la Convocatoria Buitblanc de la Concejalía de Cultura, Centro Cultural Las Cigarreras.

Rosana Antolí / Gonzalo Puch / Zilvinas Landzbergas / Julia Mariscal / Rodríguez-Méndez / Eduardo Infante.     Comisaria, Diana Guijarro

La exposición Ensayo antes de la actuación es un proyecto de investigación curatorial que busca generar un territorio en proceso de crecimiento. Una especie de fase  preparatoria donde las diferentes propuestas se encaminan a reflexionar sobre la presencia corporal, sobre las posibles interacciones entre los cuerpos y el espacio, y en cómo las partes pueden convertirse en un todo complementario.La propuesta pretende profundizar en las múltiples posibilidades que nos brinda el ensayo y el error entendidos como experimento abierto a la incertidumbre, una prueba para conocer si algo funciona o no y en base a esto, ajustarnos y enlazarnos en una supuesta sincronización dentro de un entorno que se encuentra marcado por diferentes pautas.De esta forma la exposición se entiende como un espacio dinámico, un lugar que los artistas harán crecer exponencialmente a través de una serie de actividades que
buscarán la participación activa de los diferentes públicos.


La heredad.

Papel 50x70cm. Grafito y tintura dorada. La Habana, Cuba 2018 (en proceso).

Simultáneamente un grupo de niños y niñas menores de 6 años dibuja sobre papel una escalera, tomando como modelo una escalera de mano real situada en el mismo espacio donde sucede la acción.
Una vez finalizados todos los dibujos el artista interviene sobre las horizontales de esos dibujos con líquido dorado.

Esta obra está en proceso desde enero del 2018, fecha en la que se inició en la ciudad de La Habana con una se- rie de 6 piezas. Actualmente se ha repetido esta acción en el CCCC - Centre del Carme Cultura Contemporània, Valencia. y proximamente en Las Cigarreras de Alicante.


- Un grupo de niños y niñas no mayores de 6 años.
- En la sala se colocará una escalera de mano apoyada en la pared y que sea visible para todos los niños. - Después de la explicación sobre en que consiste la actividad, se le entregará un lápiz a cada niño.
- Dibujarán sobre el suelo descalzos.
- La orientación de la escalera en el papel puede ser tanto en la vertical como la horizontal del papel.
- El que lo desee podrá repetir el dibujo tantas veces como quiera.
- Esta acción se repetirá si fuese necesario o posible con diferentes grupos de niños y niñas.
29 SEP 2020 - Christian Garcia Bello
Pongo mi pie desnudo en el umbral

Fundación DIDAC
19 septiembre / 27 noviembre
Comisariado: David Barro

Pongo mi pie desnudo en el umbral es un proyecto expositivo con tres capas: un relato escrito para la ocasión, el propio dispositivo plástico de la exposición y una colaboración con María Roja a través de una performance específica.

El título —un verso robado al poeta José Ángel Valente— nos lleva a pensar en una historia que concluye o se inicia, pero desde luego una historia que avanza caminando, tocando, pisando, como sucede en el relato que vertebra la exposición.

Este relato es la historia de un hallazgo: los diarios de viaje de una mujer llamada Dirse que peregrinó desde Amberes hasta A Guarda en algún momento entre los siglos XVI y XVII y que pasó sus últimos días en el Monte de Santa Trega, mirando la desembocadura del Miño, el umbral que separa Galicia de Portugal.

La exposición se plantea como una colección de miradas fragmentadas y solapadas sobre la historia de Dirse que van puntuando la sala y articulando una narración espacial en torno el paisaje, la espiritualidad, la ritualidad, la arquitectura y las formas vernáculas.

Pongo mi pie desnudo en el umbral
O pronunciamento

O pronunciamento

Carla Souto / Carme Nogueira / Diego Santomé/ Jorge Varela / Mar Ramón/ Rodríguez-Méndez
Ángel Calvo Ulloa (comisario)

Galeria Vilaseco A Coruña

Dice la filósofa Marie-José Mondzain que el levantamiento de la insurrección es una energía revolucionaria sin la cual el orden no sería más que una dictadura burocrática. En el proyecto expositivo y editorial que Georges Didi-Huberman realizó a partir de la estetización de la insurrección, en el cual se incluye el texto de Mondzain, el francés recupera una escena ya icónica de la historia del cine, perteneciente a la película Cero en conducta de Jean Vigo. En ella, después de una hermosa guerra colectiva de almohadas protagonizada por los alumnos de un internado, y el posterior desfile triunfal a lo largo del dormitorio que todos compartían, cuatro de ellos ascienden al tejado de la escuela y comienzan a lanzar toda suerte de objetos contra bedeles, profesores, familiares y notables reunidos en el patio.    

Refiriéndose a la revuelta de Cero en conducta, afirma Didi-Huberman que todo aquí exhibe la marca de la insurrección: gestual, verbal, psíquica y atmosférica, desde los mínimos gestos de la revuelta hasta el “texto de proclamación”  -en alusión a la proclama que previo a la insurrección es leída en el dormitorio por uno de los jóvenes- y a la ascensión final de los insurrectos al tejado del colegio, pasando por las sábanas lanzadas al aire y por las almohadas rasgadas.  

En la línea de las reflexiones de Mondzain y Didi-Huberman O pronunciamento parte de una noticia aparecida el 13 de diciembre de 1857 en el diario El País Diario de Pontevedra a propósito de los disturbios que habían tenido lugar el día 7 de aquel mismo mes en la Fábrica de Tabacos de A Palloza (A Coruña). Según la crónica, los cambios introducidos en la producción de los cigarros y la llegada de máquinas liadoras habían provocado una fuerte reducción salarial y el despido de muchas trabajadoras. Como consecuencia, el levantamiento de las mujeres se inició aquella mañana en el interior de la fábrica, pasando posteriormente a destruir y tirar la materia prima y la maquinaria al mar. Informadas del suceso, las autoridades competentes se desplazaron hasta el lugar con las fuerzas de infantería y caballería, donde fueron recibidas por las trabajadoras con una lluvia de tejas desde los tejados de la fábrica, hasta que más de una veintena de ellas –más de treinta según otros medios- fueron detenidas y trasladadas hasta la cárcel de O Parrote. Conscientes dichas autoridades de la posibilidad de que la ciudad se levantara en apoyo a las cigarreras, decidieron conducirlas por mar hasta el penal, sin prever que a la llegada iban a ser abordados por un amplio grupo de insurrectas que apedreó nuevamente a los militares.    

O pronunciamento toma con amplia libertad este suceso para ponerlo en manos de seis creadores y creadoras gallegas, y analizar en sus respectivos procesos el poso, no de la insurrección como tema, sino de la estetización de los gestos que, como en el caso de la insurrección, ponen su foco en lo que de incorpóreo existe en la agitación de los cuerpos, y en los recuerdos que, por situarse a veces en los márgenes de la historia oficial, o por inscribirse en los múltiples relatos anónimos que configuran una historia oficiosa, no se encuentran insertados en esa crónica asimilada. 

Esos hechos que nos acompañan y que se diluyen en forma de recuerdos cuya presencia física suele limitarse a los rastros que deja su vacío, son una de las razones que lleva a MAR RAMÓN a reparar en las esquinas de la casa familiar e identificarlas como históricos espacios de conflicto. Dentro de la estructura de una casa, las esquinas son lugares donde no sucede nada, lugares de mínimo contacto que funcionan como espacio de refugio. Se materializa el hueco con el cuerpo cerámico, luego expuesto, descontextualizado, desnudo y frágil. Así, lo que ella extrae de esa experiencia, aunque efectivamente hable de la materialización de ese no lugar, aporta también informaciones físicas sobre la casa y sobre el acto de acurrucarse. 

También desde la adaptación al espacio, CARLA SOUTO aporta un grupo de esculturas de escayola y arcilla que aluden a los volúmenes del cuerpo desde la indefinición de su positivo o negativo, en correspondencia con las formas que se vinculan con lo público –en la medida en que un cuerpo pueda o quiera relacionarse con la idea de lo público- o con lo privado y/o lo íntimo. Junto con estas esculturas encontramos diferentes registros fotográficos en los que se establece una relación del cuerpo con la naturaleza, estableciendo una serie de vínculos no reglados entre la imagen y el volumen escultórico, que actúan en un espacio otro que se activa entre ellas.

Desde el año 2007, mi Madre (sastra de profesión) confecciona, cada mes, un pantalón y una camisa con las dimensiones de mi padre, que envía a mi dirección en Madrid en un paquete que nunca abro. Una acción que uso como pretexto para recibir y acumular mi nombre escrito por ella, sobre un embalaje que contiene una información física y actual de mi padre. Así describió RODRÍGUEZ-MÉNDEZ Región de validez, una pieza que se inscribe en el trabajo que él desarrolla desde los límites de la escultura. Detenido el envío en 2017, Región de validez continúa siendo un enigma, y no únicamente por el gesto de permanecer oculta, sino por el hecho de introducirse en un espacio que despierta intereses adscritos a diversos niveles de la lingüística. 

En el nexo existente entre la memoria de los gestos y la del saber hacer, vinculado inevitablemente a la labor de los y las artistas presentes en esta exposición, subyace también un interés por la tradición plástica. En el caso de DIEGO SANTOMÉ, sus xilografías son el resultado no sólo de una aspiración formal, sino de un deseo por abordar su trabajo al ralentí, que le permita revertir la creciente tendencia a apurar los procesos. Las tablas sobre las que se inscriben estas nubes exigen de un largo tiempo de elaboración y, al mismo tiempo, requieren del oficio de una técnica tradicional estampada de un modo rudimentario. Al margen del gesto físico que requiere su elaboración, Santomé alude, cuando habla de estas piezas, a la importancia que la xilografía ha tenido históricamente para los y las artistas que, comprometidas artística y políticamente, buscaron difundir y democratizar su obra. En el caso de Santomé, además, la decisión de grabar nubes nos lleva a reparar inevitablemente en el giño irónico de la pérdida de tiempo.  

Aunque el tema de la insurrección es abordado aquí de un modo poco categórico, no se puede obviar la importancia de lo simbólico en la novela que Emilia Pardo Bazán publicó en 1883 bajo el título La Tribuna, y que narra las duras condiciones de vida de esas mujeres, incluyendo de manera destacada los detalles del levantamiento violento de las trabajadoras contra los patrones. CARME NOGUEIRA quiere profundizar en este episodio tomando la imagen modernista de la mujer fumadora que la Compañía Arrendataria de Tabacos estampaba en las cajas de Farias fabricadas en A Palloza. Esa imagen, popularizada tras el diseño que Alphonse Mucha realizara a finales del XIX para una campaña de los cigarros Job, se extendió rápidamente en el ámbito de la publicidad, no así en la vida real, ya que el consumo de tabaco por parte de las mujeres continuó siendo un tabú hasta hace muy poco. Nogueira transforma la imagen en tribuna, lista para ser utilizada en un pronunciamiento, e inscribe en su madera esa silueta en la que el escalón que hace posible el ascenso a ella se corresponde con el rostro y con el humo que exhala esta figura, y que puede recordar tanto al gesto ascensional –a la tribuna o al tejado- cuya finalidad es el pronunciamiento, como al hecho de que el término La Tribuna sea utilizado también por Pardo Bazán para nombrar a la protagonista, conformando con esto un juego abstracto entre el dispositivo, la persona y la colectividad.   

En este juego abstracto se inserta también la propuesta de JORGE VARELA, y no sólo desde el relato de Pardo Bazán, sino desde los aspectos formales en que el propio hecho de pronunciarse –quizás en esa acepción que lo contempla como la acción de dar más intensidad a algo- deviene en elemento físico para que esa pronuncia cobre mayor presencia y/o intensidad. Así, partiendo del diseño que El Lissitzky firmara para la tribuna de Lenin, Varela propone una serie de volúmenes geométricos serrados en granito negro, que funcionan como un despliegue de cada una de las partes del proyecto de El Lissitzky. El resultado es el gesto mínimo y preciso que todo monumento aspira a ser, conectando en este caso de un modo hábil con los Proun –proyecto para la afirmación de lo nuevo- que acuñara el ruso, en los que empleaba los elementos básicos del pensamiento arquitectónico –la masa, el peso, el espacio, el ritmo- haciéndolos estéticos y privándolos de la función utilitaria que es propia del proyecto arquitectónico. 

El resultado es una exposición apenas dirigida, en la que cada artista se mantiene en su lugar, donde espera a que el tema se acerque, y este se va adaptando a la forma supuesta de cada gesto, esperando a que también el espectador forme parte de esa flexibilidad y se aproxime de tantas formas como individuos la recorran. Termina Marie-José Mondzain diciendo que presentar el problema requiere que el espectador acuda al encuentro con el enigma de su propia visibilidad, que sienta sacudidas sus certezas estructurales, para sumergirse en la multiplicidad de las temporalidades, en la reversibilidad de todas las orientaciones.

Ángel Calvo Ulloa

O pronunciamento
28 SEP 2019 - Daniel Boccato


Gillian Ayres / Pamela Bartlett / Sandra Blow
Daniel Boccato / Howard Dyke / Dominic Kennedy
David Ostrowski / Kes Richardson


28 de Septiembre — 9 de Noviembre 
Bad Actors is a painting exhibition that takes its cue from Pirandello’s play Six Characters in Search of an Author. The play calls into question the nature of reality, artifice and authenticity. Each artist will present one significant painting. All the paintings are ambitious in scale, either sharing or exceeding the proportions of the human body. They will be displayed informally – propped, wedged, or hung from the columns of the gallery – asserting a physical presence in the space. This exposes both the factual human activity of their making and the illusion of the picture plane, or the work’s character. Each painting utters a private monologue. These utterances will connect across the space to create interactions and a constantly shifting story.
14 SEP 2019 - Daniel Boccato
Daniel Boccato and Loup Sarion,

M+is pleased to present Cannibal Valley, an exhibition of new works by Daniel Boccato and Loup Sarion, the artists’ first exhibition with the gallery and in Los Angeles. The exhibition runs from September 14 through November 9, 2019, with an opening reception on Saturday, September 14 from 6 to 8 pm.

Cannibal Valley brings together the sculptural objects of Loup Sarion and Daniel Boccato, united by the artists’ collaborative friendship and interest in abstract figurative forms.

Daniel Boccato and Loup Sarion,
4 AGO 2019 - Engel Leonardo
Engel Leonardo propone para el balcón del MAC Niterói  la muestra de una serie de esculturas coloreadas que tienen su origen en los dibujos de Flávio de Carvalho. Con su balcón como lugar privilegiado - y que ciertamente recuerda el uso panorámico de un faro - cada una de las secciones del edificio recibirá una escultura que viene de los diversos elementos extraídos del proyecto de Carvalho: puerta y azulejos, además de los guacos y palmeras diseñados por el arquitecto brasileño.


MAC Niterói

Rio de Janeiro, Brazil

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27 JUL 2019 - Christian Garcia Bello
El proyecto Almuqárbas propone un replanteamiento contemporáneo del mocárabe a través del diseño de un nuevo módulo basado en la significación poética y geométrica de la Alhambra de Granada

ESte proyecto ha sido premiado dentgro del IV premio de Cervezas Alhambra
20 JUL 2019 - Engel Leonardo
Las relaciones entre lo humano y la historia, la arquitectura y la cultura material son algunos de los intereses centrales del trabajo de Engel Leonardo. Su producción suele basarse en investigaciones sobre arquitectura moderna tropical, historias reprimidas por la modernidad, y la transmisión del conocimiento indígena y africano a través de objetos generalmente vistos como artesanales, folclóricos o etnográficos. 
En “Manoguayabo”, las obras utilizan como punto de partida sus investigaciones sobre el trabajo de Flavio de Carvalho y Lina Bo Bardi, así como la pintura "O lago" de Tarsila do Amaral y la tradicional mata de huevos dominicana. Creando una conversación con el espectador, que se desarrolla a través del uso de estructuras de carácter geométrico y ascendencia modernista, Leonardo busca reinterpretar elementos de la naturaleza del Caribe y el trópico; una reducción de formas, colores y relaciones que dan cuenta de un contexto inmensamente rico pero igualmente complejo.

Galería Diablo Rosso
desde el 13 de julio

17 JUL 2019 - Daniel Boccato

July 25 - September
Mister Fahrenheit
New York
Lo Perfecto. Arriba* En

RODRIGUEZ-MENDEZ  realiza un proyecto editorial y expositivo para CICLÓN , coordinado por David Silva y Misha Bies 


 Inauguración 31 julio
Santiago de Compostela


El trabajo de Rodríguez-Méndez analiza los principios materiales de la escultura y la experiencia física esencial del hombre en proyectos que combinan acción y escultura para explorar la interacción o el equilibrio de energías entre los dos.

Lo Perfecto. Arriba* En

*Título de carácter general, que reúne todos los proyectos realizados durante los años 2015 – 2017 en Oslo, Noruega. Serie de 196 fotografías.

Envase de un litro de plástico, derretido en gotas sobre papeles. Responde a la idea de practicar un vaciamiento, un intento de reproducir ese volumen interno sobre una superficie en la reducida forma y conclusiva de una gota.

Lo Perfecto. Arriba* En
10 JUL 2019 - Sally Gutierrez
Margen de error
SALLY GUTIERREZ y colectivo Declinacion Magnética

Bienal Sur
Montevideo y Lima
Margen de error
8 JUN 2019 - Christian Garcia Bello
UNA DIMENSIÓN ULTERIOR Aproximaciones a la escultura contemporánea en España
Aproximaciones a la escultura contemporánea en España

Museo Patio Herreriano 

8 de Junio - 13 de Octubre

Una dimensión ulterior, que puede verse en cinco salas de las plantas segunda y tercera del Museo, toma aquella exposición como punto de partida para realizar un ejercicio similar, y pulsar el modo en que ha evolucionado la escultura en España hasta nuestros días. Incluye muchas de las obras que integraron la muestra de 2003 y otras realizadas en fechas recientes por creadores españoles de generaciones sucesivas. Si Cuatro dimensiones eludía la vehemencia de los grandes relatos, Una dimensión ulterior refuerza también el valor de las historias pequeñas. No es baladí que el título de esta muestra haya optado por el indeterminado “una” en vez del determinado “la”, pues, como sabemos, no hay ya cabida para lecturas unívocas de las prácticas artísticas de nuestro tiempo, y la que aquí se ofrece es sólo una de tantas posibles, si bien, admitimos, pretende ser un recorrido que trate de explicar con cierta solvencia algunas de las claves de la escultura de hoy.

Artistas participantes: Ignasi Aballí, Elena Aitzkoa, Elena Asins, Jorge Barbi, David Bestué, Elena Blasco, Jacobo Castellano, Jordi Colomer, June Crespo, Ángela de la Cruz, Patricia Dauder, Diego Delas, Pepe Espaliú, Ángel Ferrant, Nuria Fuster, Fernando García, Christian García Bello, Cristina Iglesias, Pello Irazu, Carlos Irijalba, Antoni Llena, Eva Lootz, Juan López, Asier Mendizabal, Mitsuo Miura, Itziar O  Okariz, Jaime Pitarch, Adolfo Schlosser, Fernando Sinaga, Teresa Solar, Julia Spínola y Susana Solano.

UNA DIMENSIÓN ULTERIOR Aproximaciones a la escultura contemporánea en España
27 ABR 2019 - Engel Leonardo
La Déesse verte
Établissant un parallèle entre les formes de l’art et les formes de la nature, l’exposition prendra la forme ludique d’une vaste serre dans laquelle les artistes créeront de nombreux paysages, jardins, représentations mythiques, imaginaires et/ou historiques de la nature, en lien avec l’art, les cosmogonies indigènes, la technologie ou la science-fiction.

Artistes : Gwladys Alonzo, María José Argenzio, Mariana Castillo-Deball, Carolina Caycedo, Chelsea Culprit, Dewar & Gicquel, Naomi Fisher, Galerie Rezeda, David Gumbs, Cristóbal Gracia, Cynthia Gutiérrez, Renaud Jerez, Lake Verea, Lucile Littot, Engel Leonardo, Caroline Mesquita, Miguel Penha, Calixto Ramírez Correa, Clémence Seilles, María Sosa, Fabiola Torres-Alzaga.

Commissariat : Dorothée Dupuis

Estableciendo un paralelo entre las formas del arte y las formas de la naturaleza, la exposición tomará la forma lúdica de un gran invernadero.Para esta exposición, la curadora Dorothée Dupuis se inspiró en el famoso jardín de Las Pozas, un logro caprichoso y utópico, ubicado en el estado de San Luis Potosí en México, por el poeta Edward James en la década de 1970.Sujeto de una guerra interminable tanto contra sus poderes destructivos como por el control de sus recursos, la naturaleza es un Eldorado que los humanos consideraron desde muy temprano como una deidad simbolizada en diferentes mitologías por animales, figuras femeninas y otras entidades a menudo antropomórficas.

La Déesse verte
Episodios de creación contemporánea


Rodríguez-Méndez presenta o Episodio #05 de Creación Contemporánea: «Ir»

O artista galegoRodríguez-Méndezserá o gran protagonista doquinto e últimoEpisodio de Creación Contempoáneade NUMAX co seu traballoIr. A obra será presentada oluns 16 decembro ás 20:00nun acto que tamén contará coa presenza do comisario do ciclo,Ángel Calvo Ulloa

A obra que ocupará a vitrina de NUMAX nas vindeiras semanas leva por títuloIre fai parte dun traballo aínda en proceso que se presentou en 2018 na exposiciónDos mesas Monte, acompañando outra obra tituladaRegión de validezque o artista presenta así: «Desde o ano 2007, a miña nai (xastra de profesión) confecciona, cada mes, un pantalón e unha camisa coas dimensións do meu pai, que envía ao meu enderezo de Madrid nun paquete que nunca abro. Unha acción que uso como pretexto para recibir e acumular o meu nome escrito por ela, sobre unha embalaxe que contén unha información física e actual de meu pai.»Ir dá continuidade ás liñas de traballo máis persoais deRodríguez-Méndez, un artista adscrito ao campo da escultura cuxa obra adoita reflexionar sobre a súa propia condición perecedeira e efémera. Un traballo de temporalidades moi persoal que somete ao espectador, pero tamén ao propio artista, a unha sorte de estrañamento a partir da impredicibilidade coa que actúan tempo e materia. Así describe a materialidade deIr o propio artista:
Episodios de creación contemporánea
20 ABR 2019 - Mar Guerrero
Mar Guerrero en :
SÍM Residency, Reykjavik (Iceland)

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Fragmentos que representan al mundo.Digo error
Período expositivo de febrero 2019 a junio 2019
Ciclo de intervenciones

Pensar en el gesto nos lleva inevitablemente a pensar en el movimiento, una forma de comunicación no verbal en la que el cuerpo, el rostro o nuestras manos toman el protagonismo para transmitir mensajes a través de otras expresiones visibles. El acto gestual implica un significado, una intencionalidad determinada que encierra una realidad más compleja, visible a través de pequeños matices realzados por los instantes vivenciados en contextos compartidos. Es ahí donde nos cuestionamos si todo espacio puede ser con- vivido en términos de performatividad, si la narrativa del gesto puede llegar a fusionarse para amplificar nuestros vínculos en una especie de nueva "gestión afectiva" 1 que nos haga partícipes de los espacios que ahora identificamos como nuestros. Reiterar la imagen hasta hacerla real es la base de todo proceso performativo y es algo que también está presente en la construcción simbólica, en la alianza que existe entre un significante y un significado. En esta exposición buscamos devolver la mirada a lo que compartimos por medio de diferentes intervenciones artísticas entendidas como nuevas modalidades para dejarse llevar de un modo consciente, y construir con ello todo un imaginario de patrones no neutrales en los que el gesto se entienda como un acto o hecho que implica un saber más pausado y crítico. Es en ese pensamiento fronterizo donde podemos plantear diferentes maneras ortodoxas de entrar, de analizar los fragmentos que terminan configurando un gesto simbólico para profundizar en lo corporal y en lo coreográfico que encierran los sonidos y los elementos.

TOTALIDAD E INFINITO* Economías de la transferencia en otro(s) tiempo(s) para el arte Proyecto para la Sala Carlos Pérez del Centre del Carme de València

Digo error

Cuatro placas de yeso prensado elevadas del suelo sostienen en su centro cruciforme ocho perneras de pantalón cocidas. Su Celebración (2 acciones) 1. Un hombre mayor de setenta años realiza el gesto de tocar repetidamente su pierna izquierda a la altura superior de la rodilla. 2. Cubrir los pies de un hombre tumbado y descalzo, con las perneras de su propio pantalón. RODRÍGUEZ-MÉNDEZ

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Fragmentos que representan al mundo.Digo error
9 MAR 2019 - Nacho Criado
El juego del arte
En 1970 Rothko se suicidaba en Nueva York. La figura del pintor fue evocada entonces por Nacho Criado en una de sus primeras exposiciones individuales en la galería Sen de Madrid, con una serie de piezas que se encuadraban en la poética minimalista y que supusieron una ruptura radical con las propuestas de la escena artística madrileña de entonces. Con ésta y otras piezas de aquella muestra, el artista se planteó la instalación, que sería una de las líneas que orientarían su creación posterior. Esta obra supone, además, la introducción del color en el esquema minimalista, y de hecho, frente a la neutralidad habitual del minimalismo, esta pieza de Criado basa buena parte de su sentido en el aspecto cromático. Está constituida por varias tablas rectangulares que, apoyándose unas sobre otras formando distintos ángulos e inclinaciones, alcanzan la vertical en la pared. Las tablas crean distintos estratos o fases: una progresión física que afecta al color en su luminosidad y provoca una serie de gradaciones en la escala del negro, contenidas en sus extremos por las maderas pintadas de rojo que actúan como límite visual. Dentro de la estética minimalista en la que se inscribe esta obra temprana de Nacho Criado innovadora en el panorama artístico español, la dedicatoria a Rothko actúa como evocación no sólo de las calidades cromáticas de la pintura de éste, sino también de una idea del arte absoluto que Simón Marchán ha definido como "concepción contemplativa, pura y reduccionista del arte, en la cual ya se contrabalancea lo real y lo virtual".

Homenaje a Rothko

Exposición colectiva
El Juego del Arte
Pedagogías, Arte y Diseño

Fundación Juan March
22 marzo – 23 junio 2019
El juego del arte
6 DIC 2018 - Clara Montoya
NADA Miami
Participamos en la feria NADA , con la obra de Clara Montoya .Madrid 1974

Clara Montoya  Carnaval Sauvage.Familia deliberando,acrílico sobre lienzo

El Carnaval Salvaje se celebra en Bruselas solo desde hace cinco años, pero en él coinciden trajes y personajes inspirados en antiguas tradiciones de todo el mundo. Aunque el carnaval, como lo conocemos actualmente, es una fiesta relacionada con la religión cristiana y la Cuaresma, su origen es mucho más antiguo y proviene de la celebración del solsticio de primavera. Clara Montoya pertenece a la comunidad que cada año se encarga de organizar esta versión urbana y contemporánea. A pesar de que ella trabaja habitualmente desde la escultura en esta ocasión ha decidido retratar en acrílico sobre lienzo a sus compañeros y sus trajes. Sin embargo, existe un carácter escultórico en esas vestimentas que junto a su relación con el espacio de la ciudad y la performance festiva y radical en la que todo se resuelve establecen los ejes que atraviesan estas pinturas. En el Carnaval Salvaje cada participante se hace su propia indumentaria, reinterpretando los ejemplos de los antiguos carnavales paganos que en algunos casos se siguen celebrando hoy en día, y en el que los disfraces representan miedos y deseos ancestrales. Los personajes que durante la jornada atraviesan el corazón de la ciudad son abetos guerreros, monstruos, seres mitad humano mitad animal, hombres-máquina, que se construyen durante los días previos a la celebración. Al final del carnaval gran parte de los trajes se queman en una gran hoguera.

NADA Miami
I say error / Digo error & The Perfect. On / Lo Perfecto. Arriba Llull
I say error / Digo error & The Perfect. On / Lo Perfecto. Arriba Llull

Vídeo 47 min. Casal Solleric, Palma de Mallorca, Spain 2018  &  Video 1h25min.  /  Oslo, Norway 2016


Proyecto para la exposición:  

"Un sujeto construido en el punto de intersección de la multiplicidad de posiciones de sujeto".  Comisaria: Diana Guijarro.

I say error / Digo error

Vídeo 47 min.  


Digo error es una liturgia del recordar. Hay una idea de recuperar lo perdido, una voluntad de reconstrucción a través de un nuevo conocimiento.




- 4 placas de yeso prensado en el centro del patio de Casal Solleric y separadas entre sí. Medidas de cada una: 300x120x1,5cm.


- Primera acción: El artista deshilacha parte de uno de los hombros de la americana de un hombre. Deja caer los hilos al suelo.


- Segunda acción: El artista, con una lente graduada fijada en el talón derecho de su zapato, va golpeando las placas de yeso hasta que entren en contacto en el centro.


- La acción finaliza cuando las placas se juntan entre sí.


I say error / Digo error & The Perfect. On / Lo Perfecto. Arriba Llull
1 JUN 2018 - Miquel Mont
Traces et affects
Exposición de Miquel Mont .

Galerie de l’artothèque – Salle du Temple, place Notre-Dame, 35500 Vitré
Commissariat : Isabelle Tessier
Exposition visible du 2 juin au 16 septembre

Traces et affects
20 ABR 2018 - vítor Mejuto
critics´picks ARTFORUM
For centuries, the education of painters revolved around scrutinizing masterpieces in order to grasp how their makers resolved problems of a purely technical nature. No one looks at painting as mercilessly, and with as little sense of metaphor, as a painter. In “Pintor en la corte,” (Painter in the Court), Vítor Mejuto revisitsDiego Velázquez,Antonello da Messina,Jaime Serra,Francisco Goya, andTitian, among others. Mejuto’s small-format paintings are concise and honed, to say nothing of elegant, reproductions of the geometric aspects of some of those masters’ works.Despite its schematic proposal, the show is friendly, even domestic, because the images distributed around the gallery are familiar. Particularly suggestive is the 2018 series “sepulcro vacío” (empty grave). These works, hung in a somewhat scattered way along a wall, explore how different painters have treated a space miraculously unfilled: the gravestone and the ditch. Initially inspired byJuan de Flandes’sResurrection of Lazarus, 1514–19, the series encompasses an assortment of tombs from over the course of art history that Mejuto has compiled. From these images, the artist has created paintings that are either imitations, interpretations, or inventions.

Viewers embark on a journey to decipher the fragments in Mejuto’s paintings: a swath of robe, a wedge of building, a piece of brocade. The small canvases, like lost puzzle pieces, conjure memories of complete masterpieces. Abounding with citations and suggestions, the exhibition reveals the contemporariness of the well-known images that form the basis of Western art. It is with good reason, then, that a number of titles reference burials and resurrections. Each generation pays, in its fashion, its debt to its ancestors.Translated from Spanish byJanie Brodie.Joaquín Jesús Sánchez
critics´picks ARTFORUM
13 ABR 2018 - Daniel Boccato
Daniel Boccato, You are not a tree, Corrugate Contemporary, Ohio, US
Exposición de Daniel Boccato  .You are not a tree .
Daniel Boccato, You are not a tree, Corrugate Contemporary, Ohio, US
9 ABR 2018 - Daniel Boccato
Centinela exposición en TABACALERA 16 febrero-13 abril
Los Centinelas son leones vigilantes que se encuentran entre la acción y la inacción mientras nos miran con atención desde sus puestos. Descendiendo de las tradiciones heráldicas europeas, es frecuente encontrarlos hoy en día en jardines protegiendo las puertas de hogares contemporáneos, dirigiendo su mirada hacia quien accede a ellos o piensa hacerlo. Sentados en pedestales, estos leones son réplicas de hormigón de esculturas clásicas, esta vez posados sobre objetos de otra época que con el paso del tiempo han perdido su función. El pedestal blanco clásico actúa generalmente como separación entre la escultura y el suelo, entre el objeto y el abyecto, el arte y la arquitectura, lo alto y lo bajo. La atención normalmente tiende a centrarse en aquello que es dinámico, mientras que lo estático se mantiene generalmente en segundo plano. Así, cuando la escultura se convierte en una constante y el soporte en una variable, los papeles se invierten y la escultura se convierte en un soporte para el pedestal.

Bomba de humo apotropaica

The apparition of these faces in the crowd;

Petals on a wet, black bough

Ezra Pound

In a Station of the Metro, 1913

Paciencia y Fortaleza custodian la New York Public Library y Daoíz y Velarde el Congreso de los Diputados. Leones protegen las puertas de la Ciudad Prohibida y leonas las de Micenas. Los hubo de Nemea y de Judea; otros fueron vigilantes del sueño eterno de los poderosos. Los leones Médici se copiaron hasta la náusea y ahora casi todos se producen en serie, como los jardineros de Daniel Boccato. Distribuidos por las salas, los centinelas de Daniel miran directamente a los ojos pidiendo santo y seña. Su poderosa aura ya no resulta tan benéfica como la de sus antepasados. En apariencia protectora, es más bien amenazante. Estos leones-hito han dejado de ser mágicos en si mismos para transformarse en artefactos especulares.

La instalación de Daniel Boccato conecta el tiempo presente, de selfies y tecnologías de reconocimiento facial, con un pasado moderno y pre-digital, y es a la vez distopía. Con lodos encontrados en el sótano de Dostoievski se modelan estos bellos leones, bombas de humo apotropaicas creadas para ocultar a ojos vistas la realidad del subsuelo. Leones artificiales, sacados de un sueño de Philip K. Dick, se acomodan sobre unos pedestales que son ahora el elemento variable y nos recuerdan que la aceptación del individualismo lleva implícito el derecho a la autodestrucción. Las esculturas están bajo los leones y son una muestra del sustrato social de la contemporaneidad. Construidos con elementos de diversa procedencia y estética contradictoria, trascienden el ready-made mediante sutiles guiños poéticos y referencias personales que el autor oculta a propósito, pero cuya impronta es legible. Leídas como plintos romanos, estas esculturas de base cuentan dudosas hazañas de los leones retratados, más bien anécdotas cotidianas, urbanas y sobre todo carentes de sentido. Historias tan fragmentadas en su unidad, como la propia representación del león, que trae consigo un pasado muy pesado. Incluso cabe una lectura social de la instalación, de la actualidad tecnológica y consumista en la era Trump: protagonizada por una masa aleccionada para la uniformidad y sostenida en la ilusión de su unicidad que termina por igualarse por abajo, encumbrando lo más zafio. El impreciso límite entre lo artificial y lo natural, la decadencia de la vida y la sociedad, y el significado de la individualidad en el mundo de hoy son algunas de las cuestiones presentes en el trabajo de Daniel Boccato.

Sin mediar verbo, el primer verso y el segundo se juntan precisamente en el momento de la acción. Pedestal y clon, escultura y objeto. Como en el poema de Pound, como en los haikus, la conexión va de cuenta de quien observa. Solo que ese sujeto es también vigilado, acechado por leones que devuelven el verso cambiado de orden. Desvergonzados trileros heráldicos, hipnotizan al ojo previamente anestesiado por la multitud de caras legibles, simétricas, repetidas. La refrescante paradoja que Boccato diseña entre el arriba y el abajo, bascula entre la reconfortante visión de estos reyes destronados y el deshecho que nos define, entre la aspiración del ideal y el dinamismo de lo real. En línea con sus trabajos anteriores, en esta instalación incómoda el símbolo se escurre por el lavabo y la metáfora se diluye en la confortabilidad de un signo reconocible, de una cara agradable, en la ilusión de creernos únicos y merecedores.

Yara Sonseca

Centinela exposición en TABACALERA  16 febrero-13 abril
17 MAR 2018 - Justin Thompson
My paper is called The Medium is the Massage: Racialized Mediums
I am honored to be speaking atBlack Portraiture(s) IV: The Color of SilenceMarch 22-24 at Harvard. I am delivering a paper based on the past 8 years of research and interviews with artists of the African Diaspora.
My paper is called The Medium is the Massage: Racialized Mediums
My paper is called The Medium is the Massage: Racialized Mediums
16 MAR 2018 - Justin Thompson
project realized in collaboration with Bradly Dever Treadaway and Jason Thompson f
Here is a recent project realized in collaboration with Bradly Dever Treadaway and Jason Thompson for the Miller Gallery in Kutztown PA.The Antenna of the Raceis a media-based installation that centers on three conceptual foundations: engaging Marshall McCluhan’s theory on historic labor division as a primer for thriving in an ‘acoustic environment’, local Pennsylvanian history in the patenting of a device capable of the diffusion of public television and a critical deconstruction of authenticity and cultural appropriation. McCluhan’s examination of the simultaneity of the media assault sets the service culture as one of playing roles in contrast to specialization and literacy of a ruling class as pursuing goals, ultimately determining that the role players are more capable of thriving in a hyper saturated acoustic world given their forced adaptability.
project realized in collaboration with Bradly Dever Treadaway and Jason Thompson f
4 MAR 2018 - Sally Gutierrez
Te acuerdas de Filipinas ?
La pelicula de Sally Gutirrez participa en la ficci, Festival internacional de cine de Cartagena de Indias .
la pelicula Ta  acorda Ba tú el Filipina forma parte de la coleccioón del Museo Nacional Centro de arte Reina Sofia .

Conflictos y dictaduras; colonizadores y colonizados; represión y ansias de libertad; totalitarismo y democracia, se reúnen en esta segunda versión de “La guerra y la paz”, ficciones y documentales que dejan oír voces, reclamos, preguntas, soluciones. Películas que se hacen cargo del lugar del cine no como un simple notario de la realidad sino como un instrumento de transformación.

Te acuerdas de Filipinas ?
4 MAR 2018 - Mar Guerrero
Artista en residencia




Mar Guerrero ha sido seleccionada para realizar una estancia en residencia en Art Center/South Florida, Miami. Esta residencia es una oportunidad que se ofreció a los artistas baleares participantes en el  programa de formación “Les Clíniques d’Es Baluard”, cuyo objetivo principal es fomentar la profesionalización del sector y facilitar las herramientas de análisis, conocimiento, recursos y seguimiento de la práctica creativa y de pensamiento desde el museo. Por ello, la residencia en el Art Center/South Florida constituye una gran oportunidad para conocer el contexto artístico de Miami así como los programas de formación de artistas desarrollados desde esta institución artística. Esta residencia es posible, además, gracias a la colaboración mantenida entre Es Baluard y el Illenc. La residencia tendrá lugar durante el mes de marzo de 2018 y permitirá participar a la artista en el Program for Applied Artistic Research.

Artista en residencia
4 NOV 2017 - Christian Garcia Bello
La escala y la Distancia
La escala y la distancia
Christian García Bello
Ahora no es pretéritotodavía***
Galería FORMATOCOMODO Madrid. C/ Lope deVega,5
Http :/ /www. /
Hasta el 17 de noviembre


 La obra de Christian García Bello (1986) reflexiona acerca de los vínculos que se establecen entre el individuo, su escala y el paisaje. A partir de esta ecuación, incorpora variables conceptuales que amplifican el alcance de su propuesta. De este modo, el horizonte como umbral inalcanzable o el tiempo como permanente transcurrir sobrevuelan unos trabajos que no han sido elaborados bajo el impacto de la sensación inmediata sino a través de un riguroso proceso de disección y de síntesis formal. La exposición Ahora no es pretérito todavía plantea un recorrido que mantiene el eco del peregrinaje: sus esculturas, de sencillas composiciones y materiales modestos, operan como hitos que rememoran formas de ritualidad popular. Ésta economía expresiva casi minimal, lo limita el alto rendimiento simbólico de su trabaj la dimensión humana el uso de elementos orgánicos y las referencias a la iconografía religiosa conviven para modular unas obras que indagan en nuestra, necesidad primigenia de protección y refugio. El deseo de localizar un lugar que nos resguarde sin sepultamos también está presente en sus dibujos. García Bello toma como punto de partida elementos arquitectónicos para someterlos a un delicado proceso de depuración. Los espacios vacíos dominan el papel, mientras que la línea no se detiene en dar demasiadas explicaciones: La evocación se impone a la descripción. Este esfuerzo por encontrar la sustancia en las sombras es una de las virtudes de un artista cuya evolución transcurre tan pausada como contundentemente.
La escala y la Distancia
20 OCT 2017 - Christian Garcia Bello

Christian García Bello.

If Christian García Bello’s second show at this gallery seems to stage no major overhauls of his first, progress nonetheless lies within the reaffirmation of his perseverance. In this light, the exhibition represents a remarkable step forward in his still-young career. Titled, somewhat awkwardly, “Ahora no es pretérito todavía” (Now it is still not the past), the show reflects on how our relationship with time informs our perception of space. His drawings and sculptures share a precise blend of representation and abstraction, mathematical rhetoric and transcendent nebulousness, as he draws from rigorous classical humanism and from hazier Romantic movements in equal measure.

On entering the gallery, one easily detects the relevance of rhythm in his exquisite installation. It stems from a careful study of human proportions in the context of the gallery’s singular architecture. Drawing out our gaze, a vertical wooden form expands toward the wall, punctuated by both drawings and sculptures that share a distinctive ingredient: On all of them, thin layers of wax subtly accumulate to produce dense surfaces with an enthralling aura. They represent architectural motifs as well as shadows and hollow spaces, relentlessly swinging between the tangible and the ethereal. The three wooden sculptures on view are found objects that evolve into abstractions evoking a melancholic sense of longing, while unambiguously reflecting shapes and symbols drawn from traditional art of Galicia. Apathetic toward fuzzy trends and unnegotiably committed to austere formalism, García Bello understands his work as a body of complex textures providing a humble and serene take on the infinite.

— Javier Hontoria


All rights reserved. is a registered trademark of Artforum International Magazine, New York, NY

6 OCT 2017 - Christian Garcia Bello
El refugio de Garcia Bello
Articulo en  EL CULTURAL , Escrito por Angel Calvo Ulloa

Pocas veces una exposición logra transformar..........
El refugio de Garcia Bello
5 OCT 2017 - Mar Guerrero
Cosmic networks

Desarrolla el proyecto Cosmic networks en Nirox Foundation (Sudáfrica) dentro del Programa de Residencias El Ranchito de Matadero Madrid – AECID.

A partir de la observación concreta del espacio se ponen en cuestión ideas sobre progreso tecnológico y estéticas migratorias a través de las dicotomías que se establecen entre tradición y futuro, investigando acerca del concepto de “redes” a partir de dos ejes principales: el primero parte de la idea de “redes humanas”, que se lleva a cabo a través de una serie de acciones grupales; el segundo punto se relaciona con la idea de “redes tecnológicas”, donde se establece una investigación acerca de SKA (Square Kilometre Array), un proyecto desarrollado a nivel internacional para poner en marcha el que será el mayor radiotelescopio de la Tierra, construyéndose en The Great Karoo desert, Sudáfrica.

Cosmic networks
22 SEP 2017 - Ana Esteve Reig
Ganadora de una de las 10 l becas BBVA  Multiverso a la Creación en Videoarte en la convocatoria 2017, para llevar a cabo su proyecto La Pantalla Mágica.

La comisión evaluadora ha estado presidida por Chus Martínez, directora del Instituto de Arte de la Academy of Art and Design de Basilea, e integrada por Laura Baigorri,  Eugeni Bonet,  Nuria Enguita,; Karin Ohlenschläger, María Pallier, Manuel Segade, ; Blanca de la Torre, y Virginia Torrente,
20 SEP 2017 - Christian Garcia Bello
NEO2 . Gallery weekend
Mit Borras

Apertura Madrid Weekend es un evento que organiza cada año ArteMadrid en
Septiembre después de las gorras, ese libro y las cangrejeras; después de no haberte ido a ese
sitio. Las galerías que forman parte de la asociación celebran el principio de la temporada con la
inauguración conjunta de sus exposiciones y con un programa de bien de cosas del 14 al 16 de
Septiembre. Actividades, visitas a museos y colecciones; encuentros y fiestas en la línea de los
eventos que se celebran en otros grandes núcleos del panorama internacional como el Choices
Collectors Weekend de París.
David, siempre pronunciado como Deivid, se viste de beige y sale a la calle. Beige como una
lámina de pavo, contento de postverano. Deivid tiene inaguraciones a las que asistir por
que Deivid, siempre pronunciado como Deivid como David Weiss, está interesado por el arte y
debe decidir entre la programación y algunos compromisos sociales.
La obra de mucha gente se expone estos días, la implicación en su trabajo a cambio de ya
sabes y el resultado de su propuesta intelectual está ahí puesta, las galerías escogen lo mejor
de su plantel de artistas internacionales, españoles, consagrados y emergentes. Bacelos
expone el trabajo de Massimo Bartolini, Elba Benítez nuevas piezas de Vik Muniz, Ponce +
Robles a Ding Musa, Twin Gallery a Manuel Franquelo-Giner y Elvira González las formas
orgánicas de Juan Asensio. En Formato Cómodo podemos ver el trabajo de García Bello. El
chico beige puede ver la obra geométrica y serena de éste artista formalizada con gran

Miki Leal presenta en F2 Galería sus pinturas con los terrenos deportivos y superficies de las
pistas de tenis, los polos, las vallas, los matojos de alrededor, colores desvaídos y geometrías
sencillas muy acertadas; las quieres tener todas. Deivid bebe agua. Deivid bebe
vino, Deivid saluda. Cerca de allí aun en Fourquet está Karlos Gil que expone también esta
semana en García Galería No Fish, Snake Scale; una fecha esperada. En la galería Nieves
Fernández pueden verse expuestas las ricas buenas lindas frescas piezas de Alexej
Menschtschanow, instalaciones con ensamblajes aparatosos y fotografías de archivo. Un
trabajo en torno al fordismo, el totalitarismo y las formas fetichistas del funcionalismo. Una lista
larga de exposiciones, galerías abiertas desde Alegría a Xavier Fiol para un fin de semana bien
prieto de programación.

 NEO2 . Gallery weekend
20 SEP 2017 - Christian Garcia Bello
Luisa espino

Seleccionamos  aquí diez exposiciones que no deben faltar en este primer recorrido galeristico.

La segunda muestra individual en la galería Formato Cómodo de Christian García Bello (La Coruña,
1986) toma como punto de partida el Estudio filosófico del tiempo recogido en las Confesiones de San
Agustín y su definición del hombre como centro del universo. A partir de ahí, García Bello trabaja
con escultura y dibujo, tomando como escala de trabajo su cuerpo y como referente el paisaje y
la arquitectura más esencial
8 SEP 2017 - Engel Leonardo

Participa en la exposición colectiva PODIUM, en el Instituto de Visión de Bogotá.
7 SEP 2017 - Daniel Boccato
Gallery weekend Bruselas

Presenta su nueva exposición nut, nuts, nut job en la galería Sorry we're closed de Bruselas.

Fechas: 7 de Septiembre - 28 de Octubre 2017 

Gallery weekend Bruselas
17 JUL 2017 - Ana Esteve Reig
Tracing utopia
Ana esteve Reig .
Participa con su trabajo ,Después de nunca jamás, video instalación de dos canales sincronizados.

Twelve young emerging curators from China and Germany will stage a joint exhibition following the traces of "Utopia". Inspired by their research on the contemporary curatorial practice at the documenta 14 in Kassel and Skulptur Projekte in Münster the team explores utopian thinking in matters of space and time by means of visual arts, installations, performances and interventions in the outdoor and indoor space.​The two-part exhibition will be presented at Starke Foundation in Berlin-Grunewald as well as at Zentrum für Kunst und Öffentlichen Raum and Schlosspark Biesdorf. 

Participating artists:
Dominik Annies, Chen Baiyi,Janosch Becker,Florian Birk,Juan Blanco,Felipe Duarte,Shi Fu,Philipp Hainke,Lisa Herzog,Fangling Huang, Qin Lingsen, Luo Qiang,Li Quing,Ana Esteve Reig,Natalia Irina Roman,Felipe Sánchez, Liu Shihao,André Stache,Deo Gisa Brian Senyondo,Annika Stoll,Daniel Theis, Victoria Wald,Tao Xia, Yan Xiang, Ligeng Zhang
Tracing utopia
21 JUN 2017 - Engel Leonardo
20th Sesc_Videobrasil
 SEC video Brasil , anuncia los artistas seleccionados para participar en el festival de video de Brasil .
 Engel Leonardo participara de octubre 2017-Enero 2018.
20th Sesc_Videobrasil
5 MAY 2017 - Christian Garcia Bello

NAUGURACIÓN: 5 de mayo 20:30 | 21 de julio

LUGAR: Museo Municipal de Lalín

ARTISTAS: Emilio Araúxo, Misha Bies Golas, Emma Crichton, Manuel Eirís, Tamara Feijoo, Christian García Bello, Irene Grau, Rubén Grilo, Carlos Maciá, Álvaro Negro, Carme Nogueira, Kiko Pérez, Alejandra Pombo, Bandia Ribeira, Lua Ribeira, Rodríguez-Méndez, Armindo Salgueiro, Diego Santomé, Xoan Torres, Damián Ucieda e Diego Vites.

Dende o Panóptico: Cada cela unha fiestra.
participa en la muestra Dende o Panóptico: Cada cela unha fiestra.

La exposición O Vello Cárcere de Lugo. Da guerra á posguerra está compuesta por un libro de memorias, notas y cartas de los presos a las familias, entre otros. También forma parte de ella la recreación de una celda individual en la época de la guerra

13 artistas repiensan desde la actualidad la Vieja Cárcel. Para eso, la muestra Dende o panóptico: cada cela unha fiestra, que reúne por primera vez una serie de trabajos de diferentes figuras del arte gallega

Para recuperar la memoria de las mujeres antifascistas borradas de la historia, el módulo femenino acogerá la exposición itinerante Vermellas (Chamábanlles rojas). Se componen de 20 paneles con textos.

Fechas: A partir del 28 de Abril, Centro Sociocultural O Vello Carcere de Lugo.

Dende o Panóptico: Cada cela unha fiestra.
The perfect on
The Perfect on .
Rodriguez-Mendez curador Angel Calvo Ulloa.
El resultado del trabajo en la residencia Paulo Reis .

The perfect on
14 MAR 2017 - Engel Leonardo
Las mejores exposiciones durante ARCO . FRIEZE
Critic’s Guide: Madrid A round-up of the best shows in the Spanish capital ahead of this year's edition of ARCO, BY JULIA MORANDEIRA ARRIZABALAGA

Engel Leonardo, ‘Ansapit’
Galería Formato Comodo
4 February - 31 March

Engel Leonardo’s practice performs a difficult balancing act: synthesizing Caribbean geography and visual culture without reducing its complexity. Research into the craft aesthetics of his native Dominican Republic manifests through several forms. Titled ‘Ansapit’, the Creole name for one of the four main land crossings from Haiti, the show shares the name with a dress piece whose pattern documents the popular architecture of the region. Leonardo’s Vevés paintings made with plantain juice and depicting abstracted voodoo symbols, and his Lista series, which transforms traditional basketwork found in the borderlands between the Republic and Haiti, further explore porous limits: between neighbouring countries, art and design, and high modernism and a craft vernacular.

Las mejores exposiciones durante ARCO . FRIEZE
9 FEB 2017 - Javier Campano
Campano en Color

La Sala Canal de Isabel II (Madrid) acogerá a partir de febrero una amplia selección de imágenes en color, inéditas en su mayoría, del fotógrafo Javier Campano (Madrid, 1950). Comisariada por Horacio Fernández, la exposición 'Campano en color' reunirá también algunas obras de su vertiente más clásica y documental, realizadas a lo largo de sus muchos años como paseante.

La muestra, organizada con motivo de la concesión del Premio de Cultura 2013 de la Comunidad de Madrid en su modalidad de fotografía, incluye todo tipo de soportes y técnicas utilizadas por el artista, desde las series dedicadas a las escenas urbanas o la selección de polaroids hasta un buen número de fotolibros o catálogos.Campano ha utilizado principalmente el blanco y negro para realizar su obra. Sin embargo, a partir de 2010 adopta definitivamente el color y la fotografía digital. A partir de entonces lleva a cabo series de fotografías callejeras donde se pueden encontrar temas recurrentes junto a otros nuevos en los que se ve su pasión por la pintura, la cultura popular y el diseño gráfico.Una de ellas es Pinturas de paso, donde fotografía paredes pintadas encontradas al azar en sus muchos paseos por la ciudad, que se convierten en cuadros que evocan la pintura abstracta, una pasión de Campano, quien siempre se ha acercado a la creación contemporánea. Como él mismo asegura, “cuando miro una pared y veo un Guerrero, un Malévich, un Tàpies, un Newman o un Rothko me vuelvo loco de alegría”. Ésta estará acompañada por la serie urbana y la de los números.También se mostrará una selección de escenas urbanas que continúan la temática de su obra anterior y muestran que se puede ser fotógrafo en color sin dejar de serlo en blanco y negro. Su mirada es la de un observador que se detiene en detalles de la vida urbana como señales de tráfico, rótulos callejeros, letras, logos o anuncios, creando un imaginario cercano al pop. Estas fotos son el resultado de una mirada atenta a las diferencias y a lo insólito, configurando un enorme archivo visual de poesía urbana.


Campano en Color
" menos un modo provisional de asentarse en un lugar"

" menos un modo provisional de asentarse en un lugar" - Del 14 de diciembre al 22 de enero - Azkuna Zentroa (Bilbao) y del 20 de enero al 28 de febrero - Montehermoso (Vitoria-Gasteiz)
La exposición …al menos un modo provisional de asentarse en un lugar es el resultado del programa Komisario Berriak, iniciativa de DSS2016EU en colaboración con Azkuna Zentroa (Bilbao), Tabakalera (Donostia), Artium y Montehermoso (Vitoria-Gazteiz) que apoya la formación de nuevos comisarios. En estas tres ciudades han tenido lugar a lo largo de 2016 los encuentros en formato de laboratorios en torno a las prácticas curatoriales que concluyen con esta muestra

Artistas: Allora & Calzadilla, Emilio Araúxo, Pedro Barateiro, Zigor Barayazarra, Josu Bilbao, Alex Cecchetti, Lúa Coderch, Janice Kerbel, Irene Kopelman, Louisa Martín, Amaia Molinet, Enrique Radigales, Rodríguez-Méndez, Eriz Moreno, Eulàlia Rovira & Adrian Schindler y Tina Vukasović.

Equipo curatorial de Komisario Berriak: Valerio Del Baglivo, Ángel Calvo Ulloa, Irati Irulegi, Laura Diez, Leyre Goikoetxea, Natasha Kadin, Pilar Cruz, Iker Fidalgo, Sonia Fernández Pan y Juan Luis Toboso. Acompañados por Aimar Arriola, Tamara Díaz Bringas y Sabel Gavaldón.

16 DIC 2016 - Engel Leonardo
Bienal Tropical

Entre palmas, fritanga y salitre, la 2da Gran Bienal Tropical se realizará del 7 al 10 de diciembre en varias localidades de Puerto Rico. Esta edición le rinde homenaje a dos secretos a voces de la escena artística local y dos de sus figuras más emblemáticas: Zilia Sánchez (La Habana, 1928) y Esteban Valdés (Ciudad de México, 1947).
La curaduría de la 2da Gran Bienal Tropical es un ejercicio en colaboración entre Marina Reyes Franco, Radamés “Juni” Figueroa, Jesús “Bubu” Negrón (ganador de la Piña Dorada en la 1ra Gran Bienal Tropical), Stefan Benchoam y Pablo León de la Barra.
Históricamente, las bienales en Puerto Rico han sido boicoteadas, canceladas, retrasadas, convertidas en trienales y vueltas a posponer. Exitosas, desacertadas, pertinentes o controversiales, la constante ha sido su carácter interrumpido, dependiente del vaivén político, la militancia de los artistas y el presupuesto disponible. Quizás no haya mejor momento que el décimo aniversario de la recesión económica en Puerto Rico para -a cinco años de su primera edición- realizar la 2da Gran Bienal Tropical, financiada a través de la economía de la amistad. Con el deseo de enfrentar futuros inciertos, y seguros de que nuestro paraíso no sólo será fiscal, se ha invitado a una selección de artistas de latitudes caribeñas, tropicales y del más allá, a compartir su trabajo en una exhibición playera/selvática/comunitaria y varios días de actividades a través de la isla. Esta es una bienal de sus tiempos: desplegable y versátil, adaptable, sin presupuesto y sin cargos por envío.
Adriana Lara
Adriana Martínez
Andrés Pereira Paz
Caribbean Backbone Research Institute
Daniel Steegmann Mangrané
Eduardo Navarro
Engel Leonardo
Gala Berger
Jessica Kairé
Jorge González
Marcelo Cidade
Vivian Suter

Sección de Autogestión:
En un espíritu de apertura, colaboración, improvisación y auto-gestión, los curadores de la 2da Gran Bienal Tropical invitan a todo aquel artista/colectivo que desee participar a traer sus propias obras e instalarlas personalmente en el Km 13 de la Carretera 187 en las playas de Piñones, Loíza el sábado 10 de diciembre a partir de las 10am.


Bienal Tropical
10 NOV 2016 - Sally Gutierrez
Multiverso, Exposición Ayudas Audiovisual BBVA 
 Exposición de los proyectos realizados con la Ayudas al Audiovisual de la Fundación BBVA.
Con la ayuda de esta beca he realizado su película  Sally Gutierrez - Ta Acorda Ba Tu EL Filipinas?,
6 NOV 2016 - Nacho Criado
Arte sonoro en Es