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4 MAY 2021 - Mar Guerrero
LA LUNA DE CRISTAL
Presentación del proyecto y LIbro  ( 3 de Mayo al 8 de Mayo )

La luna de cristal, 2020
Realizado en Talleres de Obra Gráfica de la Fundación Pilar y Joan Miró, Mallorca (ES)

Diez estampaciones mediante serigrafía sobre papel Oikos 300g en diferentes formatos. Serie limitada de veinte copias, 36 x 52 cm.

Hallazgos recientes sugieren que la capa de hielo que cubre la luna Europa contiene cloruro de sodio (NaCI), el principal componente de la sal que encontramos en la Tierra. Esta referencia sirve de punto de partida para desarrollar una serie de imágenes que simulan fotografías tomadas de la superfície de esta luna de Júpiter, siendo imágenes procedentes de la costa mallorquina. Esta dualidad espacial nos sitúa en un territorio invadido por la ambiguedad y la incertidumbre. Las esferas que componen las imágenes emergen en un mapa de movimientos distantes y encuentros estelares.



LA LUNA DE CRISTAL
29 ABR 2021 - Mar Guerrero
PILAR JUNCOSA & SOTHEBY’S AWARDS AND GRANTS 2020. London

PILAR JUNCOSA & SOTHEBY’S AWARDS AND GRANTS 2020.

Grant for accommodation and participation at the Slade School of Fine Art, University College, London

https://miromallorca.com/en/pilar-juncosa-sothebys-awards-and-grants-2021-open-call/

PILAR JUNCOSA & SOTHEBY’S AWARDS AND GRANTS 2020.   London
24 ABR 2021 - Daniel Boccato
Enrenfeld

Exposición colectiva : „Ehrenfeld“

24 de abril - 29 de mayo de 2021

Daniel Boccato, Jonathan Binet, Samuel Francois, Max Frintrop, Manor Grunewald, Agata Ingarden, Jens Kothe, Colin Penno, Johanna von Monkiewitsch, Evan Robarts, Loup Sarion


http://bertholdpott.com/

Enrenfeld
20 OCT 2020 - RODRÍGUEZ-MÉNDEZ
Del hijo, la respiración’, de RODRÍGUEZ-MÉNDEZ (Proxecto de intervención en Capela do Carmen)
Dos superficies de tela de 9x6m. sobre sendos bastidores son colocadas en los laterales de la Capilla del Carmen en Lugo. Estos lienzos contienen en su parte superior todo el aceite que ha sido entregado por los miembros de la cofradía del Carmen y depositado en una vasija dispuesta en el interior de la iglesia.En Del hijo, la respiraciónel aceite se va desvelando verticalmente por la superficie de la tela, como una presencia que se descubre lentamente y que habla de un peso, una forma corporal sutil extendida construyendo a su vez un paradójico y vívido plano.Me resulta especialmente emotivo que ese material (el aceite) provenga de los espacios íntimos y privados de las familias de los cofrades para unirse en un solo “cuerpo” en la vasija, que posteriormente, en un proceso lento y sin intervención de ningún tipo irá ocupando las dos superficies de tela en una transfor- mación que parecería no acabar nunca, como lento y sin término es el proceso del conocimiento.Contiene en el título de esta obra la atención a dos materiales que simbólicamente se encuentran indivisibles, el oxigeno y el aceite, la condición física limi- tante de un cuerpo en el misterio de ser vivo desde la pertenencia a un origen, un padre y por lo tanto a alguien más y mayor que sí mismo y la de la expan- sión rítmica de la inhalación del oxigeno que como “membrana inmaterial” lo ocupa todo y lo vivifica. 

https://www.connexio.es/rodriguez-mendez/
Del hijo, la respiración’, de RODRÍGUEZ-MÉNDEZ (Proxecto de intervención en Capela do Carmen)
1 OCT 2020 - RODRÍGUEZ-MÉNDEZ
ENSAYO ANTES DE LA ACTUACIÓN” EVOLUCIONA. LA HEREDAD
 1 de octubre a las 20 horas. Caja Blanca de Las Cigarreras

Exposición dentro de la Convocatoria Buitblanc de la Concejalía de Cultura, Centro Cultural Las Cigarreras.

Rosana Antolí / Gonzalo Puch / Zilvinas Landzbergas / Julia Mariscal / Rodríguez-Méndez / Eduardo Infante.     Comisaria, Diana Guijarro

La exposición Ensayo antes de la actuación es un proyecto de investigación curatorial que busca generar un territorio en proceso de crecimiento. Una especie de fase  preparatoria donde las diferentes propuestas se encaminan a reflexionar sobre la presencia corporal, sobre las posibles interacciones entre los cuerpos y el espacio, y en cómo las partes pueden convertirse en un todo complementario.La propuesta pretende profundizar en las múltiples posibilidades que nos brinda el ensayo y el error entendidos como experimento abierto a la incertidumbre, una prueba para conocer si algo funciona o no y en base a esto, ajustarnos y enlazarnos en una supuesta sincronización dentro de un entorno que se encuentra marcado por diferentes pautas.De esta forma la exposición se entiende como un espacio dinámico, un lugar que los artistas harán crecer exponencialmente a través de una serie de actividades que
buscarán la participación activa de los diferentes públicos.

PROYECTO DE RODRÍGUEZ-MÉNDEZ -LA HEREDAD

La heredad.

Papel 50x70cm. Grafito y tintura dorada. La Habana, Cuba 2018 (en proceso).

Simultáneamente un grupo de niños y niñas menores de 6 años dibuja sobre papel una escalera, tomando como modelo una escalera de mano real situada en el mismo espacio donde sucede la acción.
Una vez finalizados todos los dibujos el artista interviene sobre las horizontales de esos dibujos con líquido dorado.

Esta obra está en proceso desde enero del 2018, fecha en la que se inició en la ciudad de La Habana con una se- rie de 6 piezas. Actualmente se ha repetido esta acción en el CCCC - Centre del Carme Cultura Contemporània, Valencia. y proximamente en Las Cigarreras de Alicante.

Protocolo:

- Un grupo de niños y niñas no mayores de 6 años.
- En la sala se colocará una escalera de mano apoyada en la pared y que sea visible para todos los niños. - Después de la explicación sobre en que consiste la actividad, se le entregará un lápiz a cada niño.
- Dibujarán sobre el suelo descalzos.
- La orientación de la escalera en el papel puede ser tanto en la vertical como la horizontal del papel.
- El que lo desee podrá repetir el dibujo tantas veces como quiera.
- Esta acción se repetirá si fuese necesario o posible con diferentes grupos de niños y niñas.


https://www.agendacultural.org/es/ayuntamiento-de-alicante/exposicion-ensayo-antes-de-la-actuacion
ENSAYO ANTES DE LA ACTUACIÓN” EVOLUCIONA. LA HEREDAD
Pongo mi pie desnudo en el umbral

Fundación DIDAC
19 septiembre / 27 noviembre
Comisariado: David Barro

Pongo mi pie desnudo en el umbral es un proyecto expositivo con tres capas: un relato escrito para la ocasión, el propio dispositivo plástico de la exposición y una colaboración con María Roja a través de una performance específica.

El título —un verso robado al poeta José Ángel Valente— nos lleva a pensar en una historia que concluye o se inicia, pero desde luego una historia que avanza caminando, tocando, pisando, como sucede en el relato que vertebra la exposición.

Este relato es la historia de un hallazgo: los diarios de viaje de una mujer llamada Dirse que peregrinó desde Amberes hasta A Guarda en algún momento entre los siglos XVI y XVII y que pasó sus últimos días en el Monte de Santa Trega, mirando la desembocadura del Miño, el umbral que separa Galicia de Portugal.

La exposición se plantea como una colección de miradas fragmentadas y solapadas sobre la historia de Dirse que van puntuando la sala y articulando una narración espacial en torno el paisaje, la espiritualidad, la ritualidad, la arquitectura y las formas vernáculas.

Pongo mi pie desnudo en el umbral
17 SEP 2020 - RODRÍGUEZ-MÉNDEZ
O pronunciamento

O pronunciamento

Carla Souto / Carme Nogueira / Diego Santomé/ Jorge Varela / Mar Ramón/ Rodríguez-Méndez
Ángel Calvo Ulloa (comisario)

Galeria Vilaseco A Coruña

Dice la filósofa Marie-José Mondzain que el levantamiento de la insurrección es una energía revolucionaria sin la cual el orden no sería más que una dictadura burocrática. En el proyecto expositivo y editorial que Georges Didi-Huberman realizó a partir de la estetización de la insurrección, en el cual se incluye el texto de Mondzain, el francés recupera una escena ya icónica de la historia del cine, perteneciente a la película Cero en conducta de Jean Vigo. En ella, después de una hermosa guerra colectiva de almohadas protagonizada por los alumnos de un internado, y el posterior desfile triunfal a lo largo del dormitorio que todos compartían, cuatro de ellos ascienden al tejado de la escuela y comienzan a lanzar toda suerte de objetos contra bedeles, profesores, familiares y notables reunidos en el patio.    

Refiriéndose a la revuelta de Cero en conducta, afirma Didi-Huberman que todo aquí exhibe la marca de la insurrección: gestual, verbal, psíquica y atmosférica, desde los mínimos gestos de la revuelta hasta el “texto de proclamación”  -en alusión a la proclama que previo a la insurrección es leída en el dormitorio por uno de los jóvenes- y a la ascensión final de los insurrectos al tejado del colegio, pasando por las sábanas lanzadas al aire y por las almohadas rasgadas.  

En la línea de las reflexiones de Mondzain y Didi-Huberman O pronunciamento parte de una noticia aparecida el 13 de diciembre de 1857 en el diario El País Diario de Pontevedra a propósito de los disturbios que habían tenido lugar el día 7 de aquel mismo mes en la Fábrica de Tabacos de A Palloza (A Coruña). Según la crónica, los cambios introducidos en la producción de los cigarros y la llegada de máquinas liadoras habían provocado una fuerte reducción salarial y el despido de muchas trabajadoras. Como consecuencia, el levantamiento de las mujeres se inició aquella mañana en el interior de la fábrica, pasando posteriormente a destruir y tirar la materia prima y la maquinaria al mar. Informadas del suceso, las autoridades competentes se desplazaron hasta el lugar con las fuerzas de infantería y caballería, donde fueron recibidas por las trabajadoras con una lluvia de tejas desde los tejados de la fábrica, hasta que más de una veintena de ellas –más de treinta según otros medios- fueron detenidas y trasladadas hasta la cárcel de O Parrote. Conscientes dichas autoridades de la posibilidad de que la ciudad se levantara en apoyo a las cigarreras, decidieron conducirlas por mar hasta el penal, sin prever que a la llegada iban a ser abordados por un amplio grupo de insurrectas que apedreó nuevamente a los militares.    

O pronunciamento toma con amplia libertad este suceso para ponerlo en manos de seis creadores y creadoras gallegas, y analizar en sus respectivos procesos el poso, no de la insurrección como tema, sino de la estetización de los gestos que, como en el caso de la insurrección, ponen su foco en lo que de incorpóreo existe en la agitación de los cuerpos, y en los recuerdos que, por situarse a veces en los márgenes de la historia oficial, o por inscribirse en los múltiples relatos anónimos que configuran una historia oficiosa, no se encuentran insertados en esa crónica asimilada. 

Esos hechos que nos acompañan y que se diluyen en forma de recuerdos cuya presencia física suele limitarse a los rastros que deja su vacío, son una de las razones que lleva a MAR RAMÓN a reparar en las esquinas de la casa familiar e identificarlas como históricos espacios de conflicto. Dentro de la estructura de una casa, las esquinas son lugares donde no sucede nada, lugares de mínimo contacto que funcionan como espacio de refugio. Se materializa el hueco con el cuerpo cerámico, luego expuesto, descontextualizado, desnudo y frágil. Así, lo que ella extrae de esa experiencia, aunque efectivamente hable de la materialización de ese no lugar, aporta también informaciones físicas sobre la casa y sobre el acto de acurrucarse. 

También desde la adaptación al espacio, CARLA SOUTO aporta un grupo de esculturas de escayola y arcilla que aluden a los volúmenes del cuerpo desde la indefinición de su positivo o negativo, en correspondencia con las formas que se vinculan con lo público –en la medida en que un cuerpo pueda o quiera relacionarse con la idea de lo público- o con lo privado y/o lo íntimo. Junto con estas esculturas encontramos diferentes registros fotográficos en los que se establece una relación del cuerpo con la naturaleza, estableciendo una serie de vínculos no reglados entre la imagen y el volumen escultórico, que actúan en un espacio otro que se activa entre ellas.

Desde el año 2007, mi Madre (sastra de profesión) confecciona, cada mes, un pantalón y una camisa con las dimensiones de mi padre, que envía a mi dirección en Madrid en un paquete que nunca abro. Una acción que uso como pretexto para recibir y acumular mi nombre escrito por ella, sobre un embalaje que contiene una información física y actual de mi padre. Así describió RODRÍGUEZ-MÉNDEZ Región de validez, una pieza que se inscribe en el trabajo que él desarrolla desde los límites de la escultura. Detenido el envío en 2017, Región de validez continúa siendo un enigma, y no únicamente por el gesto de permanecer oculta, sino por el hecho de introducirse en un espacio que despierta intereses adscritos a diversos niveles de la lingüística. 

En el nexo existente entre la memoria de los gestos y la del saber hacer, vinculado inevitablemente a la labor de los y las artistas presentes en esta exposición, subyace también un interés por la tradición plástica. En el caso de DIEGO SANTOMÉ, sus xilografías son el resultado no sólo de una aspiración formal, sino de un deseo por abordar su trabajo al ralentí, que le permita revertir la creciente tendencia a apurar los procesos. Las tablas sobre las que se inscriben estas nubes exigen de un largo tiempo de elaboración y, al mismo tiempo, requieren del oficio de una técnica tradicional estampada de un modo rudimentario. Al margen del gesto físico que requiere su elaboración, Santomé alude, cuando habla de estas piezas, a la importancia que la xilografía ha tenido históricamente para los y las artistas que, comprometidas artística y políticamente, buscaron difundir y democratizar su obra. En el caso de Santomé, además, la decisión de grabar nubes nos lleva a reparar inevitablemente en el giño irónico de la pérdida de tiempo.  

Aunque el tema de la insurrección es abordado aquí de un modo poco categórico, no se puede obviar la importancia de lo simbólico en la novela que Emilia Pardo Bazán publicó en 1883 bajo el título La Tribuna, y que narra las duras condiciones de vida de esas mujeres, incluyendo de manera destacada los detalles del levantamiento violento de las trabajadoras contra los patrones. CARME NOGUEIRA quiere profundizar en este episodio tomando la imagen modernista de la mujer fumadora que la Compañía Arrendataria de Tabacos estampaba en las cajas de Farias fabricadas en A Palloza. Esa imagen, popularizada tras el diseño que Alphonse Mucha realizara a finales del XIX para una campaña de los cigarros Job, se extendió rápidamente en el ámbito de la publicidad, no así en la vida real, ya que el consumo de tabaco por parte de las mujeres continuó siendo un tabú hasta hace muy poco. Nogueira transforma la imagen en tribuna, lista para ser utilizada en un pronunciamiento, e inscribe en su madera esa silueta en la que el escalón que hace posible el ascenso a ella se corresponde con el rostro y con el humo que exhala esta figura, y que puede recordar tanto al gesto ascensional –a la tribuna o al tejado- cuya finalidad es el pronunciamiento, como al hecho de que el término La Tribuna sea utilizado también por Pardo Bazán para nombrar a la protagonista, conformando con esto un juego abstracto entre el dispositivo, la persona y la colectividad.   

En este juego abstracto se inserta también la propuesta de JORGE VARELA, y no sólo desde el relato de Pardo Bazán, sino desde los aspectos formales en que el propio hecho de pronunciarse –quizás en esa acepción que lo contempla como la acción de dar más intensidad a algo- deviene en elemento físico para que esa pronuncia cobre mayor presencia y/o intensidad. Así, partiendo del diseño que El Lissitzky firmara para la tribuna de Lenin, Varela propone una serie de volúmenes geométricos serrados en granito negro, que funcionan como un despliegue de cada una de las partes del proyecto de El Lissitzky. El resultado es el gesto mínimo y preciso que todo monumento aspira a ser, conectando en este caso de un modo hábil con los Proun –proyecto para la afirmación de lo nuevo- que acuñara el ruso, en los que empleaba los elementos básicos del pensamiento arquitectónico –la masa, el peso, el espacio, el ritmo- haciéndolos estéticos y privándolos de la función utilitaria que es propia del proyecto arquitectónico. 

El resultado es una exposición apenas dirigida, en la que cada artista se mantiene en su lugar, donde espera a que el tema se acerque, y este se va adaptando a la forma supuesta de cada gesto, esperando a que también el espectador forme parte de esa flexibilidad y se aproxime de tantas formas como individuos la recorran. Termina Marie-José Mondzain diciendo que presentar el problema requiere que el espectador acuda al encuentro con el enigma de su propia visibilidad, que sienta sacudidas sus certezas estructurales, para sumergirse en la multiplicidad de las temporalidades, en la reversibilidad de todas las orientaciones.

Ángel Calvo Ulloa

O pronunciamento
28 SEP 2019 - Daniel Boccato
DANIEL BOCCATO

BAD ACTORS

Gillian Ayres / Pamela Bartlett / Sandra Blow
Daniel Boccato / Howard Dyke / Dominic Kennedy
David Ostrowski / Kes Richardson


KARST
Plymouth

28 de Septiembre — 9 de Noviembre 
Bad Actors is a painting exhibition that takes its cue from Pirandello’s play Six Characters in Search of an Author. The play calls into question the nature of reality, artifice and authenticity. Each artist will present one significant painting. All the paintings are ambitious in scale, either sharing or exceeding the proportions of the human body. They will be displayed informally – propped, wedged, or hung from the columns of the gallery – asserting a physical presence in the space. This exposes both the factual human activity of their making and the illusion of the picture plane, or the work’s character. Each painting utters a private monologue. These utterances will connect across the space to create interactions and a constantly shifting story.
14 SEP 2019 - Daniel Boccato
Daniel Boccato and Loup Sarion,

M+is pleased to present Cannibal Valley, an exhibition of new works by Daniel Boccato and Loup Sarion, the artists’ first exhibition with the gallery and in Los Angeles. The exhibition runs from September 14 through November 9, 2019, with an opening reception on Saturday, September 14 from 6 to 8 pm.

 
Cannibal Valley brings together the sculptural objects of Loup Sarion and Daniel Boccato, united by the artists’ collaborative friendship and interest in abstract figurative forms.


https://www.mbart.com/exhibitions/186/overview/


Daniel Boccato and Loup Sarion,
4 AGO 2019 - Engel Leonardo
FAROL
Engel Leonardo propone para el balcón del MAC Niterói  la muestra de una serie de esculturas coloreadas que tienen su origen en los dibujos de Flávio de Carvalho. Con su balcón como lugar privilegiado - y que ciertamente recuerda el uso panorámico de un faro - cada una de las secciones del edificio recibirá una escultura que viene de los diversos elementos extraídos del proyecto de Carvalho: puerta y azulejos, además de los guacos y palmeras diseñados por el arquitecto brasileño.


Farol

MAC Niterói

Rio de Janeiro, Brazil

Visita la Web
FAROL
Almugárbas
El proyecto Almuqárbas propone un replanteamiento contemporáneo del mocárabe a través del diseño de un nuevo módulo basado en la significación poética y geométrica de la Alhambra de Granada

ESte proyecto ha sido premiado dentgro del IV premio de Cervezas Alhambra


christiangarciabello.es
Almugárbas
20 JUL 2019 - Engel Leonardo
MONOGUAYABO
Las relaciones entre lo humano y la historia, la arquitectura y la cultura material son algunos de los intereses centrales del trabajo de Engel Leonardo. Su producción suele basarse en investigaciones sobre arquitectura moderna tropical, historias reprimidas por la modernidad, y la transmisión del conocimiento indígena y africano a través de objetos generalmente vistos como artesanales, folclóricos o etnográficos. 
En “Manoguayabo”, las obras utilizan como punto de partida sus investigaciones sobre el trabajo de Flavio de Carvalho y Lina Bo Bardi, así como la pintura "O lago" de Tarsila do Amaral y la tradicional mata de huevos dominicana. Creando una conversación con el espectador, que se desarrolla a través del uso de estructuras de carácter geométrico y ascendencia modernista, Leonardo busca reinterpretar elementos de la naturaleza del Caribe y el trópico; una reducción de formas, colores y relaciones que dan cuenta de un contexto inmensamente rico pero igualmente complejo.

Galería Diablo Rosso
Panamá
desde el 13 de julio

 
MONOGUAYABO
17 JUL 2019 - Daniel Boccato
STONE SOAP GLORY
DANIEL BOCCATO
STONE SOAP GLORY


July 25 - September
Mister Fahrenheit
New York
misterfahrenheitny.com
danielboccato.com
STONE SOAP GLORY
15 JUL 2019 - RODRÍGUEZ-MÉNDEZ
Lo Perfecto. Arriba* En

RODRIGUEZ-MENDEZ  realiza un proyecto editorial y expositivo para CICLÓN , coordinado por David Silva y Misha Bies 

 

 Inauguración 31 julio
Santiago de Compostela

 

El trabajo de Rodríguez-Méndez analiza los principios materiales de la escultura y la experiencia física esencial del hombre en proyectos que combinan acción y escultura para explorar la interacción o el equilibrio de energías entre los dos.


Lo Perfecto. Arriba* En

*Título de carácter general, que reúne todos los proyectos realizados durante los años 2015 – 2017 en Oslo, Noruega. Serie de 196 fotografías.

Envase de un litro de plástico, derretido en gotas sobre papeles. Responde a la idea de practicar un vaciamiento, un intento de reproducir ese volumen interno sobre una superficie en la reducida forma y conclusiva de una gota.




Lo Perfecto. Arriba* En
10 JUL 2019 - Sally Gutierrez
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SALLY GUTIERREZ y colectivo Declinacion Magnética
MARGEN DE ERROR

Bienal Sur
Montevideo y Lima
declinacionmagnetica.wordpress.com
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UNA DIMENSIÓN ULTERIOR Aproximaciones a la escultura contemporánea en España
Aproximaciones a la escultura contemporánea en España


Museo Patio Herreriano 
Valladolid


8 de Junio - 13 de Octubre 
https://museoph.org/

Una dimensión ulterior, que puede verse en cinco salas de las plantas segunda y tercera del Museo, toma aquella exposición como punto de partida para realizar un ejercicio similar, y pulsar el modo en que ha evolucionado la escultura en España hasta nuestros días. Incluye muchas de las obras que integraron la muestra de 2003 y otras realizadas en fechas recientes por creadores españoles de generaciones sucesivas. Si Cuatro dimensiones eludía la vehemencia de los grandes relatos, Una dimensión ulterior refuerza también el valor de las historias pequeñas. No es baladí que el título de esta muestra haya optado por el indeterminado “una” en vez del determinado “la”, pues, como sabemos, no hay ya cabida para lecturas unívocas de las prácticas artísticas de nuestro tiempo, y la que aquí se ofrece es sólo una de tantas posibles, si bien, admitimos, pretende ser un recorrido que trate de explicar con cierta solvencia algunas de las claves de la escultura de hoy.

Artistas participantes: Ignasi Aballí, Elena Aitzkoa, Elena Asins, Jorge Barbi, David Bestué, Elena Blasco, Jacobo Castellano, Jordi Colomer, June Crespo, Ángela de la Cruz, Patricia Dauder, Diego Delas, Pepe Espaliú, Ángel Ferrant, Nuria Fuster, Fernando García, Christian García Bello, Cristina Iglesias, Pello Irazu, Carlos Irijalba, Antoni Llena, Eva Lootz, Juan López, Asier Mendizabal, Mitsuo Miura, Itziar O  Okariz, Jaime Pitarch, Adolfo Schlosser, Fernando Sinaga, Teresa Solar, Julia Spínola y Susana Solano.




UNA DIMENSIÓN ULTERIOR Aproximaciones a la escultura contemporánea en España
27 ABR 2019 - Engel Leonardo
La Déesse verte
Établissant un parallèle entre les formes de l’art et les formes de la nature, l’exposition prendra la forme ludique d’une vaste serre dans laquelle les artistes créeront de nombreux paysages, jardins, représentations mythiques, imaginaires et/ou historiques de la nature, en lien avec l’art, les cosmogonies indigènes, la technologie ou la science-fiction.

Artistes : Gwladys Alonzo, María José Argenzio, Mariana Castillo-Deball, Carolina Caycedo, Chelsea Culprit, Dewar & Gicquel, Naomi Fisher, Galerie Rezeda, David Gumbs, Cristóbal Gracia, Cynthia Gutiérrez, Renaud Jerez, Lake Verea, Lucile Littot, Engel Leonardo, Caroline Mesquita, Miguel Penha, Calixto Ramírez Correa, Clémence Seilles, María Sosa, Fabiola Torres-Alzaga.

Commissariat : Dorothée Dupuis

Estableciendo un paralelo entre las formas del arte y las formas de la naturaleza, la exposición tomará la forma lúdica de un gran invernadero.Para esta exposición, la curadora Dorothée Dupuis se inspiró en el famoso jardín de Las Pozas, un logro caprichoso y utópico, ubicado en el estado de San Luis Potosí en México, por el poeta Edward James en la década de 1970.Sujeto de una guerra interminable tanto contra sus poderes destructivos como por el control de sus recursos, la naturaleza es un Eldorado que los humanos consideraron desde muy temprano como una deidad simbolizada en diferentes mitologías por animales, figuras femeninas y otras entidades a menudo antropomórficas.

https://eldorado-lille3000.com/agenda/liste/event/17680186


La Déesse verte
23 ABR 2019 - RODRÍGUEZ-MÉNDEZ
Episodios de creación contemporánea

Libraría

Rodríguez-Méndez presenta o Episodio #05 de Creación Contemporánea: «Ir»


O artista galegoRodríguez-Méndezserá o gran protagonista doquinto e últimoEpisodio de Creación Contempoáneade NUMAX co seu traballoIr. A obra será presentada oluns 16 decembro ás 20:00nun acto que tamén contará coa presenza do comisario do ciclo,Ángel Calvo Ulloa

A obra que ocupará a vitrina de NUMAX nas vindeiras semanas leva por títuloIre fai parte dun traballo aínda en proceso que se presentou en 2018 na exposiciónDos mesas Monte, acompañando outra obra tituladaRegión de validezque o artista presenta así: «Desde o ano 2007, a miña nai (xastra de profesión) confecciona, cada mes, un pantalón e unha camisa coas dimensións do meu pai, que envía ao meu enderezo de Madrid nun paquete que nunca abro. Unha acción que uso como pretexto para recibir e acumular o meu nome escrito por ela, sobre unha embalaxe que contén unha información física e actual de meu pai.»Ir dá continuidade ás liñas de traballo máis persoais deRodríguez-Méndez, un artista adscrito ao campo da escultura cuxa obra adoita reflexionar sobre a súa propia condición perecedeira e efémera. Un traballo de temporalidades moi persoal que somete ao espectador, pero tamén ao propio artista, a unha sorte de estrañamento a partir da impredicibilidade coa que actúan tempo e materia. Así describe a materialidade deIr o propio artista:



https://numax.org/actualidad/detalle/episodio-de-creacion-rodriguez-mendez
Episodios de creación contemporánea
20 ABR 2019 - Mar Guerrero
Earth
Mar Guerrero en :
SÍM Residency, Reykjavik (Iceland)


artist website

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Earth
10 ABR 2019 - RODRÍGUEZ-MÉNDEZ
Fragmentos que representan al mundo.Digo error
Fragmentos que representan al mundo Artistas: EVA FÁBREGAS + ROSANA ANTOLI + LAIA ESTRUCH + GERARD ORTIN + RODRÍGUEZ MENDEZ
Período expositivo de febrero 2019 a junio 2019
Ciclo de intervenciones

Pensar en el gesto nos lleva inevitablemente a pensar en el movimiento, una forma de comunicación no verbal en la que el cuerpo, el rostro o nuestras manos toman el protagonismo para transmitir mensajes a través de otras expresiones visibles. El acto gestual implica un significado, una intencionalidad determinada que encierra una realidad más compleja, visible a través de pequeños matices realzados por los instantes vivenciados en contextos compartidos. Es ahí donde nos cuestionamos si todo espacio puede ser con- vivido en términos de performatividad, si la narrativa del gesto puede llegar a fusionarse para amplificar nuestros vínculos en una especie de nueva "gestión afectiva" 1 que nos haga partícipes de los espacios que ahora identificamos como nuestros. Reiterar la imagen hasta hacerla real es la base de todo proceso performativo y es algo que también está presente en la construcción simbólica, en la alianza que existe entre un significante y un significado. En esta exposición buscamos devolver la mirada a lo que compartimos por medio de diferentes intervenciones artísticas entendidas como nuevas modalidades para dejarse llevar de un modo consciente, y construir con ello todo un imaginario de patrones no neutrales en los que el gesto se entienda como un acto o hecho que implica un saber más pausado y crítico. Es en ese pensamiento fronterizo donde podemos plantear diferentes maneras ortodoxas de entrar, de analizar los fragmentos que terminan configurando un gesto simbólico para profundizar en lo corporal y en lo coreográfico que encierran los sonidos y los elementos.



TOTALIDAD E INFINITO* Economías de la transferencia en otro(s) tiempo(s) para el arte Proyecto para la Sala Carlos Pérez del Centre del Carme de València

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Cuatro placas de yeso prensado elevadas del suelo sostienen en su centro cruciforme ocho perneras de pantalón cocidas. Su Celebración (2 acciones) 1. Un hombre mayor de setenta años realiza el gesto de tocar repetidamente su pierna izquierda a la altura superior de la rodilla. 2. Cubrir los pies de un hombre tumbado y descalzo, con las perneras de su propio pantalón. RODRÍGUEZ-MÉNDEZ

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Fragmentos que representan al mundo.Digo error
9 MAR 2019 - Nacho Criado
El juego del arte
En 1970 Rothko se suicidaba en Nueva York. La figura del pintor fue evocada entonces por Nacho Criado en una de sus primeras exposiciones individuales en la galería Sen de Madrid, con una serie de piezas que se encuadraban en la poética minimalista y que supusieron una ruptura radical con las propuestas de la escena artística madrileña de entonces. Con ésta y otras piezas de aquella muestra, el artista se planteó la instalación, que sería una de las líneas que orientarían su creación posterior. Esta obra supone, además, la introducción del color en el esquema minimalista, y de hecho, frente a la neutralidad habitual del minimalismo, esta pieza de Criado basa buena parte de su sentido en el aspecto cromático. Está constituida por varias tablas rectangulares que, apoyándose unas sobre otras formando distintos ángulos e inclinaciones, alcanzan la vertical en la pared. Las tablas crean distintos estratos o fases: una progresión física que afecta al color en su luminosidad y provoca una serie de gradaciones en la escala del negro, contenidas en sus extremos por las maderas pintadas de rojo que actúan como límite visual. Dentro de la estética minimalista en la que se inscribe esta obra temprana de Nacho Criado innovadora en el panorama artístico español, la dedicatoria a Rothko actúa como evocación no sólo de las calidades cromáticas de la pintura de éste, sino también de una idea del arte absoluto que Simón Marchán ha definido como "concepción contemplativa, pura y reduccionista del arte, en la cual ya se contrabalancea lo real y lo virtual".

NACHO CRIADO
Homenaje a Rothko


Exposición colectiva
El Juego del Arte
Pedagogías, Arte y Diseño

Fundación Juan March
22 marzo – 23 junio 2019

march.es
El juego del arte
6 DIC 2018 - Clara Montoya
NADA Miami
Participamos en la feria NADA , con la obra de Clara Montoya .Madrid 1974


Clara Montoya  Carnaval Sauvage.Familia deliberando,acrílico sobre lienzo

El Carnaval Salvaje se celebra en Bruselas solo desde hace cinco años, pero en él coinciden trajes y personajes inspirados en antiguas tradiciones de todo el mundo. Aunque el carnaval, como lo conocemos actualmente, es una fiesta relacionada con la religión cristiana y la Cuaresma, su origen es mucho más antiguo y proviene de la celebración del solsticio de primavera. Clara Montoya pertenece a la comunidad que cada año se encarga de organizar esta versión urbana y contemporánea. A pesar de que ella trabaja habitualmente desde la escultura en esta ocasión ha decidido retratar en acrílico sobre lienzo a sus compañeros y sus trajes. Sin embargo, existe un carácter escultórico en esas vestimentas que junto a su relación con el espacio de la ciudad y la performance festiva y radical en la que todo se resuelve establecen los ejes que atraviesan estas pinturas. En el Carnaval Salvaje cada participante se hace su propia indumentaria, reinterpretando los ejemplos de los antiguos carnavales paganos que en algunos casos se siguen celebrando hoy en día, y en el que los disfraces representan miedos y deseos ancestrales. Los personajes que durante la jornada atraviesan el corazón de la ciudad son abetos guerreros, monstruos, seres mitad humano mitad animal, hombres-máquina, que se construyen durante los días previos a la celebración. Al final del carnaval gran parte de los trajes se queman en una gran hoguera.




NADA Miami
10 JUL 2018 - RODRÍGUEZ-MÉNDEZ
I say error / Digo error & The Perfect. On / Lo Perfecto. Arriba Llull
I say error / Digo error & The Perfect. On / Lo Perfecto. Arriba Llull

Vídeo 47 min. Casal Solleric, Palma de Mallorca, Spain 2018  &  Video 1h25min.  /  Oslo, Norway 2016

 

Proyecto para la exposición:  

"Un sujeto construido en el punto de intersección de la multiplicidad de posiciones de sujeto".  Comisaria: Diana Guijarro.


I say error / Digo error

Vídeo 47 min.  

 

Digo error es una liturgia del recordar. Hay una idea de recuperar lo perdido, una voluntad de reconstrucción a través de un nuevo conocimiento.

 

Descripción:

 

- 4 placas de yeso prensado en el centro del patio de Casal Solleric y separadas entre sí. Medidas de cada una: 300x120x1,5cm.

 

- Primera acción: El artista deshilacha parte de uno de los hombros de la americana de un hombre. Deja caer los hilos al suelo.

 

- Segunda acción: El artista, con una lente graduada fijada en el talón derecho de su zapato, va golpeando las placas de yeso hasta que entren en contacto en el centro.

 

- La acción finaliza cuando las placas se juntan entre sí.

 

I say error / Digo error & The Perfect. On / Lo Perfecto. Arriba Llull
1 JUN 2018 - Miquel Mont
Traces et affects
Exposición de Miquel Mont .

Galerie de l’artothèque – Salle du Temple, place Notre-Dame, 35500 Vitré
Commissariat : Isabelle Tessier
Exposition visible du 2 juin au 16 septembre



http://www.mairie-vitre.com/-Artotheque-.html

Traces et affects
20 ABR 2018 - vítor Mejuto
critics´picks ARTFORUM
For centuries, the education of painters revolved around scrutinizing masterpieces in order to grasp how their makers resolved problems of a purely technical nature. No one looks at painting as mercilessly, and with as little sense of metaphor, as a painter. In “Pintor en la corte,” (Painter in the Court), Vítor Mejuto revisitsDiego Velázquez,Antonello da Messina,Jaime Serra,Francisco Goya, andTitian, among others. Mejuto’s small-format paintings are concise and honed, to say nothing of elegant, reproductions of the geometric aspects of some of those masters’ works.Despite its schematic proposal, the show is friendly, even domestic, because the images distributed around the gallery are familiar. Particularly suggestive is the 2018 series “sepulcro vacío” (empty grave). These works, hung in a somewhat scattered way along a wall, explore how different painters have treated a space miraculously unfilled: the gravestone and the ditch. Initially inspired byJuan de Flandes’sResurrection of Lazarus, 1514–19, the series encompasses an assortment of tombs from over the course of art history that Mejuto has compiled. From these images, the artist has created paintings that are either imitations, interpretations, or inventions.

Viewers embark on a journey to decipher the fragments in Mejuto’s paintings: a swath of robe, a wedge of building, a piece of brocade. The small canvases, like lost puzzle pieces, conjure memories of complete masterpieces. Abounding with citations and suggestions, the exhibition reveals the contemporariness of the well-known images that form the basis of Western art. It is with good reason, then, that a number of titles reference burials and resurrections. Each generation pays, in its fashion, its debt to its ancestors.Translated from Spanish byJanie Brodie.Joaquín Jesús Sánchez


https://www.artforum.com/picks/vitor-mejuto-75006
critics´picks ARTFORUM
13 ABR 2018 - Daniel Boccato
Daniel Boccato, You are not a tree, Corrugate Contemporary, Ohio, US
Exposición de Daniel Boccato  .You are not a tree .

http://corrugatecontemporary.com
Daniel Boccato, You are not a tree, Corrugate Contemporary, Ohio, US
9 ABR 2018 - Daniel Boccato
Centinela exposición en TABACALERA 16 febrero-13 abril
Los Centinelas son leones vigilantes que se encuentran entre la acción y la inacción mientras nos miran con atención desde sus puestos. Descendiendo de las tradiciones heráldicas europeas, es frecuente encontrarlos hoy en día en jardines protegiendo las puertas de hogares contemporáneos, dirigiendo su mirada hacia quien accede a ellos o piensa hacerlo. Sentados en pedestales, estos leones son réplicas de hormigón de esculturas clásicas, esta vez posados sobre objetos de otra época que con el paso del tiempo han perdido su función. El pedestal blanco clásico actúa generalmente como separación entre la escultura y el suelo, entre el objeto y el abyecto, el arte y la arquitectura, lo alto y lo bajo. La atención normalmente tiende a centrarse en aquello que es dinámico, mientras que lo estático se mantiene generalmente en segundo plano. Así, cuando la escultura se convierte en una constante y el soporte en una variable, los papeles se invierten y la escultura se convierte en un soporte para el pedestal.


Bomba de humo apotropaica



The apparition of these faces in the crowd;

Petals on a wet, black bough

Ezra Pound

In a Station of the Metro, 1913



Paciencia y Fortaleza custodian la New York Public Library y Daoíz y Velarde el Congreso de los Diputados. Leones protegen las puertas de la Ciudad Prohibida y leonas las de Micenas. Los hubo de Nemea y de Judea; otros fueron vigilantes del sueño eterno de los poderosos. Los leones Médici se copiaron hasta la náusea y ahora casi todos se producen en serie, como los jardineros de Daniel Boccato. Distribuidos por las salas, los centinelas de Daniel miran directamente a los ojos pidiendo santo y seña. Su poderosa aura ya no resulta tan benéfica como la de sus antepasados. En apariencia protectora, es más bien amenazante. Estos leones-hito han dejado de ser mágicos en si mismos para transformarse en artefactos especulares.


La instalación de Daniel Boccato conecta el tiempo presente, de selfies y tecnologías de reconocimiento facial, con un pasado moderno y pre-digital, y es a la vez distopía. Con lodos encontrados en el sótano de Dostoievski se modelan estos bellos leones, bombas de humo apotropaicas creadas para ocultar a ojos vistas la realidad del subsuelo. Leones artificiales, sacados de un sueño de Philip K. Dick, se acomodan sobre unos pedestales que son ahora el elemento variable y nos recuerdan que la aceptación del individualismo lleva implícito el derecho a la autodestrucción. Las esculturas están bajo los leones y son una muestra del sustrato social de la contemporaneidad. Construidos con elementos de diversa procedencia y estética contradictoria, trascienden el ready-made mediante sutiles guiños poéticos y referencias personales que el autor oculta a propósito, pero cuya impronta es legible. Leídas como plintos romanos, estas esculturas de base cuentan dudosas hazañas de los leones retratados, más bien anécdotas cotidianas, urbanas y sobre todo carentes de sentido. Historias tan fragmentadas en su unidad, como la propia representación del león, que trae consigo un pasado muy pesado. Incluso cabe una lectura social de la instalación, de la actualidad tecnológica y consumista en la era Trump: protagonizada por una masa aleccionada para la uniformidad y sostenida en la ilusión de su unicidad que termina por igualarse por abajo, encumbrando lo más zafio. El impreciso límite entre lo artificial y lo natural, la decadencia de la vida y la sociedad, y el significado de la individualidad en el mundo de hoy son algunas de las cuestiones presentes en el trabajo de Daniel Boccato.


Sin mediar verbo, el primer verso y el segundo se juntan precisamente en el momento de la acción. Pedestal y clon, escultura y objeto. Como en el poema de Pound, como en los haikus, la conexión va de cuenta de quien observa. Solo que ese sujeto es también vigilado, acechado por leones que devuelven el verso cambiado de orden. Desvergonzados trileros heráldicos, hipnotizan al ojo previamente anestesiado por la multitud de caras legibles, simétricas, repetidas. La refrescante paradoja que Boccato diseña entre el arriba y el abajo, bascula entre la reconfortante visión de estos reyes destronados y el deshecho que nos define, entre la aspiración del ideal y el dinamismo de lo real. En línea con sus trabajos anteriores, en esta instalación incómoda el símbolo se escurre por el lavabo y la metáfora se diluye en la confortabilidad de un signo reconocible, de una cara agradable, en la ilusión de creernos únicos y merecedores.



Yara Sonseca







Centinela exposición en TABACALERA  16 febrero-13 abril
17 MAR 2018 - Justin Thompson
My paper is called The Medium is the Massage: Racialized Mediums
I am honored to be speaking atBlack Portraiture(s) IV: The Color of SilenceMarch 22-24 at Harvard. I am delivering a paper based on the past 8 years of research and interviews with artists of the African Diaspora.
My paper is called The Medium is the Massage: Racialized Mediums

http://www.blackportraitures.info/sessions/the-artist-at-work/
My paper is called The Medium is the Massage: Racialized Mediums
16 MAR 2018 - Justin Thompson
project realized in collaboration with Bradly Dever Treadaway and Jason Thompson f
Here is a recent project realized in collaboration with Bradly Dever Treadaway and Jason Thompson for the Miller Gallery in Kutztown PA.The Antenna of the Raceis a media-based installation that centers on three conceptual foundations: engaging Marshall McCluhan’s theory on historic labor division as a primer for thriving in an ‘acoustic environment’, local Pennsylvanian history in the patenting of a device capable of the diffusion of public television and a critical deconstruction of authenticity and cultural appropriation. McCluhan’s examination of the simultaneity of the media assault sets the service culture as one of playing roles in contrast to specialization and literacy of a ruling class as pursuing goals, ultimately determining that the role players are more capable of thriving in a hyper saturated acoustic world given their forced adaptability.
project realized in collaboration with Bradly Dever Treadaway and Jason Thompson f
4 MAR 2018 - Sally Gutierrez
Te acuerdas de Filipinas ?
La pelicula de Sally Gutirrez participa en la ficci, Festival internacional de cine de Cartagena de Indias .
la pelicula Ta  acorda Ba tú el Filipina forma parte de la coleccioón del Museo Nacional Centro de arte Reina Sofia .

http://www.ficcifestival.com

Conflictos y dictaduras; colonizadores y colonizados; represión y ansias de libertad; totalitarismo y democracia, se reúnen en esta segunda versión de “La guerra y la paz”, ficciones y documentales que dejan oír voces, reclamos, preguntas, soluciones. Películas que se hacen cargo del lugar del cine no como un simple notario de la realidad sino como un instrumento de transformación.

Te acuerdas de Filipinas ?
4 MAR 2018 - Mar Guerrero
Artista en residencia

ART CENTER/SOUTH FLORIDA RESIDENCY

 

 

Mar Guerrero ha sido seleccionada para realizar una estancia en residencia en Art Center/South Florida, Miami. Esta residencia es una oportunidad que se ofreció a los artistas baleares participantes en el  programa de formación “Les Clíniques d’Es Baluard”, cuyo objetivo principal es fomentar la profesionalización del sector y facilitar las herramientas de análisis, conocimiento, recursos y seguimiento de la práctica creativa y de pensamiento desde el museo. Por ello, la residencia en el Art Center/South Florida constituye una gran oportunidad para conocer el contexto artístico de Miami así como los programas de formación de artistas desarrollados desde esta institución artística. Esta residencia es posible, además, gracias a la colaboración mantenida entre Es Baluard y el Illenc. La residencia tendrá lugar durante el mes de marzo de 2018 y permitirá participar a la artista en el Program for Applied Artistic Research.

 

http://www.artcentersf.org/

Artista en residencia
La escala y la Distancia
La escala y la distancia
Christian García Bello
Ahora no es pretéritotodavía***
Galería FORMATOCOMODO Madrid. C/ Lope deVega,5
Http :/ /www. formatocomo.com /
Hasta el 17 de noviembre


 CARLOS DELGADO MAYORDOMO

 La obra de Christian García Bello (1986) reflexiona acerca de los vínculos que se establecen entre el individuo, su escala y el paisaje. A partir de esta ecuación, incorpora variables conceptuales que amplifican el alcance de su propuesta. De este modo, el horizonte como umbral inalcanzable o el tiempo como permanente transcurrir sobrevuelan unos trabajos que no han sido elaborados bajo el impacto de la sensación inmediata sino a través de un riguroso proceso de disección y de síntesis formal. La exposición Ahora no es pretérito todavía plantea un recorrido que mantiene el eco del peregrinaje: sus esculturas, de sencillas composiciones y materiales modestos, operan como hitos que rememoran formas de ritualidad popular. Ésta economía expresiva casi minimal, lo limita el alto rendimiento simbólico de su trabaj la dimensión humana el uso de elementos orgánicos y las referencias a la iconografía religiosa conviven para modular unas obras que indagan en nuestra, necesidad primigenia de protección y refugio. El deseo de localizar un lugar que nos resguarde sin sepultamos también está presente en sus dibujos. García Bello toma como punto de partida elementos arquitectónicos para someterlos a un delicado proceso de depuración. Los espacios vacíos dominan el papel, mientras que la línea no se detiene en dar demasiadas explicaciones: La evocación se impone a la descripción. Este esfuerzo por encontrar la sustancia en las sombras es una de las virtudes de un artista cuya evolución transcurre tan pausada como contundentemente.
La escala y la Distancia
ARTFORUM

Christian García Bello.

If Christian García Bello’s second show at this gallery seems to stage no major overhauls of his first, progress nonetheless lies within the reaffirmation of his perseverance. In this light, the exhibition represents a remarkable step forward in his still-young career. Titled, somewhat awkwardly, “Ahora no es pretérito todavía” (Now it is still not the past), the show reflects on how our relationship with time informs our perception of space. His drawings and sculptures share a precise blend of representation and abstraction, mathematical rhetoric and transcendent nebulousness, as he draws from rigorous classical humanism and from hazier Romantic movements in equal measure.

On entering the gallery, one easily detects the relevance of rhythm in his exquisite installation. It stems from a careful study of human proportions in the context of the gallery’s singular architecture. Drawing out our gaze, a vertical wooden form expands toward the wall, punctuated by both drawings and sculptures that share a distinctive ingredient: On all of them, thin layers of wax subtly accumulate to produce dense surfaces with an enthralling aura. They represent architectural motifs as well as shadows and hollow spaces, relentlessly swinging between the tangible and the ethereal. The three wooden sculptures on view are found objects that evolve into abstractions evoking a melancholic sense of longing, while unambiguously reflecting shapes and symbols drawn from traditional art of Galicia. Apathetic toward fuzzy trends and unnegotiably committed to austere formalism, García Bello understands his work as a body of complex textures providing a humble and serene take on the infinite.

— Javier Hontoria

 

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ARTFORUM
El refugio de Garcia Bello
Articulo en  EL CULTURAL , Escrito por Angel Calvo Ulloa

Pocas veces una exposición logra transformar..........

http://www.elcultural.com/revista/arte/El-refugio-de-Christian-Garcia-Bello/40099
El refugio de Garcia Bello
5 OCT 2017 - Mar Guerrero
Cosmic networks

Desarrolla el proyecto Cosmic networks en Nirox Foundation (Sudáfrica) dentro del Programa de Residencias El Ranchito de Matadero Madrid – AECID.


A partir de la observación concreta del espacio se ponen en cuestión ideas sobre progreso tecnológico y estéticas migratorias a través de las dicotomías que se establecen entre tradición y futuro, investigando acerca del concepto de “redes” a partir de dos ejes principales: el primero parte de la idea de “redes humanas”, que se lleva a cabo a través de una serie de acciones grupales; el segundo punto se relaciona con la idea de “redes tecnológicas”, donde se establece una investigación acerca de SKA (Square Kilometre Array), un proyecto desarrollado a nivel internacional para poner en marcha el que será el mayor radiotelescopio de la Tierra, construyéndose en The Great Karoo desert, Sudáfrica.

Cosmic networks
22 SEP 2017 - Ana Esteve Reig
LA PANTALLA MAGICA
Ganadora de una de las 10 l becas BBVA  Multiverso a la Creación en Videoarte en la convocatoria 2017, para llevar a cabo su proyecto La Pantalla Mágica.

La comisión evaluadora ha estado presidida por Chus Martínez, directora del Instituto de Arte de la Academy of Art and Design de Basilea, e integrada por Laura Baigorri,  Eugeni Bonet,  Nuria Enguita,; Karin Ohlenschläger, María Pallier, Manuel Segade, ; Blanca de la Torre, y Virginia Torrente,
NEO2 . Gallery weekend
NEO2.
Mit Borras

Apertura Madrid Weekend es un evento que organiza cada año ArteMadrid en
Septiembre después de las gorras, ese libro y las cangrejeras; después de no haberte ido a ese
sitio. Las galerías que forman parte de la asociación celebran el principio de la temporada con la
inauguración conjunta de sus exposiciones y con un programa de bien de cosas del 14 al 16 de
Septiembre. Actividades, visitas a museos y colecciones; encuentros y fiestas en la línea de los
eventos que se celebran en otros grandes núcleos del panorama internacional como el Choices
Collectors Weekend de París.
David, siempre pronunciado como Deivid, se viste de beige y sale a la calle. Beige como una
lámina de pavo, contento de postverano. Deivid tiene inaguraciones a las que asistir por
que Deivid, siempre pronunciado como Deivid como David Weiss, está interesado por el arte y
debe decidir entre la programación y algunos compromisos sociales.
La obra de mucha gente se expone estos días, la implicación en su trabajo a cambio de ya
sabes y el resultado de su propuesta intelectual está ahí puesta, las galerías escogen lo mejor
de su plantel de artistas internacionales, españoles, consagrados y emergentes. Bacelos
expone el trabajo de Massimo Bartolini, Elba Benítez nuevas piezas de Vik Muniz, Ponce +
Robles a Ding Musa, Twin Gallery a Manuel Franquelo-Giner y Elvira González las formas
orgánicas de Juan Asensio. En Formato Cómodo podemos ver el trabajo de García Bello. El
chico beige puede ver la obra geométrica y serena de éste artista formalizada con gran
criterio.

Miki Leal presenta en F2 Galería sus pinturas con los terrenos deportivos y superficies de las
pistas de tenis, los polos, las vallas, los matojos de alrededor, colores desvaídos y geometrías
sencillas muy acertadas; las quieres tener todas. Deivid bebe agua. Deivid bebe
vino, Deivid saluda. Cerca de allí aun en Fourquet está Karlos Gil que expone también esta
semana en García Galería No Fish, Snake Scale; una fecha esperada. En la galería Nieves
Fernández pueden verse expuestas las ricas buenas lindas frescas piezas de Alexej
Menschtschanow, instalaciones con ensamblajes aparatosos y fotografías de archivo. Un
trabajo en torno al fordismo, el totalitarismo y las formas fetichistas del funcionalismo. Una lista
larga de exposiciones, galerías abiertas desde Alegría a Xavier Fiol para un fin de semana bien
prieto de programación.


www.neo2.es/blog/2017/09/apertura-madrid-gallery-weekend-ii



 NEO2 . Gallery weekend
EL CULTURAL
EL CULTURAL .
Luisa espino


Seleccionamos  aquí diez exposiciones que no deben faltar en este primer recorrido galeristico.

La segunda muestra individual en la galería Formato Cómodo de Christian García Bello (La Coruña,
1986) toma como punto de partida el Estudio filosófico del tiempo recogido en las Confesiones de San
Agustín y su definición del hombre como centro del universo. A partir de ahí, García Bello trabaja
con escultura y dibujo, tomando como escala de trabajo su cuerpo y como referente el paisaje y
la arquitectura más esencial

http://www.elcultural.com/revista/arte/El-arte-nos-recibe-en-casa/40018
EL CULTURAL
8 SEP 2017 - Engel Leonardo
PODIUM


Participa en la exposición colectiva PODIUM, en el Instituto de Visión de Bogotá.
PODIUM
7 SEP 2017 - Daniel Boccato
Gallery weekend Bruselas

Presenta su nueva exposición nut, nuts, nut job en la galería Sorry we're closed de Bruselas.


Fechas: 7 de Septiembre - 28 de Octubre 2017 

 
Gallery weekend Bruselas
17 JUL 2017 - Ana Esteve Reig
Tracing utopia
Ana esteve Reig .
Participa con su trabajo ,Después de nunca jamás, video instalación de dos canales sincronizados.

Utopia
Twelve young emerging curators from China and Germany will stage a joint exhibition following the traces of "Utopia". Inspired by their research on the contemporary curatorial practice at the documenta 14 in Kassel and Skulptur Projekte in Münster the team explores utopian thinking in matters of space and time by means of visual arts, installations, performances and interventions in the outdoor and indoor space.​The two-part exhibition will be presented at Starke Foundation in Berlin-Grunewald as well as at Zentrum für Kunst und Öffentlichen Raum and Schlosspark Biesdorf. 

Participating artists:
Dominik Annies, Chen Baiyi,Janosch Becker,Florian Birk,Juan Blanco,Felipe Duarte,Shi Fu,Philipp Hainke,Lisa Herzog,Fangling Huang, Qin Lingsen, Luo Qiang,Li Quing,Ana Esteve Reig,Natalia Irina Roman,Felipe Sánchez, Liu Shihao,André Stache,Deo Gisa Brian Senyondo,Annika Stoll,Daniel Theis, Victoria Wald,Tao Xia, Yan Xiang, Ligeng Zhang
Tracing utopia
21 JUN 2017 - Engel Leonardo
20th Sesc_Videobrasil
 SEC video Brasil , anuncia los artistas seleccionados para participar en el festival de video de Brasil .
 Engel Leonardo participara de octubre 2017-Enero 2018.
20th Sesc_Videobrasil
BIENAL DE LALÍN

NAUGURACIÓN: 5 de mayo 20:30 | 21 de julio

LUGAR: Museo Municipal de Lalín

ARTISTAS: Emilio Araúxo, Misha Bies Golas, Emma Crichton, Manuel Eirís, Tamara Feijoo, Christian García Bello, Irene Grau, Rubén Grilo, Carlos Maciá, Álvaro Negro, Carme Nogueira, Kiko Pérez, Alejandra Pombo, Bandia Ribeira, Lua Ribeira, Rodríguez-Méndez, Armindo Salgueiro, Diego Santomé, Xoan Torres, Damián Ucieda e Diego Vites.


BIENAL DE LALÍN
27 ABR 2017 - RODRÍGUEZ-MÉNDEZ
Dende o Panóptico: Cada cela unha fiestra.
RODRÍGUEZ MÉNDEZ.
 
participa en la muestra Dende o Panóptico: Cada cela unha fiestra.


La exposición O Vello Cárcere de Lugo. Da guerra á posguerra está compuesta por un libro de memorias, notas y cartas de los presos a las familias, entre otros. También forma parte de ella la recreación de una celda individual en la época de la guerra

13 artistas repiensan desde la actualidad la Vieja Cárcel. Para eso, la muestra Dende o panóptico: cada cela unha fiestra, que reúne por primera vez una serie de trabajos de diferentes figuras del arte gallega

Para recuperar la memoria de las mujeres antifascistas borradas de la historia, el módulo femenino acogerá la exposición itinerante Vermellas (Chamábanlles rojas). Se componen de 20 paneles con textos.



Fechas: A partir del 28 de Abril, Centro Sociocultural O Vello Carcere de Lugo.


Dende o Panóptico: Cada cela unha fiestra.
17 MAR 2017 - RODRÍGUEZ-MÉNDEZ
The perfect on
The Perfect on .
Rodriguez-Mendez curador Angel Calvo Ulloa.
El resultado del trabajo en la residencia Paulo Reis .


http://ateliefidalga.com.br/

The perfect on
14 MAR 2017 - Engel Leonardo
Las mejores exposiciones durante ARCO . FRIEZE
Critic’s Guide: Madrid A round-up of the best shows in the Spanish capital ahead of this year's edition of ARCO, BY JULIA MORANDEIRA ARRIZABALAGA

FIREZE.COM
Engel Leonardo, ‘Ansapit’
Galería Formato Comodo
4 February - 31 March

Engel Leonardo’s practice performs a difficult balancing act: synthesizing Caribbean geography and visual culture without reducing its complexity. Research into the craft aesthetics of his native Dominican Republic manifests through several forms. Titled ‘Ansapit’, the Creole name for one of the four main land crossings from Haiti, the show shares the name with a dress piece whose pattern documents the popular architecture of the region. Leonardo’s Vevés paintings made with plantain juice and depicting abstracted voodoo symbols, and his Lista series, which transforms traditional basketwork found in the borderlands between the Republic and Haiti, further explore porous limits: between neighbouring countries, art and design, and high modernism and a craft vernacular.

frieze.com/article/critics-guide-madrid-0











Las mejores exposiciones durante ARCO . FRIEZE
9 FEB 2017 - Javier Campano
Campano en Color

La Sala Canal de Isabel II (Madrid) acogerá a partir de febrero una amplia selección de imágenes en color, inéditas en su mayoría, del fotógrafo Javier Campano (Madrid, 1950). Comisariada por Horacio Fernández, la exposición 'Campano en color' reunirá también algunas obras de su vertiente más clásica y documental, realizadas a lo largo de sus muchos años como paseante.

La muestra, organizada con motivo de la concesión del Premio de Cultura 2013 de la Comunidad de Madrid en su modalidad de fotografía, incluye todo tipo de soportes y técnicas utilizadas por el artista, desde las series dedicadas a las escenas urbanas o la selección de polaroids hasta un buen número de fotolibros o catálogos.Campano ha utilizado principalmente el blanco y negro para realizar su obra. Sin embargo, a partir de 2010 adopta definitivamente el color y la fotografía digital. A partir de entonces lleva a cabo series de fotografías callejeras donde se pueden encontrar temas recurrentes junto a otros nuevos en los que se ve su pasión por la pintura, la cultura popular y el diseño gráfico.Una de ellas es Pinturas de paso, donde fotografía paredes pintadas encontradas al azar en sus muchos paseos por la ciudad, que se convierten en cuadros que evocan la pintura abstracta, una pasión de Campano, quien siempre se ha acercado a la creación contemporánea. Como él mismo asegura, “cuando miro una pared y veo un Guerrero, un Malévich, un Tàpies, un Newman o un Rothko me vuelvo loco de alegría”. Ésta estará acompañada por la serie urbana y la de los números.También se mostrará una selección de escenas urbanas que continúan la temática de su obra anterior y muestran que se puede ser fotógrafo en color sin dejar de serlo en blanco y negro. Su mirada es la de un observador que se detiene en detalles de la vida urbana como señales de tráfico, rótulos callejeros, letras, logos o anuncios, creando un imaginario cercano al pop. Estas fotos son el resultado de una mirada atenta a las diferencias y a lo insólito, configurando un enorme archivo visual de poesía urbana.

 

Campano en Color
16 ENE 2017 - RODRÍGUEZ-MÉNDEZ
"...al menos un modo provisional de asentarse en un lugar"

"...al menos un modo provisional de asentarse en un lugar" - Del 14 de diciembre al 22 de enero - Azkuna Zentroa (Bilbao) y del 20 de enero al 28 de febrero - Montehermoso (Vitoria-Gasteiz)
 
La exposición …al menos un modo provisional de asentarse en un lugar es el resultado del programa Komisario Berriak, iniciativa de DSS2016EU en colaboración con Azkuna Zentroa (Bilbao), Tabakalera (Donostia), Artium y Montehermoso (Vitoria-Gazteiz) que apoya la formación de nuevos comisarios. En estas tres ciudades han tenido lugar a lo largo de 2016 los encuentros en formato de laboratorios en torno a las prácticas curatoriales que concluyen con esta muestra

Artistas: Allora & Calzadilla, Emilio Araúxo, Pedro Barateiro, Zigor Barayazarra, Josu Bilbao, Alex Cecchetti, Lúa Coderch, Janice Kerbel, Irene Kopelman, Louisa Martín, Amaia Molinet, Enrique Radigales, Rodríguez-Méndez, Eriz Moreno, Eulàlia Rovira & Adrian Schindler y Tina Vukasović.

Equipo curatorial de Komisario Berriak: Valerio Del Baglivo, Ángel Calvo Ulloa, Irati Irulegi, Laura Diez, Leyre Goikoetxea, Natasha Kadin, Pilar Cruz, Iker Fidalgo, Sonia Fernández Pan y Juan Luis Toboso. Acompañados por Aimar Arriola, Tamara Díaz Bringas y Sabel Gavaldón.

16 DIC 2016 - Engel Leonardo
Bienal Tropical

Entre palmas, fritanga y salitre, la 2da Gran Bienal Tropical se realizará del 7 al 10 de diciembre en varias localidades de Puerto Rico. Esta edición le rinde homenaje a dos secretos a voces de la escena artística local y dos de sus figuras más emblemáticas: Zilia Sánchez (La Habana, 1928) y Esteban Valdés (Ciudad de México, 1947).
La curaduría de la 2da Gran Bienal Tropical es un ejercicio en colaboración entre Marina Reyes Franco, Radamés “Juni” Figueroa, Jesús “Bubu” Negrón (ganador de la Piña Dorada en la 1ra Gran Bienal Tropical), Stefan Benchoam y Pablo León de la Barra.
Históricamente, las bienales en Puerto Rico han sido boicoteadas, canceladas, retrasadas, convertidas en trienales y vueltas a posponer. Exitosas, desacertadas, pertinentes o controversiales, la constante ha sido su carácter interrumpido, dependiente del vaivén político, la militancia de los artistas y el presupuesto disponible. Quizás no haya mejor momento que el décimo aniversario de la recesión económica en Puerto Rico para -a cinco años de su primera edición- realizar la 2da Gran Bienal Tropical, financiada a través de la economía de la amistad. Con el deseo de enfrentar futuros inciertos, y seguros de que nuestro paraíso no sólo será fiscal, se ha invitado a una selección de artistas de latitudes caribeñas, tropicales y del más allá, a compartir su trabajo en una exhibición playera/selvática/comunitaria y varios días de actividades a través de la isla. Esta es una bienal de sus tiempos: desplegable y versátil, adaptable, sin presupuesto y sin cargos por envío.
Adriana Lara
Adriana Martínez
Andrés Pereira Paz
Caribbean Backbone Research Institute
Daniel Steegmann Mangrané
Eduardo Navarro
Engel Leonardo
Gala Berger
Jessica Kairé
Jorge González
Marcelo Cidade
Opavivará
Vivian Suter

Sección de Autogestión:
En un espíritu de apertura, colaboración, improvisación y auto-gestión, los curadores de la 2da Gran Bienal Tropical invitan a todo aquel artista/colectivo que desee participar a traer sus propias obras e instalarlas personalmente en el Km 13 de la Carretera 187 en las playas de Piñones, Loíza el sábado 10 de diciembre a partir de las 10am.

 

Bienal Tropical
10 NOV 2016 - Sally Gutierrez
MULTIVERSO
Multiverso, Exposición Ayudas Audiovisual BBVA 
 Exposición de los proyectos realizados con la Ayudas al Audiovisual de la Fundación BBVA.
Con la ayuda de esta beca he realizado su película  Sally Gutierrez - Ta Acorda Ba Tu EL Filipinas?,


http://cultura.elpais.com/cultura/2016/10/06/actualidad/1475773405_254784.html?id_externo_rsoc=FB_CC
MULTIVERSO
6 NOV 2016 - Nacho Criado
Arte sonoro en España
La obra de Nacho Criado participa en la exposición de la Fundación Juan March:
  • Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016

La exposición Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016, que cuenta con José Iges y José Luis Maire como comisarios invitados y con la colaboración de muchos otros artistas y expertos, pretende mostrar los orígenes, la diversidad de trayectorias y la vitalidad del arte sonoro realizado en nuestro país desde 1961 hasta nuestros días. Mediante la amplitud y variedad de las más de 400 obras escogidas y un extenso material documental, la exposición quiere hacer visible (y sobre todo audible) el sonido organizado con criterios artísticos en nuestro país, incluso en unos tiempos (las décadas de los 60 y los 70) en los que el propio término "arte sonoro" no había sido aún enunciado como tal.


Fechas: 14 Octubre 2016 - 15 Enero 2017
Arte sonoro en España
4 OCT 2016 - Daniel Boccato
Escultura Pública de Daniel Boccato y Loup Sarion
LOUP SARION + DANIEL BOCCATO LE GÉANT DE LA DIGUE october 1, 2016 noon > 4pm place de la digue charleroi, belgium
Asphalte Charleroi

High on Place de la Digue stands the elegant outline of a figure. Sometimes it appears to be sleeping. At others, it is dancing. This sculpture, neither man nor woman, neither adult nor child, has been inspired by giants. Just as we dress up folkloric characters to suit the season, this figure transforms as the year progresses. At once a public bench, an esplanade and a family-sized picnic table, the giant is a meeting point, but it is also a collection of climbable shapes of different heights. As a deconstructed puppet, each part of the Géant de la Digue’s body is interchangeable: the hand can easily become a crown, or the leg a sword.

Asphalte Charleroi
Escultura Pública de Daniel Boccato y Loup Sarion
19 JUL 2016 - Miquel Mont
Fede Montornes .Blog
En una línea que, también para Navarro, “arrancaría a mediados de la década de los 70 con la obra de Blinky Palermo, Richard Tuttle, Robert Ryman e Imi Knoebel y que llegaría hasta la actualidad con la de Juan Uslé o Ignasi Aballí, la obra de Miquel Mont -y su manera de retener la mirada- vendría a confirmar que, si se quiere, se pueden ofrecer distintas maneras de contemplar y entender los relatos pictóricos de los que se nutren”. Se trataría pues de una línea argumental tan ajena al confort, las concesiones, el sosiego y la facilidad como cercana a la necesidad de cuestionar permanentemente ese aspecto de la pintura encargado de dotar de volumen y vida lo que la gran mayoría condena a una superficie.
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Después de lo que acabo de escribir y que, como han visto, procede mayormente de tres fuentes distintas en torno a la obra de Miquel Mont -dos de críticos de arte y una tercera del propio artista- sólo me resta decir lo que, a mí personalmente, me pareció la exposición. Y lo voy a definir en una sola palabra: extraordinaria




https://fedemontornes.wordpress.com/2016/07/16/miquel-mont-la-economia-dicta-todo-galeria-formato-comodo-madrid/


Fede Montornes .Blog
10 JUL 2016 - Miquel Mont
Non figuratif — un regain d’intérêt ?
10 julio -12 octubre

Exposición colectiva comisariada por Caroline Bissière & Jean-Paul Blanchet
con los artistas : Miquel Mont. Farah Atassi, Francis Baudevin, Vincent Beaurin,
Lisa Beck, Trudy Benson, Martin Bissière, Jessica Stockholder, Soizic Stokvis,
Blair Thurman, Delphine Trouche, Janaina Tschäpe, Emmanuelle Villard, Sophie Whettnall, Wallace Whitney,
Peter Zimmermann .

www.cacmeymac.fr





Non  figuratif   — un regain  d’intérêt ?
5 JUL 2016 - Nacho Criado
REELER LA COLECCIÓN CGAC, COMISARIO Santiago Olmo

8 de julio al 2 de octubre 2016.

 

 

En torno a los problemas epistemológicos y visuales que propone Elegía de un viaje de Sokurov y a partir de otras obras emblemáticas de la Colección CGAC —Mona Hatoum, Liam Gillick, José Pedro Croft o Nacho Criado—, se plantean contextos de acompañamiento y diálogo con obras de otras colecciones públicas e privadas asociadas o vinculadas de alguna manera con el CGAC.

 

-        See more at: http://cgac.xunta.gal/ES/exposicion-detalle/64/reler_a_coleccionGAL#ad-image-0

-        http://cgac.xunta.gal/ES/exposicion-detalle/64/reler_a_coleccionGAL#ad-image-0

 REELER LA COLECCIÓN  CGAC, COMISARIO  Santiago Olmo
31 MAY 2016 - Miquel Mont
PERFORMANCE - TRAZAS DISTANCIADAS -

FORMATOCOMODO , presenta el performance TRAZAS DISTANCIADAS de Miquel Mont ,

 Martes 31 de Mayo a las 21 hrs


TRAZAS DISTANCIADAS

«Trazas Distanciadas» es una reflexiòn en torno a una serie de imàgenes proyectadas que adopta la forma de una conferencia performativa.
Se desarrolla segùn un modelo de libre asociaciòn de imàgenes y de ideas, oponiéndose asi a las construcciones analìticas de los discursos dominantes y a sus modelos retòricos. Privilegiando lo sensible, lo subjetivo, propio a la percepciòn como modelo y lugar del sujeto del conocimiento, y relacionàndolo con el orden econòmico, social y estético de nuestra época.
De esta manera se invocan distintas obras de Adam McEwen, Karin Sinder, Wade Guyton, etc,... junto con gràficos del PIB mundial, los acuerdos de Bretton Woods, fotografias de anarquistas españoles històricos, obras personales, etc,.. para interrogarse, entre otras cosas, sobre la nociòn de traza y de gesto.
Cuestionàndose también sobre la presencia y el estatuto de lo manual tal y como convive hoy dia sometido al régimen de lo visible, subordinado a ese mercado de visibilidades que caracteriza nuestra economia contemporànea de la imagen.
La traza es en principio un resultado del gesto y en el arte ambos poseen una singular relaciòn con el proceso de creaciòn del valor de una obra. Sin olvidar que en nuestra época, caracterizada por una desmaterializaciòn a ultranza de los soportes tradicionales de las imàgenes, tal hecho confiere significaciones un tanto diferentes que modifican y amplian nuestras nociones de presencia, representaciòn o expresiòn.
PERFORMANCE - TRAZAS DISTANCIADAS -
21 MAY 2016 - Nacho Criado
Exposición . Arte sonoro en España (1961-2016).Museo Fundación Juan March

Museu Fundación Juan March, Palma
Sant Miquel, 11.
07002 Palma de Mallorca

Los espacios de la exposición: Palma, Cuenca, Madrid


La exposición Arte sonoro en España (1961-2016) pretende mostrar los orígenes, la diversidad de trayectorias y la vitalidad del arte sonoro realizado en nuestro país desde 1961 hasta nuestros días. Mediante la amplitud y variedad de las obras escogidas y un extenso material documental, la exposición quiere hacer visible (y sobre todo audible) el sonido organizado con criterios artísticos en nuestro país, incluso en unos tiempos (las décadas de los 60 y los 70) en los que el propio término "arte sonoro" no había sido aún enunciado como tal.


Por supuesto, más allá de los límites de la colección de la Fundación Juan March, la muestra atenderá a la especial relevancia de artistas como el grupo ZAJ, Isidoro Valcárcel Medina o LUGAN, pioneros que con trabajos experimentales y transversales han sido verdaderos precursores del arte sonoro, e incluirá, junto a los ya mencionados, obras de Walter Marchetti, Juan Muñoz, Francisco López, José Antonio Orts, Eduardo Polonio, Esther Ferrer, Juan Hidalgo, Wolf Vostell Javier Aguirre, Nacho Criado, Francesc Abad, Eugènia Balcells y Eugeni Bonet, entre otros.


http://www.march.es/arte/palma/exposiciones/arte-sonoro/espacios.aspx?l=1



 Exposición . Arte sonoro en España (1961-2016).Museo Fundación Juan March
6 MAY 2016 - Daniel Boccato
the New-york Times .ART REVIEW
KEN JOHNSON.
Daniel Boccato´s ´Blogface´at formatocomodo

NADA Art Fair Offers the Wacky and the Political, Plus Basketball, The New York Times


 the New-york Times .ART REVIEW
3 MAR 2016 - Nacho Criado
ARCO 2016
http://www.elcultural.com/galerias_img/galeria_de_imagenes/755/ARTE/Recomendaciones_para_ARCO_2016


Obra de Nacho Criado. Galería Formato Cómodo. Stand 9C02. Recomienda: Elena Vozmediano
Son las cruces en nuestro particular mapa de ARCO 2016. Para no perdernos entre la gran variedad de obra que muestran las 221 galerías que participan en esta edición, nuestros críticos Elena Vozmediano, Rocío de la Villa, Mariano Navarro, Bea Esejo, David G. Torres y Sema D'Acosta seleccionan sus recomendaciones. Son veinte piezas que nos ayudan a pasearnos con más seguridad por los pasillos de los pabellones 7 y 9 de Ifema.

www.elcultural.com/galerias_img/galeria_de_imagenes/755/ARTE/Recomendaciones_para_ARCO_2016
ARCO 2016
3 FEB 2016 - Miquel Mont
Art sequana: Dé-Faire LA PEINTURE
 Miquel mont  participa en la exposiciòn colectiva en Le havre, "Dé-faire la peinture" junto con un coloquio

www.lehavre.fr/node/39934




Art sequana: Dé-Faire LA PEINTURE
9 OCT 2015 - Samuil Stoyanov
Focus Bulgaria at viennacontemporary 2015 by Open Arts Foundation and Sariev Contemporary
Focus Bulgaria at viennacontemporary 2015 is the first overview of Bulgarian contemporary art at an international art fair. It consists of a thematic exhibition (curated by Iara Boubnova and Vessela Nozharova), of panel discussions and informal talks (curated by Dessislava Dimova), of historical comments on the context in the country, of quotations and explanations as well as of a publication (conceived by Boris Kostadinov).


Samuil Stoyanov's work at Focus Bulgaria is:


20 Billion Stars, 2012 Action, ceramic stars, photographs, plexiglas The present work "20 Billion Stars" is part of a series of similar boxes and uses as material photo-documentation and artefacts of action (of the same name) held by the artist for 30 days in the summer of 2011.
During the renovation of the central square of his home-town (Dobrich, Bulgaria) Samuil Stoyanov goes regularly to the work-site and casts ceramic stars from red clay in the still wet concrete. Inlaid and built up stars creates a new map of a universe, which, unfortunately, will probably remain undiscovered forever. The square named "Svoboda" (Freedom) has a total area of about 150,000 square meters, which are overlapped entirely. The funding of the reparation of "Freedom" Square is OPRD of the European Union and the action of the artist is made within the project "Art of Urban Intervention", which is supported by the Culture Programme of the European Union.

Focus Bulgaria at viennacontemporary 2015
Focus Bulgaria at viennacontemporary 2015      by Open Arts Foundation and Sariev Contemporary
26 JUN 2015 - Ana Roldán
Intervención de Ana roldán en espacio público
Ana Roldan / Vlatka Horvat in:
AAA Art: Albisrieden Altstetten
Art in Public Space Zürich, www.stadt-zuerich.ch/aaa

AAA: Art Altstetten Albisrieden
Public space of Zurich Altstetten and Zurich Albisrieden AAA: Art Altstetten Albisrieden


will feature nearly 30 artists challenging theirselves with the questions of city development, neighbourhood history, aesthetic in public places and other themes rooted in the urban context. The artworks will be grouped in several geographical clusters that are Vulkanplatz/Lindenplatz, Flurstrasse/Zollfreilager, the heart of the Albisrieden village and the Eichbühl cemetery. Several satellite projects are also planned in the Zürich-West area. Curators: Christoph Doswald, Bettina Burkhardt (project direction) Special events: Jun 12, 5pm - 9pm, opening
  • Open: Saturday, 13 June 2015
  • Close: Sunday, 13 September 2015
  • Address: Public space of Zurich Altstetten and Zurich Albisrieden
  • Web: https://www.stadt-zuerich.ch/aaa
  • Admission: Free
  • Transport: Vulkanplatz, Bahnhof Altstetten
Intervención de Ana roldán en espacio público
Como Tizón Quemado, CGAC, Centro Galego de arte contempóranea
Comisario/a: Alberto Carton Artista: Christian García Bello 6 marzo - 14 junio 2015

Como tizón quemado
es una agilización del proceso creativo de Christian García Bello (A Coruña, 1986) hacia la rotundidad contenida del gesto, y hacia la severidad a ultranza de un carácter en evasión concreta y ciertamente radical. Esta evasión es fidelidad hacia uno mismo, hallazgo de lo temporal que tiende y se estratifica hacia lo superior; y es atributo de la individualidad trascendente que, además de la integridad que se le exige, es también producto de la inflexión de la reflexión y su conversión en objet la materialidad tridimensional, no equívoca y, menos aun, derivativa y desinencial, en la cual refugiarse, hallarse,  y refundarse. La complexión no banal de la instalación site-specific establece una unidad lógica con el espacio (vacío, luz y ciertas perspectivas aparentes) que particulariza el medio envolvente, y lo torsiona en una sucesión de tensiones verticales y horizontales reivindicativas de una geometría pura y razonada. Y la utilización de la madera, del grafito, de la cuerda, texturiza esa armazón primaria, insistente y focal, afirmación de lo inviolable del hombre y de su unicidad sustantiva.



http://cgac.xunta.es/ES/exposicion-detalle/55/christian_garcia_belloGAL#ad-image-0
Como Tizón Quemado, CGAC, Centro Galego de arte contempóranea