Exposición individual de Rodriguez-Mendez CA2M
Comisario Angel Calvo Ulloa .
Inauguración 1 marzo -12 octubre 2025
El trabajo de Rodríguez-Méndez (As Neves, Pontevedra, 1968) nace del lenguaje de la escultura, desde el que ha evolucionado en direcciones que lo vinculan con la materialidad, la semántica, la temporalidad o la fisicidad, configurando un cuerpo de obra escurridizo, difícilmente clasificable y altamente sugerente que ha ido desmaterializándose a lo largo de casi treinta años, y hasta un punto en que la ausencia, la oquedad o lo omitido hallan aquí estructura para reivindicarse, erigirse y sostenerse.
Humores y Espesores es un proyecto expositivo que ocupará la planta primera y el atrio del Museo CA2M de Móstoles desde el 1 de marzo de 2025. Una propuesta que se despliega mediante una doble vía que, por una parte, presenta un recorrido sucinto por su producción artística, recuperando diferentes trabajos que han marcado de algún modo su hacer desde comienzos de los 2000. A su vez, conviviendo con este recorrido, se presenta un conjunto de nuevas obras que, vertebradas desde una personalísima visión del lenguaje escultórico, se despliegan por medio de instalaciones espacialmente específicas, piezas de nueva producción, acciones performativas y series que se suman a algunas de las ya realizadas en los últimos años.
Entre las instalaciones readaptadas a los espacios del Museo CA2M, se incluyen Aceite. Peso (2013), presentada en 2014 dentro de la muestra Itinerarios XX de la Fundación Botín (Santander), y que supuso la resolución de un proceso de trabajo con aceite vegetal que se había iniciado un par de años antes, con las exposiciones Agua caliente, realizada de manera específica para el S.M.A.K. (Gante, 2011), y posteriormente con la instalación Congelar aceite, incluida en el programa Presencia activa, MARCO (Vigo, 2012) y LABoral (Gijón, 2013). Otro de los trabajos que revisará Humores y Espesores será Hombres sentados, una doble proyección presentada en 2011 dentro del desaparecido programa Abierto X Obras de Matadero (Madrid), en la que se otorgaba proporciones monumentales a un proceso de trabajo con hombres de avanzada edad que había surgido un tiempo antes en el ámbito familiar, y posteriormente a través de trabajos específicos como Horizontal en mujeres, presentada en Antes que todo, CA2M (Madrid, 2010), Posición.Permear III, mostrada en Aprender a caer, La Casa Encendida (Madrid, 2014) o La memoria, la fruta, realizada para Bajo la superficie (miedos, monstruos, sombras), en el CCC Conde Duque (Madrid, 2020). Cabe destacar también la reactivación de Batir saliva, una acción realizada durante la apertura de la exposición Agua caliente que el artista realizó en 2011 en el S.M.A.K. de Gante (Bélgica). La acción performativa es uno de los campos que Rodríguez-Méndez ha investigado desde los comienzos de su carrera artística. La presencia de su cuerpo o la de otros, elegidos a menudo en base a características físicas que los diferencian del suyo, marcan este tipo de acciones en las que el implicado desarrolla una acción mecánica, disociándose del evento en que tienen lugar.
Humores y Espesores surge del deseo de establecer un desdoble que diferencie dos maneras de aproximarse a la creación artística. Por una parte, humor alude al conjunto de fluidos de un organismo vivo, pero también a la buena disposición para hacer algo, identificándose ahora con un conjunto de trabajos planteados desde la seriación, a menudo fotográfica pero también abordadas desde el dibujo, de acciones consumadas y de otras irrealizables, que pertenecen más al terreno de lo deseable, y que operan como alusiones de lo ya realizado. A su vez, espesor invoca cualidades como la densidad o condensación de sustancias de diferente condición, así como al grosor de los cuerpos sólidos. Espesores surge aquí asociado a la naturaleza física de la materia escultórica e instalativa que vertebra igualmente el trabajo de Rodríguez-Méndez.
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https://www.artforum.com/events/max-andrews-karlos-martinez-formatocomodo-2024-1234722125/
Comprising just four works, Karlos Martínez Bordoy’s exhibition “Folded Forms” was in part a droll reaction to the dimensions of FormatoComodo, among the smallest of Madrid’s commercial galleries. The exhibition’s hardworking conceit hinged on the so-called Murphy bed. This space-saving invention, patented more than a century ago in the US and lately revived as a tiny-home hack, lets a mattress and bed frame fold vertically against a wall or into a cupboard, freeing up floor space.
Bed Base #2 (all works 2024) is a tall standing structure of metal bars affixed to the wall, flanked on each side by columns of wooden bed slats that spill onto the floor. Two octagonal coffin-like forms made from narrower bars were bolted between the uprights, held open by steel tensing cables like a pair of scissors. Delicately stitched textile panels, secured in place as if on a loom by straps and metal springs, span these intersecting frames. Bed Base #1 incorporates a central spine of similar sanded wooden slats and three body-proportioned iron frames, staggered like a sequential diagram demonstrating a whole range of such fold-out berth contraptions. (Indeed, the series includes more works than were included in this presentation.)Martínez’s exacting choice of hardware and soft materials offered a correspondingly precise set of allusions. For example, the coarse fabric bands that braced the textile panels were of such a specific blue-gray tone and texture that they immediately brought to mind the straps of some vintage navy-issue duffel bag, while the gently curved birchwood bed slats suggested sober IKEA furniture. The coded sculptural imaginary was somehow part midcentury flophouse, part contemporary tourist-rental micro apartment—both symptoms of an economic squeeze and versions of vaguely seedy urban malaise. The motif of the Murphy bed already brought its own ready-made cultural freight through how it has been played for a laugh in silent film and early Popeye cartoons. Yet in Martínez’s hands, the disappearing-bed concept offered itself as a playfully fickle take on classical sculpture’s long-standing predilection for verticality and figuration over salacious postwar horizontality and materiality. Poised like mechanical switches between the upstanding pragmatism of making do in close quarters and the sensuality one might enjoy lying down in the same, the eroticism in these hybrid sculptures was latent but not overt. Torn Curtain #1 made it more explicit. A muted combination of wool cloth, lightweight suiting canvas, and hanging straps (the same blue-gray textiles as in the companion works) was stitched to two stiff flanges and suspended by clamps and springs from a wall-mounted telescopic arm. Resembling a cantilevered hanger for a couture fetish apron or a prototype for a customized sex sling, it also suggested a deviant form of painting where a stretcher might be more like a frame for supporting a body. Blind alluded to painting in a different way: through the sensuous possibilities of its tailored juxtaposition of refined fabrics and rigid metal strips. It hung flat against the wall like a ribbed rolling shutter partially blocking an imagined window. The stitched textiles’ closely spaced parallel lines evoked the subtle grids of Agnes Martin, but Blind represented something even more discreet: an indistinct threshold of disclosure, concealment, and gendered materiality. Belying its sleazy reputation, the Murphy bed was originally designed to circumvent courting customs that would not allow a lady to enter a gentleman’s bedroom. Martínez’s “Folded Forms” opened out its metaphor into a meticulous consideration of how we negotiate personal space and concealed desire.
Se dice que los peces del Adaja, río afluente del Duero que pasa por Arévalo, son incorruptibles debido a un milagro de Santa Teresa de Jesús. Este relato, muy arraigado en el folclore de la zona, sirve de inspiración para comprender el simbolismo y la importancia del agua en diferentes contextos culturales.
La exposición invita a reflexionar sobre la interconexión entre el agua y la vida, así como sobre los retos contemporáneos que enfrentamos en relación con la gestión sostenible de nuestros recursos hídricos. A través de instalaciones, fotografías, vídeos y documentos históricos, La lluvia no viene del cielo ofrece una mirada diversa sobre el papel crucial que desempeña el agua en nuestras vidas y en el mundo que habitamos.
Artistas: Patricia Allende, Francesco Arena, Yto Barrada, Katinka Bock, Jonathas de Andrade, Vicente de Mello, Julio Galán, Asunción Molinos Gordo, Hans Haacke, Juan Jesús Villaverde, Irene Kopelman, Olivier Leroi, Ulises Mazzucca, Jota Mombaça, Citra Sasmitra, Ana Roldán, Pamela Rosenkranz, Inês Zenha, Tarek Atoui, Ayla Tavares, Laure Prouvost, Agnes Questionmark, Sergei Tcherepnin, Trans>Editions.
The skin of reality: The house of flesh and the second skin of truth
In the heart of Bilbao, the Okela Kultur Elkartea space stands as an apex where the perception of existence becomes labyrinthine. “FRONTS” is a swarm of geometric canvases that metamorphose architecture into a skin that beats, breathes, and pulsates with a vitality that transcends its own mortality. In this context, architecture transforms into a gigantic wall that constantly collapses and reconfigures itself, as if the very skin of reality was trying to escape its finite condition.
The exhibition evokes the classic tale “The Fall of the House of Usher” by Edgar Allan Poe. Here, the twisted and distorted tarpaulin reveals the fissures and cracks between appearance and reality, between the visible and the invisible, where a wall partition slowly crumbles, devoured by an invisible force, in which boundaries are permeable and getting more and more blurred.
In this labyrinth of memory, the visitor is taken on a pilgrimage through the space that was once a butcher shop and now holds the remnants of time’s passage. The work is a wall that becomes a metaphorical network of dry leaves that crackle and unfold like a blanket, enveloping him/her in a sensory experience. Each piece of the sculptural ensemble is a precarious balance between two opposite extremes. A defence that turns into a growing carpet upwards and downwards, forming a miniature space within the same space.
In this sense, the canvas takes on natural forms: curls, extensions, and withered lines to lead us to the boundary between the outer and the inner world. A wall that has turned into a bottomless moat that aims to swallow the visitor, absorb him/her in its depth. The exhibition invites to explore the border between the concrete and the abstract, where the pieces are nothing but an extension of the human body itself: our skin beyond ourselves.
-K-
Karlos Martinez B. (Bilbao, 1982) lives and works between the Basque Country and Madrid. His speciality is sculptural production with objects in different plastic and visual media. Some of his exhibitions include: “Dark Matters” at La Taller Gallery, Bilbao (2024); “Gaps & Corners” at Nadie Nunca Nada No, Madrid (2023); “Black Patterns” at Carreras Múgica, Bilbao (2021), and “Egin Berri” at the Guggenheim Museum, Bilbao (2017).
His work has been incorporated into the Collection of the Reina Sofía Museum in Madrid, la Colección Compartida (Shared Collection) of the Museum of Contemporary Art of the Basque Country-Artium Museoa, the Museum of Fine Arts in Bilbao and Tabakalera in Donostia-San Sebastián.
Martínez works sculpture from drawing and from two dimensions, a process in which the volume comes to life from the plane. Currently, his work focuses on exploring one’s desire, capturing it, and questioning the possibility of doing so, with the suspicion that actually, binding desires rather means submitting to them.
Más allá del Oeste con las artistas Manauara Clandestina (Belém Pará, 1992) y Ventura Profana (Catu, BA, 1993), bajo la curaduría de Aldones Nino (Sao Paulo, 1990).
What to See During This Year’s ARCOmadrid
From a sprawling exhibition dedicated to the influence of Indigenous art of the Americas to Stephanie Comilang’s first solo show in Spain
Marta de Gonzalo and Publio Pérez Prieto, El Sueño (The Dream), 2023, engraving and acrylic inks on laminated board, 180 × 80 cm. Courtesy the artists and Galería Formato Cómodo
Artists and secondary-school teachers Marta de Gonzalo and Publio Pérez Prieto have a long history of developing critical curricula and running experimental, inclusive education projects with art centres, notably as part of the Las Lindes working group, which launched in 2009 at the Museo Centro de Arte Dos de Mayo. This exhibition, however, is born from the frustration that the duo’s aspirations for young people have largely been hampered within the state-school system. A series of panels made from gouged and painted desks depict scenes derived from several ‘disobedient’ classroom performances realized with their students. The accompanying video Una Mañana (One Morning, 2024) wryly pictures the artists’ hope for an emancipated educational space as a school desk and chair set up in different outdoor locations, such as a beach or a field. Shot in six 50-minute sequences, its structure mirrors the timetable of a school day in Spain.
FELIPE ARTURO GUILLERMO LLEDÓ MARTA DE GONZALO Y PUBLIO PÉREZ PRIETO
NACHO CRIADO RODRÍGUEZ-MÉNDEZ ROSARIO TRILLO
TANIA BLANCO VICTORIA GIL ARCO MADRID 2024 STAND 9A07
También presentes en el programa comisariado La orilla, la marea, la corriente: un Caribe oceánico
Victoria Gil forma parte de un grupo esencial en la historia del arte español, que surgió durante
la transición y está compuesto por artistas sevillanos o afincados en Sevilla. Entre estos
innovadores y radicales se encuentran Fede Guzmán, Pedro G. Romero, Chema Cobo,
Agredano y Loncho Gil.
En la Europa renacentista, tener tapices era un signo de distinción social, económica y cultural
que tan solo la realeza, la nobleza y el clero se podían permitir. Los tapices se realizaban por
encargar en los talleres de Flandes o Amberes, tenían precios elevados y solían representar
temas bucólicos, cinegéticos, rurales y populares. Victoria Gil hace uso del humor y de la
metáfora de nuevo, y tanto la bucólica escena de recogida de flores, como la imagen de los
campesinos dando gracias por su comida y cosecha, se ven interrumpidas por la aparición de
unos negros pajarracos que acosan y agreden a las protagonistas de ambas escenas.
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Victoria Gil is part of an essential group in the history of Spanish art, which emerged during the
transition period and is composed of artists from Seville or based in Seville. Among these
innovators and radicals are Fede Guzmán, Pedro G. Romero, Chema Cobo, Agredano, and
Loncho Gil.
In Renaissance Europe, owning tapestries was a sign of social, economic, and cultural
distinction that only royalty, nobility, and the clergy could afford. Tapestries were
commissioned from workshops in Flanders or Antwerp, had high prices, and usually depicted
bucolic, hunting, rural, and popular themes. Victoria Gil uses humor and metaphor again, and
both the bucolic scene of flower picking and the image of peasants giving thanks for their food
and harvest are interrupted by the appearance of black birds that harass and assault the
protagonists of both scenes.
Miquel Mont expone en el centro guerrero ..........Otras dos series se acercan a la abstracción desde posiciones distintas: la primera, titulada Cooperaciones, pone en relación gestos, acciones y materiales asociados con nuestra experiencia y la estética del bricolage. Lo «bien» y lo «mal» hecho cuestionan veladamente nuestras categorías del gusto y de la subjetividad, auténticos valores democráticamente compartidos. Lo que coopera son las distintas partes y elementos: los que componen el cuadro, los materiales que lo constituyen, la lógica interna del ensamblaje, los distintos gestos pictóricos que se inscriben en el conjunto. Pero existe también cooperación entre el contexto en el que se encuentran dichos elementos y la mirada del espectador, en un proceso complejo que no termina nunca porque está en continuo cambio, lo que implica un movimiento tanto físico como mental. Las piezas están expuestas con un dispositivo mural de cartones pintados con esmalte brillante. Los cartones crean secuencias y ritmos en el espacio interaccionando con las composiciones, gestos y materiales que componen las Cooperaciones.
https://centroguerrero.es/expos/miquel-mont/
Roberto Aguirrezabala, Fernando Baena, Jorge Barbi, Ana Condado, Marcelo Expósito,Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto, Nuria Güell, Rogelio López Cuenca, Gregorio Méndez, Ana Navarrete, Lola Pérez, Espe Pons.
En el trabajo que nuestros artistas presentan,Más muertas vivas que nunca(2002), una joven mujer muerta nos habla al oído. Tras participar en las colectivizaciones de tierras en Extremadura y Andalucía, fue una de las 4.000 personas fusiladas en la Plaza de Toros de Badajoz a partir del 14 de agosto de 1936, día de la toma de la ciudad por las tropas franquistas durante la Guerra Civil. Ella habla desde la muerte, en espera de lo que los vivos pueden hacer de sus sociedades.
Presentación del libro "Berta Cáccamo. Horas Felices"
Evento a cargo de Juan de Nieves en la Galería Formatocomodo
El libro publicado por el Patio Herreriano Museo de Arte Contemporáneo Español.
Textos de Juan de Nieves y Patricia Dauder.
Diseño Tipos móviles. Coordinación editorial - Juan de Nieves.
Dégustation UNLID / Single channel video / HDV, colour, sound, 16:9 / 18min. 18sec
Dégustation UNLID / Video Monocanal / HDV, color, sonido 16:9 / 18 min. 18 seg. / Paris, 2017
Dégustation UNLID recrea un vídeo ficticio de una YOUTUBER que prueba una serie de productos envasados cargados de contenido contrainformativo, destapando así secretos de la industria alimentaria y las políticas globales que la regulan. Los productos son en realidad escultura-pinturas que reflexionan sobre el origen e impacto que producen los alimentos procesados de las principales cadenas de supermercados. UNLID (destapar) se articula a partir de la recreación, apropiación y reinterpretación de los embalajes de los alimentos envasados procedentes del monopolio corporativo.
Forecast Form: Art in the Caribbean Diaspora, 1990s–Today
Nov 19, 2022 - Apr 23, 2023
The 1990s were a period of profound social, political, and economic transformation. From the dissolution of the Eastern Bloc to the rise of transnational trade agreements, the decade’s large-scale shifts ushered in an era of international connectivity and social upheaval. In the cultural sector, art exhibitions expanded and turned global, and dialogues around identity, especially by those who have suffered systemic oppression, were featured front and center in cultural debates. The forces of this pivotal decade also had a major effect on the production, circulation, and presentation of art from the Caribbean.The exhibition is curated byCarla Acevedo-Yates, Marilyn and Larry Fields Curator, withIris Colburn, Curatorial Assistant,Isabel Casso, former Susman Curatorial Fellow, andNolan Jimbo, Susman Curatorial Fellow.
Artists
- Adán Vallecillo Alia Farid Álvaro Barrios Ana Mendieta Candida Alvarez Christopher Cozier Cosmo Whyte David Medalla Deborah Jack Denzil Forrester
- Donald Rodney Donna Conlon and Jonathan Harker Ebony G. Patterson
- Engel Leonardo .y mas
Centro Galego de Arte Contemporánea (Santiago de Compostela)
11/11/2022 - 21/04/2023+
Comisariado Alberto Carton, Santiago Olmo
Artistas participantes
ARTFORUM
Berta Cáccamo
MUSEO PATIO HERRERIANO DE VALLADOLID
January 29–May 15, 2022
Translated from Spanish by Michele Faguet.
—Joaquín Jesús Sánchez
https://www.artforum.com/picks/berta-caccamo-88399
Un barco ebrio eclecticismo, institucionalidad y desobediencia en los ochenta
Edificio Nouvel, Planta 0
En la década de los ochenta, varias exposiciones conformaron las sensibilidades del momento. Rudi Fuchs, comisario de la Documenta de Kassel de 1982, contempló la posibilidad de titular dicha muestra El barco ebrio. Este poema de Arthur Rimbaud aludiría a la deriva de un arte que navega sin un rumbo fijo, al margen de las «guerras de estilo». Esta ausencia de hegemonías terminó por traducirse en un eclecticismo de las formas que definieron las prácticas artísticas de aquellos años. Una parte de la historiografía lo interpretó como un giro hacia valores conservadores, donde la ausencia de la historia y de la crítica, así como la recuperación del individualismo artístico, se correspondían con una realidad social y política dominada por la era Reagan-Thatcher.En España, la joven democracia impulsaba una institucionalización del arte que reemplazase las luchas sociales contra el franquismo. En este contexto, la creación de la feria ARCO o del Centro de Arte Reina Sofía se acompañó de una intensa política de exposiciones nacionales e internacionales, con el retorno a la pintura como lengua franca. Frente a este aparente conservadurismo, surgen una serie de prácticas de desobediencia que expresan su descontento con las instituciones y se enfrentan a crisis como la pandemia del sida. Un arte que apostará por actitudes postpunk, nuevas versiones del feminismo y de la subversión de los cuerpos.https://www.museoreinasofia.es/coleccion/episodio-6
Fernando Sánchez Castillo, Ex Positio. Albarrán Bourdais
Gonçalo Sena, Circular Spaces. Galería Heinrich Ehrhardt
Juan López, Surco. Galería Juan Silió
Julian Rosefeldt, Penumbra. Galería Helga de Alvear
Los Torreznos, Las Palabras y las Cosas. Galería Freijo
Martin Llavaneras, Delta. Intersticio
Mercedes Azpilicueta, Katalina, Antonio, Alonso. NoguerasBlanchard
Miquel Mont, Deseos Borrados Recoloreados. Galería FORMATOCOMODO
Oriol Vilanova, Con los ojos abiertos en la oscuridad. Galería Elba Benítez
La publicación Camiño Negro. Damián Ucieda ya está a la venta en librerias, plataformas digitales y en la página web de la editorial Turner Libros.
To order
Entre los proyectos ganadores de generación 2022 en la Casa Encendida
La Casa Encendida presenta la exposición de los proyectos ganadores de Generación 2022, convocatoria de la Fundación Montemadrid destinada a artistas menores de treinta y cinco años que, como cada año, muestra una selección del panorama del arte contemporáneo más actual.Los ocho artistas que han resultado seleccionados son:
Nora Aurrekoetxea (Bilbao, 1989), Christian García Bello (A Coruña, 1986), Pablo Durango (Madrid, 1988), Esther Gatón (Valladolid, 1988), Abel Jaramillo (Medina de las Torres, Badajoz, 1993), Mónica Mays (Madrid, 1990), Sofía Montenegro (Madrid, 1988) y Sara Santana (Alcobendas, Madrid, 1994).
Este año el jurado ha estado compuesto por Irene Aristizábal, jefa de curaduría y programas públicos en el Baltic Centre for Contemporary Art (Londres); Juan Canela, director artístico de ZsONAMACO en Ciudad de México y curador asociado del Centro de Residencias Artísticas de Matadero; y Keyna Eleison, directora artística del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro.
Christian participa con el proyecto
Esgrafiado
Serigrafía con tintas de minio de plomo y corteza de pino sobre papel de algodón teñido con corteza de roble 90 x 63 cm
https://www.lacasaencendida.es/exposiciones/generacion- 2022-13300
AMARA ABDAL FIGUEROA PUERTO RICO
CAROLINA CAYCEDO COLOMBIA
CRISTINA TUFIÑO PUERTO RICO
DANIEL LIND RAMOS PUERTO RICO
EL DEPARTAMENTO DE LA COMIDA PUERTO RICO
PILAR JUNCOSA & SOTHEBY’S AWARDS AND GRANTS 2020.
Grant for accommodation and participation at the Slade School of Fine Art, University College, London
https://miromallorca.com/en/pilar-juncosa-sothebys-awards-and-grants-2021-open-call/
Exposición colectiva : „Ehrenfeld“
24 de abril - 29 de mayo de 2021
Daniel Boccato, Jonathan Binet, Samuel Francois, Max Frintrop, Manor Grunewald, Agata Ingarden, Jens Kothe, Colin Penno, Johanna von Monkiewitsch, Evan Robarts, Loup Sarion
La heredad.
Papel 50x70cm. Grafito y tintura dorada. La Habana, Cuba 2018 (en proceso).
Simultáneamente un grupo de niños y niñas menores de 6 años dibuja sobre papel una escalera, tomando
como modelo una escalera de mano real situada en el mismo espacio donde sucede la acción.
Una vez finalizados todos los dibujos el artista interviene sobre las horizontales de esos dibujos con líquido
dorado.
Esta obra está en proceso desde enero del 2018, fecha en la que se inició en la ciudad de La Habana con una se- rie de 6 piezas. Actualmente se ha repetido esta acción en el CCCC - Centre del Carme Cultura Contemporània, Valencia. y proximamente en Las Cigarreras de Alicante.
Protocolo:
- Un grupo de niños y niñas no mayores de 6 años.
- En la sala se colocará una escalera de mano apoyada en la pared y que sea visible para todos los niños.
- Después de la explicación sobre en que consiste la actividad, se le entregará un lápiz a cada niño.
- Dibujarán sobre el suelo descalzos.
- La orientación de la escalera en el papel puede ser tanto en la vertical como la horizontal del papel.
- El que lo desee podrá repetir el dibujo tantas veces como quiera.
- Esta acción se repetirá si fuese necesario o posible con diferentes grupos de niños y niñas.
Fundación DIDAC
19 septiembre / 27 noviembre
Comisariado: David Barro
Pongo mi pie desnudo en el umbral es un proyecto expositivo con tres capas: un relato escrito para la ocasión, el propio dispositivo plástico de la exposición y una colaboración con María Roja a través de una performance específica.
El título —un verso robado al poeta José Ángel Valente— nos lleva a pensar en una historia que concluye o se inicia, pero desde luego una historia que avanza caminando, tocando, pisando, como sucede en el relato que vertebra la exposición.
Este relato es la historia de un hallazgo: los diarios de viaje de una mujer llamada Dirse que peregrinó desde Amberes hasta A Guarda en algún momento entre los siglos XVI y XVII y que pasó sus últimos días en el Monte de Santa Trega, mirando la desembocadura del Miño, el umbral que separa Galicia de Portugal.
La exposición se plantea como una colección de miradas fragmentadas y solapadas sobre la historia de Dirse que van puntuando la sala y articulando una narración espacial en torno el paisaje, la espiritualidad, la ritualidad, la arquitectura y las formas vernáculas.
O pronunciamento
Carla Souto / Carme Nogueira / Diego Santomé/ Jorge Varela / Mar Ramón/ Rodríguez-Méndez
Ángel Calvo Ulloa (comisario)
Galeria Vilaseco A Coruña
Dice la filósofa Marie-José Mondzain que el levantamiento de la insurrección es una energía revolucionaria sin la cual el orden no sería más que una dictadura burocrática. En el proyecto expositivo y editorial que Georges Didi-Huberman realizó a partir de la estetización de la insurrección, en el cual se incluye el texto de Mondzain, el francés recupera una escena ya icónica de la historia del cine, perteneciente a la película Cero en conducta de Jean Vigo. En ella, después de una hermosa guerra colectiva de almohadas protagonizada por los alumnos de un internado, y el posterior desfile triunfal a lo largo del dormitorio que todos compartían, cuatro de ellos ascienden al tejado de la escuela y comienzan a lanzar toda suerte de objetos contra bedeles, profesores, familiares y notables reunidos en el patio.
Refiriéndose a la revuelta de Cero en conducta, afirma Didi-Huberman que todo aquí exhibe la marca de la insurrección: gestual, verbal, psíquica y atmosférica, desde los mínimos gestos de la revuelta hasta el “texto de proclamación” -en alusión a la proclama que previo a la insurrección es leída en el dormitorio por uno de los jóvenes- y a la ascensión final de los insurrectos al tejado del colegio, pasando por las sábanas lanzadas al aire y por las almohadas rasgadas.
En la línea de las reflexiones de Mondzain y Didi-Huberman O pronunciamento parte de una noticia aparecida el 13 de diciembre de 1857 en el diario El País Diario de Pontevedra a propósito de los disturbios que habían tenido lugar el día 7 de aquel mismo mes en la Fábrica de Tabacos de A Palloza (A Coruña). Según la crónica, los cambios introducidos en la producción de los cigarros y la llegada de máquinas liadoras habían provocado una fuerte reducción salarial y el despido de muchas trabajadoras. Como consecuencia, el levantamiento de las mujeres se inició aquella mañana en el interior de la fábrica, pasando posteriormente a destruir y tirar la materia prima y la maquinaria al mar. Informadas del suceso, las autoridades competentes se desplazaron hasta el lugar con las fuerzas de infantería y caballería, donde fueron recibidas por las trabajadoras con una lluvia de tejas desde los tejados de la fábrica, hasta que más de una veintena de ellas –más de treinta según otros medios- fueron detenidas y trasladadas hasta la cárcel de O Parrote. Conscientes dichas autoridades de la posibilidad de que la ciudad se levantara en apoyo a las cigarreras, decidieron conducirlas por mar hasta el penal, sin prever que a la llegada iban a ser abordados por un amplio grupo de insurrectas que apedreó nuevamente a los militares.
O pronunciamento toma con amplia libertad este suceso para ponerlo en manos de seis creadores y creadoras gallegas, y analizar en sus respectivos procesos el poso, no de la insurrección como tema, sino de la estetización de los gestos que, como en el caso de la insurrección, ponen su foco en lo que de incorpóreo existe en la agitación de los cuerpos, y en los recuerdos que, por situarse a veces en los márgenes de la historia oficial, o por inscribirse en los múltiples relatos anónimos que configuran una historia oficiosa, no se encuentran insertados en esa crónica asimilada.
Esos hechos que nos acompañan y que se diluyen en forma de recuerdos cuya presencia física suele limitarse a los rastros que deja su vacío, son una de las razones que lleva a MAR RAMÓN a reparar en las esquinas de la casa familiar e identificarlas como históricos espacios de conflicto. Dentro de la estructura de una casa, las esquinas son lugares donde no sucede nada, lugares de mínimo contacto que funcionan como espacio de refugio. Se materializa el hueco con el cuerpo cerámico, luego expuesto, descontextualizado, desnudo y frágil. Así, lo que ella extrae de esa experiencia, aunque efectivamente hable de la materialización de ese no lugar, aporta también informaciones físicas sobre la casa y sobre el acto de acurrucarse.
También desde la adaptación al espacio, CARLA SOUTO aporta un grupo de esculturas de escayola y arcilla que aluden a los volúmenes del cuerpo desde la indefinición de su positivo o negativo, en correspondencia con las formas que se vinculan con lo público –en la medida en que un cuerpo pueda o quiera relacionarse con la idea de lo público- o con lo privado y/o lo íntimo. Junto con estas esculturas encontramos diferentes registros fotográficos en los que se establece una relación del cuerpo con la naturaleza, estableciendo una serie de vínculos no reglados entre la imagen y el volumen escultórico, que actúan en un espacio otro que se activa entre ellas.
Desde el año 2007, mi Madre (sastra de profesión) confecciona, cada mes, un pantalón y una camisa con las dimensiones de mi padre, que envía a mi dirección en Madrid en un paquete que nunca abro. Una acción que uso como pretexto para recibir y acumular mi nombre escrito por ella, sobre un embalaje que contiene una información física y actual de mi padre. Así describió RODRÍGUEZ-MÉNDEZ Región de validez, una pieza que se inscribe en el trabajo que él desarrolla desde los límites de la escultura. Detenido el envío en 2017, Región de validez continúa siendo un enigma, y no únicamente por el gesto de permanecer oculta, sino por el hecho de introducirse en un espacio que despierta intereses adscritos a diversos niveles de la lingüística.
En el nexo existente entre la memoria de los gestos y la del saber hacer, vinculado inevitablemente a la labor de los y las artistas presentes en esta exposición, subyace también un interés por la tradición plástica. En el caso de DIEGO SANTOMÉ, sus xilografías son el resultado no sólo de una aspiración formal, sino de un deseo por abordar su trabajo al ralentí, que le permita revertir la creciente tendencia a apurar los procesos. Las tablas sobre las que se inscriben estas nubes exigen de un largo tiempo de elaboración y, al mismo tiempo, requieren del oficio de una técnica tradicional estampada de un modo rudimentario. Al margen del gesto físico que requiere su elaboración, Santomé alude, cuando habla de estas piezas, a la importancia que la xilografía ha tenido históricamente para los y las artistas que, comprometidas artística y políticamente, buscaron difundir y democratizar su obra. En el caso de Santomé, además, la decisión de grabar nubes nos lleva a reparar inevitablemente en el giño irónico de la pérdida de tiempo.
Aunque el tema de la insurrección es abordado aquí de un modo poco categórico, no se puede obviar la importancia de lo simbólico en la novela que Emilia Pardo Bazán publicó en 1883 bajo el título La Tribuna, y que narra las duras condiciones de vida de esas mujeres, incluyendo de manera destacada los detalles del levantamiento violento de las trabajadoras contra los patrones. CARME NOGUEIRA quiere profundizar en este episodio tomando la imagen modernista de la mujer fumadora que la Compañía Arrendataria de Tabacos estampaba en las cajas de Farias fabricadas en A Palloza. Esa imagen, popularizada tras el diseño que Alphonse Mucha realizara a finales del XIX para una campaña de los cigarros Job, se extendió rápidamente en el ámbito de la publicidad, no así en la vida real, ya que el consumo de tabaco por parte de las mujeres continuó siendo un tabú hasta hace muy poco. Nogueira transforma la imagen en tribuna, lista para ser utilizada en un pronunciamiento, e inscribe en su madera esa silueta en la que el escalón que hace posible el ascenso a ella se corresponde con el rostro y con el humo que exhala esta figura, y que puede recordar tanto al gesto ascensional –a la tribuna o al tejado- cuya finalidad es el pronunciamiento, como al hecho de que el término La Tribuna sea utilizado también por Pardo Bazán para nombrar a la protagonista, conformando con esto un juego abstracto entre el dispositivo, la persona y la colectividad.
En este juego abstracto se inserta también la propuesta de JORGE VARELA, y no sólo desde el relato de Pardo Bazán, sino desde los aspectos formales en que el propio hecho de pronunciarse –quizás en esa acepción que lo contempla como la acción de dar más intensidad a algo- deviene en elemento físico para que esa pronuncia cobre mayor presencia y/o intensidad. Así, partiendo del diseño que El Lissitzky firmara para la tribuna de Lenin, Varela propone una serie de volúmenes geométricos serrados en granito negro, que funcionan como un despliegue de cada una de las partes del proyecto de El Lissitzky. El resultado es el gesto mínimo y preciso que todo monumento aspira a ser, conectando en este caso de un modo hábil con los Proun –proyecto para la afirmación de lo nuevo- que acuñara el ruso, en los que empleaba los elementos básicos del pensamiento arquitectónico –la masa, el peso, el espacio, el ritmo- haciéndolos estéticos y privándolos de la función utilitaria que es propia del proyecto arquitectónico.
El resultado es una exposición apenas dirigida, en la que cada artista se mantiene en su lugar, donde espera a que el tema se acerque, y este se va adaptando a la forma supuesta de cada gesto, esperando a que también el espectador forme parte de esa flexibilidad y se aproxime de tantas formas como individuos la recorran. Termina Marie-José Mondzain diciendo que presentar el problema requiere que el espectador acuda al encuentro con el enigma de su propia visibilidad, que sienta sacudidas sus certezas estructurales, para sumergirse en la multiplicidad de las temporalidades, en la reversibilidad de todas las orientaciones.
Ángel Calvo Ulloa
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M+B is pleased to present Cannibal Valley, an exhibition of new works by Daniel Boccato and Loup Sarion, the artists’ first exhibition with the gallery and in Los Angeles. The exhibition runs from September 14 through November 9, 2019, with an opening reception on Saturday, September 14 from 6 to 8 pm.
Cannibal Valley brings together the sculptural objects of Loup Sarion and Daniel Boccato, united by the artists’ collaborative friendship and interest in abstract figurative forms.
Farol
MAC Niterói
Rio de Janeiro, Brazil
Visita la Web
ESte proyecto ha sido premiado dentgro del IV premio de Cervezas Alhambra
christiangarciabello.es
En “Manoguayabo”, las obras utilizan como punto de partida sus investigaciones sobre el trabajo de Flavio de Carvalho y Lina Bo Bardi, así como la pintura "O lago" de Tarsila do Amaral y la tradicional mata de huevos dominicana. Creando una conversación con el espectador, que se desarrolla a través del uso de estructuras de carácter geométrico y ascendencia modernista, Leonardo busca reinterpretar elementos de la naturaleza del Caribe y el trópico; una reducción de formas, colores y relaciones que dan cuenta de un contexto inmensamente rico pero igualmente complejo.
Galería Diablo Rosso
Panamá
desde el 13 de julio
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RODRIGUEZ-MENDEZ realiza un proyecto editorial y expositivo para CICLÓN , coordinado por David Silva y Misha Bies
Inauguración 31 julio
Santiago de Compostela
El trabajo de Rodríguez-Méndez analiza los principios materiales de la escultura y la experiencia física esencial del hombre en proyectos que combinan acción y escultura para explorar la interacción o el equilibrio de energías entre los dos.
Lo Perfecto. Arriba* En
*Título de carácter general, que reúne todos los proyectos realizados durante los años 2015 – 2017 en Oslo, Noruega. Serie de 196 fotografías.
Envase de un litro de plástico, derretido en gotas sobre papeles. Responde a la idea de practicar un vaciamiento, un intento de reproducir ese volumen interno sobre una superficie en la reducida forma y conclusiva de una gota.
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Una dimensión ulterior, que puede verse en cinco salas de las plantas segunda y tercera del Museo, toma aquella exposición como punto de partida para realizar un ejercicio similar, y pulsar el modo en que ha evolucionado la escultura en España hasta nuestros días. Incluye muchas de las obras que integraron la muestra de 2003 y otras realizadas en fechas recientes por creadores españoles de generaciones sucesivas. Si Cuatro dimensiones eludía la vehemencia de los grandes relatos, Una dimensión ulterior refuerza también el valor de las historias pequeñas. No es baladí que el título de esta muestra haya optado por el indeterminado “una” en vez del determinado “la”, pues, como sabemos, no hay ya cabida para lecturas unívocas de las prácticas artísticas de nuestro tiempo, y la que aquí se ofrece es sólo una de tantas posibles, si bien, admitimos, pretende ser un recorrido que trate de explicar con cierta solvencia algunas de las claves de la escultura de hoy.
Artistas participantes: Ignasi Aballí, Elena Aitzkoa, Elena Asins, Jorge Barbi, David Bestué, Elena Blasco, Jacobo Castellano, Jordi Colomer, June Crespo, Ángela de la Cruz, Patricia Dauder, Diego Delas, Pepe Espaliú, Ángel Ferrant, Nuria Fuster, Fernando García, Christian García Bello, Cristina Iglesias, Pello Irazu, Carlos Irijalba, Antoni Llena, Eva Lootz, Juan López, Asier Mendizabal, Mitsuo Miura, Itziar O Okariz, Jaime Pitarch, Adolfo Schlosser, Fernando Sinaga, Teresa Solar, Julia Spínola y Susana Solano.
Libraría
Rodríguez-Méndez presenta o Episodio #05 de Creación Contemporánea: «Ir»
O artista galegoRodríguez-Méndezserá o gran protagonista doquinto e últimoEpisodio de Creación Contempoáneade NUMAX co seu traballoIr. A obra será presentada oluns 16 decembro ás 20:00nun acto que tamén contará coa presenza do comisario do ciclo,Ángel Calvo Ulloa
https://numax.org/actualidad/
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NACHO CRIADO
Homenaje a Rothko
Exposición colectiva
El Juego del Arte
Pedagogías, Arte y Diseño
Fundación Juan March
22 marzo – 23 junio 2019
march.es
Vídeo 47 min. Casal Solleric, Palma de Mallorca, Spain 2018 & Video 1h25min. / Oslo, Norway 2016
Proyecto para la exposición:
"Un sujeto construido en el punto de intersección de la multiplicidad de posiciones de sujeto". Comisaria: Diana Guijarro.
Vídeo 47 min.
Digo error es una liturgia del recordar. Hay una idea de recuperar lo perdido, una voluntad de reconstrucción a través de un nuevo conocimiento.
Descripción:
- 4 placas de yeso prensado en el centro del patio de Casal Solleric y separadas entre sí. Medidas de cada una: 300x120x1,5cm.
- Primera acción: El artista deshilacha parte de uno de los hombros de la americana de un hombre. Deja caer los hilos al suelo.
- Segunda acción: El artista, con una lente graduada fijada en el talón derecho de su zapato, va golpeando las placas de yeso hasta que entren en contacto en el centro.
- La acción finaliza cuando las placas se juntan entre sí.
Galerie de l’artothèque – Salle du Temple, place Notre-Dame, 35500 Vitré
Commissariat : Isabelle Tessier
Exposition visible du 2 juin au 16 septembre
Viewers embark on a journey to decipher the fragments in Mejuto’s paintings: a swath of robe, a wedge of building, a piece of brocade. The small canvases, like lost puzzle pieces, conjure memories of complete masterpieces. Abounding with citations and suggestions, the exhibition reveals the contemporariness of the well-known images that form the basis of Western art. It is with good reason, then, that a number of titles reference burials and resurrections. Each generation pays, in its fashion, its debt to its ancestors.Translated from Spanish byJanie Brodie.—Joaquín Jesús Sánchez
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Bomba de humo apotropaica
The apparition of these faces in the crowd;
Petals on a wet, black bough
Ezra Pound
In a Station of the Metro, 1913
Paciencia y Fortaleza custodian la New York Public Library y Daoíz y Velarde el Congreso de los Diputados. Leones protegen las puertas de la Ciudad Prohibida y leonas las de Micenas. Los hubo de Nemea y de Judea; otros fueron vigilantes del sueño eterno de los poderosos. Los leones Médici se copiaron hasta la náusea y ahora casi todos se producen en serie, como los jardineros de Daniel Boccato. Distribuidos por las salas, los centinelas de Daniel miran directamente a los ojos pidiendo santo y seña. Su poderosa aura ya no resulta tan benéfica como la de sus antepasados. En apariencia protectora, es más bien amenazante. Estos leones-hito han dejado de ser mágicos en si mismos para transformarse en artefactos especulares.
La instalación de Daniel Boccato conecta el tiempo presente, de selfies y tecnologías de reconocimiento facial, con un pasado moderno y pre-digital, y es a la vez distopía. Con lodos encontrados en el sótano de Dostoievski se modelan estos bellos leones, bombas de humo apotropaicas creadas para ocultar a ojos vistas la realidad del subsuelo. Leones artificiales, sacados de un sueño de Philip K. Dick, se acomodan sobre unos pedestales que son ahora el elemento variable y nos recuerdan que la aceptación del individualismo lleva implícito el derecho a la autodestrucción. Las esculturas están bajo los leones y son una muestra del sustrato social de la contemporaneidad. Construidos con elementos de diversa procedencia y estética contradictoria, trascienden el ready-made mediante sutiles guiños poéticos y referencias personales que el autor oculta a propósito, pero cuya impronta es legible. Leídas como plintos romanos, estas esculturas de base cuentan dudosas hazañas de los leones retratados, más bien anécdotas cotidianas, urbanas y sobre todo carentes de sentido. Historias tan fragmentadas en su unidad, como la propia representación del león, que trae consigo un pasado muy pesado. Incluso cabe una lectura social de la instalación, de la actualidad tecnológica y consumista en la era Trump: protagonizada por una masa aleccionada para la uniformidad y sostenida en la ilusión de su unicidad que termina por igualarse por abajo, encumbrando lo más zafio. El impreciso límite entre lo artificial y lo natural, la decadencia de la vida y la sociedad, y el significado de la individualidad en el mundo de hoy son algunas de las cuestiones presentes en el trabajo de Daniel Boccato.
Sin mediar verbo, el primer verso y el segundo se juntan precisamente en el momento de la acción. Pedestal y clon, escultura y objeto. Como en el poema de Pound, como en los haikus, la conexión va de cuenta de quien observa. Solo que ese sujeto es también vigilado, acechado por leones que devuelven el verso cambiado de orden. Desvergonzados trileros heráldicos, hipnotizan al ojo previamente anestesiado por la multitud de caras legibles, simétricas, repetidas. La refrescante paradoja que Boccato diseña entre el arriba y el abajo, bascula entre la reconfortante visión de estos reyes destronados y el deshecho que nos define, entre la aspiración del ideal y el dinamismo de lo real. En línea con sus trabajos anteriores, en esta instalación incómoda el símbolo se escurre por el lavabo y la metáfora se diluye en la confortabilidad de un signo reconocible, de una cara agradable, en la ilusión de creernos únicos y merecedores.
Yara Sonseca
My paper is called The Medium is the Massage: Racialized Mediums
http://www.blackportraitures.i
la pelicula Ta acorda Ba tú el Filipina forma parte de la coleccioón del Museo Nacional Centro de arte Reina Sofia .
http://www.ficcifestival.com
Conflictos y dictaduras; colonizadores y colonizados; represión y ansias de libertad; totalitarismo y democracia, se reúnen en esta segunda versión de “La guerra y la paz”, ficciones y documentales que dejan oír voces, reclamos, preguntas, soluciones. Películas que se hacen cargo del lugar del cine no como un simple notario de la realidad sino como un instrumento de transformación.
ART CENTER/SOUTH FLORIDA RESIDENCY
Mar Guerrero ha sido seleccionada para realizar una estancia en residencia en Art Center/South Florida, Miami. Esta residencia es una oportunidad que se ofreció a los artistas baleares participantes en el programa de formación “Les Clíniques d’Es Baluard”, cuyo objetivo principal es fomentar la profesionalización del sector y facilitar las herramientas de análisis, conocimiento, recursos y seguimiento de la práctica creativa y de pensamiento desde el museo. Por ello, la residencia en el Art Center/South Florida constituye una gran oportunidad para conocer el contexto artístico de Miami así como los programas de formación de artistas desarrollados desde esta institución artística. Esta residencia es posible, además, gracias a la colaboración mantenida entre Es Baluard y el Illenc. La residencia tendrá lugar durante el mes de marzo de 2018 y permitirá participar a la artista en el Program for Applied Artistic Research.
http://www.artcentersf.org/
Christian García Bello
Ahora no es pretéritotodavía***
Galería FORMATOCOMODO Madrid. C/ Lope deVega,5
Http :/ /www. formatocomo.com /
Hasta el 17 de noviembre
CARLOS DELGADO MAYORDOMO
La obra de Christian García Bello (1986) reflexiona acerca de los vínculos que se establecen entre el individuo, su escala y el paisaje. A partir de esta ecuación, incorpora variables conceptuales que amplifican el alcance de su propuesta. De este modo, el horizonte como umbral inalcanzable o el tiempo como permanente transcurrir sobrevuelan unos trabajos que no han sido elaborados bajo el impacto de la sensación inmediata sino a través de un riguroso proceso de disección y de síntesis formal. La exposición Ahora no es pretérito todavía plantea un recorrido que mantiene el eco del peregrinaje: sus esculturas, de sencillas composiciones y materiales modestos, operan como hitos que rememoran formas de ritualidad popular. Ésta economía expresiva casi minimal, lo limita el alto rendimiento simbólico de su trabaj la dimensión humana el uso de elementos orgánicos y las referencias a la iconografía religiosa conviven para modular unas obras que indagan en nuestra, necesidad primigenia de protección y refugio. El deseo de localizar un lugar que nos resguarde sin sepultamos también está presente en sus dibujos. García Bello toma como punto de partida elementos arquitectónicos para someterlos a un delicado proceso de depuración. Los espacios vacíos dominan el papel, mientras que la línea no se detiene en dar demasiadas explicaciones: La evocación se impone a la descripción. Este esfuerzo por encontrar la sustancia en las sombras es una de las virtudes de un artista cuya evolución transcurre tan pausada como contundentemente.
Christian García Bello.
If Christian García Bello’s second show at this gallery seems to stage no major overhauls of his first, progress nonetheless lies within the reaffirmation of his perseverance. In this light, the exhibition represents a remarkable step forward in his still-young career. Titled, somewhat awkwardly, “Ahora no es pretérito todavía” (Now it is still not the past), the show reflects on how our relationship with time informs our perception of space. His drawings and sculptures share a precise blend of representation and abstraction, mathematical rhetoric and transcendent nebulousness, as he draws from rigorous classical humanism and from hazier Romantic movements in equal measure.
On entering the gallery, one easily detects the relevance of rhythm in his exquisite installation. It stems from a careful study of human proportions in the context of the gallery’s singular architecture. Drawing out our gaze, a vertical wooden form expands toward the wall, punctuated by both drawings and sculptures that share a distinctive ingredient: On all of them, thin layers of wax subtly accumulate to produce dense surfaces with an enthralling aura. They represent architectural motifs as well as shadows and hollow spaces, relentlessly swinging between the tangible and the ethereal. The three wooden sculptures on view are found objects that evolve into abstractions evoking a melancholic sense of longing, while unambiguously reflecting shapes and symbols drawn from traditional art of Galicia. Apathetic toward fuzzy trends and unnegotiably committed to austere formalism, García Bello understands his work as a body of complex textures providing a humble and serene take on the infinite.
— Javier Hontoria
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Pocas veces una exposición logra transformar..........
http://www.elcultural.com/
Desarrolla el proyecto Cosmic networks en Nirox Foundation (Sudáfrica) dentro del Programa de Residencias El Ranchito de Matadero Madrid – AECID.
A partir de la observación concreta del espacio se ponen en cuestión ideas sobre progreso tecnológico y estéticas migratorias a través de las dicotomías que se establecen entre tradición y futuro, investigando acerca del concepto de “redes” a partir de dos ejes principales: el primero parte de la idea de “redes humanas”, que se lleva a cabo a través de una serie de acciones grupales; el segundo punto se relaciona con la idea de “redes tecnológicas”, donde se establece una investigación acerca de SKA (Square Kilometre Array), un proyecto desarrollado a nivel internacional para poner en marcha el que será el mayor radiotelescopio de la Tierra, construyéndose en The Great Karoo desert, Sudáfrica.
La comisión evaluadora ha estado presidida por Chus Martínez, directora del Instituto de Arte de la Academy of Art and Design de Basilea, e integrada por Laura Baigorri, Eugeni Bonet, Nuria Enguita,; Karin Ohlenschläger, María Pallier, Manuel Segade, ; Blanca de la Torre, y Virginia Torrente,
Mit Borras
Apertura Madrid Weekend es un evento que organiza cada año ArteMadrid en
Septiembre después de las gorras, ese libro y las cangrejeras; después de no haberte ido a ese
sitio. Las galerías que forman parte de la asociación celebran el principio de la temporada con la
inauguración conjunta de sus exposiciones y con un programa de bien de cosas del 14 al 16 de
Septiembre. Actividades, visitas a museos y colecciones; encuentros y fiestas en la línea de los
eventos que se celebran en otros grandes núcleos del panorama internacional como el Choices
Collectors Weekend de París.
David, siempre pronunciado como Deivid, se viste de beige y sale a la calle. Beige como una
lámina de pavo, contento de postverano. Deivid tiene inaguraciones a las que asistir por
que Deivid, siempre pronunciado como Deivid como David Weiss, está interesado por el arte y
debe decidir entre la programación y algunos compromisos sociales.
La obra de mucha gente se expone estos días, la implicación en su trabajo a cambio de ya
sabes y el resultado de su propuesta intelectual está ahí puesta, las galerías escogen lo mejor
de su plantel de artistas internacionales, españoles, consagrados y emergentes. Bacelos
expone el trabajo de Massimo Bartolini, Elba Benítez nuevas piezas de Vik Muniz, Ponce +
Robles a Ding Musa, Twin Gallery a Manuel Franquelo-Giner y Elvira González las formas
orgánicas de Juan Asensio. En Formato Cómodo podemos ver el trabajo de García Bello. El
chico beige puede ver la obra geométrica y serena de éste artista formalizada con gran
criterio.
Miki Leal presenta en F2 Galería sus pinturas con los terrenos deportivos y superficies de las
pistas de tenis, los polos, las vallas, los matojos de alrededor, colores desvaídos y geometrías
sencillas muy acertadas; las quieres tener todas. Deivid bebe agua. Deivid bebe
vino, Deivid saluda. Cerca de allí aun en Fourquet está Karlos Gil que expone también esta
semana en García Galería No Fish, Snake Scale; una fecha esperada. En la galería Nieves
Fernández pueden verse expuestas las ricas buenas lindas frescas piezas de Alexej
Menschtschanow, instalaciones con ensamblajes aparatosos y fotografías de archivo. Un
trabajo en torno al fordismo, el totalitarismo y las formas fetichistas del funcionalismo. Una lista
larga de exposiciones, galerías abiertas desde Alegría a Xavier Fiol para un fin de semana bien
prieto de programación.
www.neo2.es/blog/2017/09/apertura-madrid-gallery-weekend-ii
Luisa espino
Seleccionamos aquí diez exposiciones que no deben faltar en este primer recorrido galeristico.
La segunda muestra individual en la galería Formato Cómodo de Christian García Bello (La Coruña,
1986) toma como punto de partida el Estudio filosófico del tiempo recogido en las Confesiones de San
Agustín y su definición del hombre como centro del universo. A partir de ahí, García Bello trabaja
con escultura y dibujo, tomando como escala de trabajo su cuerpo y como referente el paisaje y
la arquitectura más esencial
http://www.elcultural.com/revista/arte/El-arte-nos-recibe-en-casa/40018
Presenta su nueva exposición nut, nuts, nut job en la galería Sorry we're closed de Bruselas.
Fechas: 7 de Septiembre - 28 de Octubre 2017
Participa con su trabajo ,Después de nunca jamás, video instalación de dos canales sincronizados.
Utopia
Twelve young emerging curators from China and Germany will stage a joint exhibition following the traces of "Utopia". Inspired by their research on the contemporary curatorial practice at the documenta 14 in Kassel and Skulptur Projekte in Münster the team explores utopian thinking in matters of space and time by means of visual arts, installations, performances and interventions in the outdoor and indoor space.The two-part exhibition will be presented at Starke Foundation in Berlin-Grunewald as well as at Zentrum für Kunst und Öffentlichen Raum and Schlosspark Biesdorf.
Participating artists:
Dominik Annies, Chen Baiyi,Janosch Becker,Florian Birk,Juan Blanco,Felipe Duarte,Shi Fu,Philipp Hainke,Lisa Herzog,Fangling Huang, Qin Lingsen, Luo Qiang,Li Quing,Ana Esteve Reig,Natalia Irina Roman,Felipe Sánchez, Liu Shihao,André Stache,Deo Gisa Brian Senyondo,Annika Stoll,Daniel Theis, Victoria Wald,Tao Xia, Yan Xiang, Ligeng Zhang
Engel Leonardo participara de octubre 2017-Enero 2018.
NAUGURACIÓN: 5 de mayo 20:30 | 21 de julio
LUGAR: Museo Municipal de Lalín
ARTISTAS: Emilio Araúxo, Misha Bies Golas, Emma Crichton, Manuel Eirís, Tamara Feijoo, Christian García Bello, Irene Grau, Rubén Grilo, Carlos Maciá, Álvaro Negro, Carme Nogueira, Kiko Pérez, Alejandra Pombo, Bandia Ribeira, Lua Ribeira, Rodríguez-Méndez, Armindo Salgueiro, Diego Santomé, Xoan Torres, Damián Ucieda e Diego Vites.
participa en la muestra Dende o Panóptico: Cada cela unha fiestra.
La exposición O Vello Cárcere de Lugo. Da guerra á posguerra está compuesta por un libro de memorias, notas y cartas de los presos a las familias, entre otros. También forma parte de ella la recreación de una celda individual en la época de la guerra
13 artistas repiensan desde la actualidad la Vieja Cárcel. Para eso, la muestra Dende o panóptico: cada cela unha fiestra, que reúne por primera vez una serie de trabajos de diferentes figuras del arte gallega
Para recuperar la memoria de las mujeres antifascistas borradas de la historia, el módulo femenino acogerá la exposición itinerante Vermellas (Chamábanlles rojas). Se componen de 20 paneles con textos.
Fechas: A partir del 28 de Abril, Centro Sociocultural O Vello Carcere de Lugo.
Rodriguez-Mendez curador Angel Calvo Ulloa.
El resultado del trabajo en la residencia Paulo Reis .
http://ateliefidalga.com.br/
FIREZE.COM
Engel Leonardo, ‘Ansapit’
Galería Formato Comodo
4 February - 31 March
Engel Leonardo’s practice performs a difficult balancing act: synthesizing Caribbean geography and visual culture without reducing its complexity. Research into the craft aesthetics of his native Dominican Republic manifests through several forms. Titled ‘Ansapit’, the Creole name for one of the four main land crossings from Haiti, the show shares the name with a dress piece whose pattern documents the popular architecture of the region. Leonardo’s Vevés paintings made with plantain juice and depicting abstracted voodoo symbols, and his Lista series, which transforms traditional basketwork found in the borderlands between the Republic and Haiti, further explore porous limits: between neighbouring countries, art and design, and high modernism and a craft vernacular.
frieze.com/article/critics-guide-madrid-0
La Sala Canal de Isabel II (Madrid) acogerá a partir de febrero una amplia selección de imágenes en color, inéditas en su mayoría, del fotógrafo Javier Campano (Madrid, 1950). Comisariada por Horacio Fernández, la exposición 'Campano en color' reunirá también algunas obras de su vertiente más clásica y documental, realizadas a lo largo de sus muchos años como paseante.
La muestra, organizada con motivo de la concesión del Premio de Cultura 2013 de la Comunidad de Madrid en su modalidad de fotografía, incluye todo tipo de soportes y técnicas utilizadas por el artista, desde las series dedicadas a las escenas urbanas o la selección de polaroids hasta un buen número de fotolibros o catálogos.Campano ha utilizado principalmente el blanco y negro para realizar su obra. Sin embargo, a partir de 2010 adopta definitivamente el color y la fotografía digital. A partir de entonces lleva a cabo series de fotografías callejeras donde se pueden encontrar temas recurrentes junto a otros nuevos en los que se ve su pasión por la pintura, la cultura popular y el diseño gráfico.Una de ellas es Pinturas de paso, donde fotografía paredes pintadas encontradas al azar en sus muchos paseos por la ciudad, que se convierten en cuadros que evocan la pintura abstracta, una pasión de Campano, quien siempre se ha acercado a la creación contemporánea. Como él mismo asegura, “cuando miro una pared y veo un Guerrero, un Malévich, un Tàpies, un Newman o un Rothko me vuelvo loco de alegría”. Ésta estará acompañada por la serie urbana y la de los números.También se mostrará una selección de escenas urbanas que continúan la temática de su obra anterior y muestran que se puede ser fotógrafo en color sin dejar de serlo en blanco y negro. Su mirada es la de un observador que se detiene en detalles de la vida urbana como señales de tráfico, rótulos callejeros, letras, logos o anuncios, creando un imaginario cercano al pop. Estas fotos son el resultado de una mirada atenta a las diferencias y a lo insólito, configurando un enorme archivo visual de poesía urbana.
"...al menos un modo provisional de asentarse en un lugar" - Del 14 de diciembre al 22 de enero - Azkuna Zentroa (Bilbao) y del 20 de enero al 28 de febrero - Montehermoso (Vitoria-Gasteiz)
La exposición …al menos un modo provisional de asentarse en un lugar es el resultado del programa Komisario Berriak, iniciativa de DSS2016EU en colaboración con Azkuna Zentroa (Bilbao), Tabakalera (Donostia), Artium y Montehermoso (Vitoria-Gazteiz) que apoya la formación de nuevos comisarios. En estas tres ciudades han tenido lugar a lo largo de 2016 los encuentros en formato de laboratorios en torno a las prácticas curatoriales que concluyen con esta muestra
Artistas: Allora & Calzadilla, Emilio Araúxo, Pedro Barateiro, Zigor Barayazarra, Josu Bilbao, Alex Cecchetti, Lúa Coderch, Janice Kerbel, Irene Kopelman, Louisa Martín, Amaia Molinet, Enrique Radigales, Rodríguez-Méndez, Eriz Moreno, Eulàlia Rovira & Adrian Schindler y Tina Vukasović.
Equipo curatorial de Komisario Berriak: Valerio Del Baglivo, Ángel Calvo Ulloa, Irati Irulegi, Laura Diez, Leyre Goikoetxea, Natasha Kadin, Pilar Cruz, Iker Fidalgo, Sonia Fernández Pan y Juan Luis Toboso. Acompañados por Aimar Arriola, Tamara Díaz Bringas y Sabel Gavaldón.
Entre palmas, fritanga y
salitre, la 2da Gran Bienal Tropical se realizará del 7 al 10 de diciembre en
varias localidades de Puerto Rico. Esta edición le rinde homenaje a dos
secretos a voces de la escena artística local y dos de sus figuras más emblemáticas:
Zilia Sánchez (La Habana, 1928) y Esteban Valdés (Ciudad de México, 1947).
La curaduría de la 2da Gran Bienal Tropical es un
ejercicio en colaboración entre Marina Reyes Franco, Radamés “Juni” Figueroa,
Jesús “Bubu” Negrón (ganador de la Piña Dorada en la 1ra Gran Bienal Tropical),
Stefan Benchoam y Pablo León de la Barra.
Históricamente, las bienales en Puerto Rico han
sido boicoteadas, canceladas, retrasadas, convertidas en trienales y vueltas a
posponer. Exitosas, desacertadas, pertinentes o controversiales, la constante
ha sido su carácter interrumpido, dependiente del vaivén político, la
militancia de los artistas y el presupuesto disponible. Quizás no haya mejor
momento que el décimo aniversario de la recesión económica en Puerto Rico para
-a cinco años de su primera edición- realizar la 2da Gran Bienal Tropical,
financiada a través de la economía de la amistad. Con el deseo de enfrentar
futuros inciertos, y seguros de que nuestro paraíso no sólo será fiscal, se ha
invitado a una selección de artistas de latitudes caribeñas, tropicales y del
más allá, a compartir su trabajo en una exhibición
playera/selvática/comunitaria y varios días de actividades a través de la isla.
Esta es una bienal de sus tiempos: desplegable y versátil, adaptable, sin presupuesto
y sin cargos por envío.
Adriana Lara
Adriana Martínez
Andrés Pereira Paz
Caribbean Backbone Research Institute
Daniel Steegmann Mangrané
Eduardo Navarro
Engel Leonardo
Gala Berger
Jessica Kairé
Jorge González
Marcelo Cidade
Opavivará
Vivian Suter
Sección de Autogestión:
En un espíritu de apertura, colaboración, improvisación y auto-gestión, los curadores de la 2da Gran Bienal Tropical invitan a todo aquel artista/colectivo que desee participar a traer sus propias obras e instalarlas personalmente en el Km 13 de la Carretera 187 en las playas de Piñones, Loíza el sábado 10 de diciembre a partir de las 10am.
Exposición de los proyectos realizados con la Ayudas al Audiovisual de la Fundación BBVA.
http://cultura.elpais.com/
- Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016
La exposición Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016, que cuenta con José Iges y José Luis Maire como comisarios invitados y con la colaboración de muchos otros artistas y expertos, pretende mostrar los orígenes, la diversidad de trayectorias y la vitalidad del arte sonoro realizado en nuestro país desde 1961 hasta nuestros días. Mediante la amplitud y variedad de las más de 400 obras escogidas y un extenso material documental, la exposición quiere hacer visible (y sobre todo audible) el sonido organizado con criterios artísticos en nuestro país, incluso en unos tiempos (las décadas de los 60 y los 70) en los que el propio término "arte sonoro" no había sido aún enunciado como tal.
Fechas: 14 Octubre 2016 - 15 Enero 2017
Asphalte Charleroi
High on Place de la Digue stands the elegant outline of a figure. Sometimes it appears to be sleeping. At others, it is dancing. This sculpture, neither man nor woman, neither adult nor child, has been inspired by giants. Just as we dress up folkloric characters to suit the season, this figure transforms as the year progresses. At once a public bench, an esplanade and a family-sized picnic table, the giant is a meeting point, but it is also a collection of climbable shapes of different heights. As a deconstructed puppet, each part of the Géant de la Digue’s body is interchangeable: the hand can easily become a crown, or the leg a sword.
Asphalte Charleroi
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Después de lo que acabo de escribir y que, como han visto, procede mayormente de tres fuentes distintas en torno a la obra de Miquel Mont -dos de críticos de arte y una tercera del propio artista- sólo me resta decir lo que, a mí personalmente, me pareció la exposición. Y lo voy a definir en una sola palabra: extraordinaria
https://fedemontornes.
Exposición colectiva comisariada por Caroline Bissière & Jean-Paul Blanchet
con los artistas : Miquel Mont. Farah Atassi, Francis Baudevin, Vincent Beaurin,
Lisa Beck, Trudy Benson, Martin Bissière, Jessica Stockholder, Soizic Stokvis,
Blair Thurman, Delphine Trouche, Janaina Tschäpe, Emmanuelle Villard, Sophie Whettnall, Wallace Whitney,
Peter Zimmermann .
www.cacmeymac.fr
8 de julio al 2 de octubre 2016.
En torno a los problemas epistemológicos y visuales que propone Elegía de un viaje de Sokurov y a partir de otras obras emblemáticas de la Colección CGAC —Mona Hatoum, Liam Gillick, José Pedro Croft o Nacho Criado—, se plantean contextos de acompañamiento y diálogo con obras de otras colecciones públicas e privadas asociadas o vinculadas de alguna manera con el CGAC.
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FORMATOCOMODO , presenta el performance TRAZAS DISTANCIADAS de Miquel Mont ,
Martes 31 de Mayo a las 21 hrs
TRAZAS DISTANCIADAS
«Trazas Distanciadas» es una reflexiòn en torno a una serie de imàgenes proyectadas que adopta la forma de una conferencia performativa.
Se desarrolla segùn un modelo de libre asociaciòn de imàgenes y de ideas, oponiéndose asi a las construcciones analìticas de los discursos dominantes y a sus modelos retòricos. Privilegiando lo sensible, lo subjetivo, propio a la percepciòn como modelo y lugar del sujeto del conocimiento, y relacionàndolo con el orden econòmico, social y estético de nuestra época.
De esta manera se invocan distintas obras de Adam McEwen, Karin Sinder, Wade Guyton, etc,... junto con gràficos del PIB mundial, los acuerdos de Bretton Woods, fotografias de anarquistas españoles històricos, obras personales, etc,.. para interrogarse, entre otras cosas, sobre la nociòn de traza y de gesto.
Cuestionàndose también sobre la presencia y el estatuto de lo manual tal y como convive hoy dia sometido al régimen de lo visible, subordinado a ese mercado de visibilidades que caracteriza nuestra economia contemporànea de la imagen.
La traza es en principio un resultado del gesto y en el arte ambos poseen una singular relaciòn con el proceso de creaciòn del valor de una obra. Sin olvidar que en nuestra época, caracterizada por una desmaterializaciòn a ultranza de los soportes tradicionales de las imàgenes, tal hecho confiere significaciones un tanto diferentes que modifican y amplian nuestras nociones de presencia, representaciòn o expresiòn.
Museu Fundación Juan March, Palma
Sant Miquel, 11.
07002 Palma de Mallorca
Los espacios de la exposición: Palma, Cuenca, Madrid
La exposición Arte sonoro en España (1961-2016) pretende mostrar los orígenes, la diversidad de trayectorias y la vitalidad del arte sonoro realizado en nuestro país desde 1961 hasta nuestros días. Mediante la amplitud y variedad de las obras escogidas y un extenso material documental, la exposición quiere hacer visible (y sobre todo audible) el sonido organizado con criterios artísticos en nuestro país, incluso en unos tiempos (las décadas de los 60 y los 70) en los que el propio término "arte sonoro" no había sido aún enunciado como tal.
Por supuesto, más allá de los límites de la colección de la Fundación Juan March, la muestra atenderá a la especial relevancia de artistas como el grupo ZAJ, Isidoro Valcárcel Medina o LUGAN, pioneros que con trabajos experimentales y transversales han sido verdaderos precursores del arte sonoro, e incluirá, junto a los ya mencionados, obras de Walter Marchetti, Juan Muñoz, Francisco López, José Antonio Orts, Eduardo Polonio, Esther Ferrer, Juan Hidalgo, Wolf Vostell Javier Aguirre, Nacho Criado, Francesc Abad, Eugènia Balcells y Eugeni Bonet, entre otros.
http://www.march.es/arte/palma/exposiciones/arte-sonoro/espacios.aspx?l=1
Daniel Boccato´s ´Blogface´at formatocomodo
NADA Art Fair Offers the Wacky and the Political, Plus Basketball, The New York Times
www.elcultural.com/galerias_
www.lehavre.fr/node/39934
Samuil Stoyanov's work at Focus Bulgaria is:
20 Billion Stars, 2012 Action, ceramic stars, photographs, plexiglas The present work "20 Billion Stars" is part of a series of similar boxes and uses as material photo-documentation and artefacts of action (of the same name) held by the artist for 30 days in the summer of 2011.
During the renovation of the central square of his home-town (Dobrich, Bulgaria) Samuil Stoyanov goes regularly to the work-site and casts ceramic stars from red clay in the still wet concrete. Inlaid and built up stars creates a new map of a universe, which, unfortunately, will probably remain undiscovered forever. The square named "Svoboda" (Freedom) has a total area of about 150,000 square meters, which are overlapped entirely. The funding of the reparation of "Freedom" Square is OPRD of the European Union and the action of the artist is made within the project "Art of Urban Intervention", which is supported by the Culture Programme of the European Union.
Focus Bulgaria at viennacontemporary 2015
AAA Art: Albisrieden Altstetten
Art in Public Space Zürich, www.stadt-zuerich.ch/aaa
AAA: Art Altstetten Albisrieden Public space of Zurich Altstetten and Zurich Albisrieden AAA: Art Altstetten Albisrieden
will feature nearly 30 artists challenging theirselves with the questions of city development, neighbourhood history, aesthetic in public places and other themes rooted in the urban context. The artworks will be grouped in several geographical clusters that are Vulkanplatz/Lindenplatz, Flurstrasse/Zollfreilager, the heart of the Albisrieden village and the Eichbühl cemetery. Several satellite projects are also planned in the Zürich-West area. Curators: Christoph Doswald, Bettina Burkhardt (project direction) Special events: Jun 12, 5pm - 9pm, opening
- Open: Saturday, 13 June 2015
- Close: Sunday, 13 September 2015
- Address: Public space of Zurich Altstetten and Zurich Albisrieden
- Web: https://www.stadt-zuerich.ch/aaa
- Admission: Free
- Transport: Vulkanplatz, Bahnhof Altstetten
Como tizón quemado es una agilización del proceso creativo de Christian García Bello (A Coruña, 1986) hacia la rotundidad contenida del gesto, y hacia la severidad a ultranza de un carácter en evasión concreta y ciertamente radical. Esta evasión es fidelidad hacia uno mismo, hallazgo de lo temporal que tiende y se estratifica hacia lo superior; y es atributo de la individualidad trascendente que, además de la integridad que se le exige, es también producto de la inflexión de la reflexión y su conversión en objet la materialidad tridimensional, no equívoca y, menos aun, derivativa y desinencial, en la cual refugiarse, hallarse, y refundarse. La complexión no banal de la instalación site-specific establece una unidad lógica con el espacio (vacío, luz y ciertas perspectivas aparentes) que particulariza el medio envolvente, y lo torsiona en una sucesión de tensiones verticales y horizontales reivindicativas de una geometría pura y razonada. Y la utilización de la madera, del grafito, de la cuerda, texturiza esa armazón primaria, insistente y focal, afirmación de lo inviolable del hombre y de su unicidad sustantiva.
http://cgac.xunta.es/ES/exposicion-detalle/55/christian_garcia_belloGAL#ad-image-0
Articulo escrito por Roberta Smith.
http://mobile.nytimes.com/
PRESS
Review: At NADA Art Fair, Collecting for Pleasure, Not Status, The New York Times
Justin Thompson -4_May 26th, American Academy of Rome, Rome, Italy curated by Lyle Ashton Harris , Robert Storr and Peter Benson Miller Nero su Bianco is a wonderful group show that I am honored to be a part of. I will present a new work called Loquens de Fluminibus. My piece draws upon an interview I did with Terry Adkins in 2010 and is a sculptural sound work and film.
http://www.aarome.org/it/content/nero-su-bianco
Itinerarios XXI acoge el trabajo producido por nueve artistas en el periodo 2013-2014: Carles Congost (Gerona, 1970), Albert Corbí (Valencia, 1976), Patricia Esquivias (Caracas, 1979), Jon Mikel Euba (Vizcaya, 1967), Rodrigo Oliveira (Portugal, 1978), Wilfredo Prieto (Cuba, 1978); Julia Spínola (Madrid, 1979), Justin Randolph Thompson (Peekskill, NY, 1979) y Jorge Yeregui (Santander, 1975).
Cautivos , bufones y portador de Bandera. Está basada en la serie de pinturas titulada,- Los triunfos de César - de Andrea Mantegna.
El trabajo consiste en la transformación de una serie de grandes pinturas en alfombras, indagando en los conceptos de victoria y derrota llevados al presente
http://www.fundacionbotin.org/exposicion/itinerarios/index.html
Inauguracion dia 12 Febrero a las 19hrs.
Miquel Mont, Nunca es suficiente
13/02/2015 - 25/04/2015
Exposición monográfica de Miquel Mont,el artista nacido en Barcelona que vive y trabaja en Paris desde hace más de dos décadas. En sus obras, Mont busca la parte más esencial de la pintura y la aleja de cualquier artificio.
Muestra influencia de Supports-Surfaces y BMTP, grupos pioneros en el trabajo con la pintura como materia.La exposición reúne una parte de la producción más reciente de este artista, con obras realizadas entre el 2007 y el 2014 y se divide en cuatro ámbitos, que corresponden a las cuatro series presentadas: Cooperaciones, Lapsus, Mono-Tonos y Collages ideológicos.
La muestra irá acompañada de un programa de actividades paralelas conducidas por el propio Miquel Mont.
http://www.fundaciosunol.org/
9ª Biennal d’Art Leandre Cristòfol
Comisariada por Gloria Picazo
Inauguración: 31 de enero a las 12h.
Artistas: Eva Fàbregas, Marco Godoy, Andrés Jaque, Mercedes Mangrané, Guillermo Mora, Juan Pérez Agirregoikoa, Teresa Solar, Julia Spínola, Àlex Trochut + Xavier Mañosa, Antònia del Río, Mauro Vallejo i Verónica Vicente.
Imagen --Dos casi cuatro, 2014 / 40 kg. de pintura acrílica sujeta por gomas elásticas / 56 x 25 x 46 cm.
Centre d’Art La Panera
Pl. de la Panera 2, 25002 - Lérida
www.lapanera.cat
9ª Biennal d’Art Leandre Cristòfol
Comisariada por Gloria Picazo
Inauguración: 31 de enero a las 12h.
Artistas: Eva Fàbregas, Marco Godoy, Andrés Jaque, Mercedes Mangrané, Guillermo Mora, Juan Pérez Agirregoikoa, Teresa Solar, Julia Spínola, Àlex Trochut + Xavier Mañosa, Antònia del Río, Mauro Vallejo i Verónica Vicente.
Centre d’Art La Panera
Pl. de la Panera 2, 25002 - Lérida
www.lapanera.cat
Inauguración: 29. Enero 2015, 18:00-20:00 Exhibition: 30. January - 7. March We. - Fr. 12:00-18:00 / Sa. 12:00-16:00 Galerie annex14, Hardstr. 245, 8005 Zurich http://www.annex14.com/annex/index.php?id=2
Artists: Anton Terziev, Alexander Kiossev, Alla Georgieva, Boryana Rossa, Vito Valentinov, Dimitar Dilkov, Dimitar Solakov, Zoran Georgiev, Ivan Moudov, Iskra Blagoeva, Kalina Dimitrova, Kalin Serapionov, Kamen Stoyanov, Kiril Prashkov, Krassimir Terziev, Luchezar Boyadjiev, Mariela Gemisheva, Nedko Solakov, Pravdoliub Ivanov, Rada Boukova, Samuil Stoyanov, Svetla Gradanska, Zara Alexandrova, Stefan Nikolaev
ica-sofia.org
mentalKLINIK, Adel Abidin, Ziad Antar, Mireille Astore, Younes Baba-ali, Lara Baladi, Mounir Fatmi, Nadia Kaabi-Linke, Omar Mahfoudi, Ahmed Mater, Nicène Kossentini
La muestra presenta una selección de obras en video de artistas contemporáneos, desde el Norte de África hasta Oriente Medio, cuyas prácticas se inscriben en un mundo globalizado.
‘Entre Nosotros’ explora los encuentros y desencuentros entre la cultura occidental y la cultura oriental
El trabajo que presenta Omar Mahfoudi
La Primavera Árabe denominada también como revolución democrática árabe hace referencia a una serie de alzamientos populares en los países árabes acontecidos desde 2010 hasta la actualidad.
Protestas y manifestaciones a través de la poesia visual -
La exposición Entre nosotros se inaugura 18 noviembre-21 febrero 2015Etopia.Center for art and technology . Zaragoza
http://www.zaragoza.es/ciudad/etopia/detalle_Agenda?id=129539
La obra es:RICK-LIFE . MDF , Lacada, 92x38 x40cm
http://www.artatswissre.com/flash/index.cfm
You are resting on the foundations of the company’s business − life and risk − while resting on an art piece that allows you to look at great works by Tatsuo Miyajima and Olafur Eliasson.
Two shiny lacquered chairs, one black, one white, face the glass fronted alcoves that look onto the central lift shaft of our Zurich headquarters. Commissioned especially for the space (to mark our 150th anniversary in 2013), the back frame of each chair incorporates a four letter word. One reads RISK, the other LIFE, reflecting our core business. Therefore, for the audience, ie our employees, Roldán chose a form that is double coded. As chairs, her work can be easily used: “You are resting on the foundations of the company’s business − life and risk − while resting on an art piece that allows you to look at great works by Tatsuo Miyajima and Olafur Eliasson. I wanted to invite people to sit in these specific balconies to contemplate the art pieces”. “Of course”, says Ana Roldán, “there are more complex ways to read the piece. While sitting on it, you can’t see it while you perceive other art pieces. Its visual disappearance is the condition of art contemplation.” It is a sculpture that pretends to be a chair, whose backrest is a sculpture of a word written in a typography Roldán developed.
Exposición UNDER(DE)CONSTRUCTION en el KREATIV-QUARTIER en Múnich
Foreign Office
by Michael McCanne 
http://www.brooklynrail.org/
http://www.mataderomadrid.org
www.louiscomforttiffanyfoundation.org
2013 Biennial Competition Jury: Phong Bui, artist and publisher of The Brooklyn Rail Chrissie Iles, Curator, Whitney Museum of American Art Kathryn Kanjo, Chief Curator and Head of Curatorial, Museum of Contemporary Art San Diego Charles LeDray, artist John Perreault, curator, critic, artist, poet and founder of Artopia Cindy Sherman, artist Robert Storr, artist, critic, and Dean of the Yale University School of Art
www.spainfreshspace.com/#!spanish-fresh-films/c1sxi
Nunca casi nunca a veces siempre
Comisariado por Fernando Gómez de la Cuesta
Inauguración: 21 de mayo de 2014 / 20h.
Casal Solleric
Zona Base
Passeig del Born 27 - 07012 Palma
www.solleric.org
GUILLERMO MORA// UNA , OTRA Y OTRA VEZ A LA VEZ
Mora se rebela en contra de la tiranía del plano vertical de la pintura y la reinstala en plano horizontal y transversal. Esta representación nueva, a su vez, aporta otra novedad: de líquido a sólido, de letras sueltas con las que el artista arma un discurso, a historia completada de un plumazo, realizada en un solo trazo, probando que el soporte se reinventa, que la pintura tiene siempre algo nuevo que contar en la expresión del artista. De la pequeña escala a la más grande sin transición intermedia aparente, el gigantismo es parte del nuevo trabajo de Mora, al introducir la arquitectura como tercer elemento que se une a pintura y escultura, y que en la sede de esta exposición cobra especial relevancia, como sigue explicando el propio autor: “Puesto que mi idea es elevar del suelo un plano de pintura para hacer lo flotar es imposible (por pura ley de gravedad), éste debe estar sujeto de algún modo por la arquitectura que le rodea. ¿Y si fuese la propia arquitectura del espacio la que n algo tan literal que cobra una fuerza física extraordinaria, casi paranormal, formando parte de las salas de Tabacalera.
El jurado, compuesto por Octavio García, director artístico de Audemars Piguet; Ángeles González Sinde,creadora y ex ministra de Cultura; Soledad Lorenzo, galerista; Marga Paz,directora de Asociación Amigos Museo Reina Sofía; Laura Revuelta, redactora jefe del ABC Cultural, y Carlos Urroz, director de ARCOmadrid, ha destacado especialmente la gran calidad de los casi 50 proyectos presentados por galerías y artistas de todo el mundo.
Finalmente, el premio, dotado con un valor de 15.000 euros para la producción de la obra, ha recaído en elproyecto “cr_O_ma”, del madrileño Guillermo Mora. El jurado ha resaltado “la investigación de esta pieza sobre el color, la pintura y escultura, obteniendo una nueva línea de trabajo en la prometedora carrera de este joven artista”. De la misma manera, ha mantenido el espíritu del mensaje de la marca: “There are exceptions to every rule” / “Toda regla tiene sus excepciones”.
Guillermo Mora
Licenciado en Bellas Artes por la UCM, finalizando con el Primer Premio Nacional de Licenciatura. En el año 2006 obtiene una beca de estudios en The School of the Art Institute of Chicago (EEUU) con el apoyo de la Fundación BANCAJA y posteriormente obtiene la beca de Posgrado de la Fundación La Caixa. Entre sus premios y becas caben destacar el Premio Generación 2013 de Caja Madrid, la Beca de la Academia de España en Roma (2010-2011), la Ayuda a la Producción en Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid y la Mención de Honor el el X Premio de Arte ABC. Su obra ha sido expuesta en MACUF, Elgiz Museum (Estambul), La Casa Encendida, (próximamente en el ICA de Londres) y en ferias como ARCO, MACO y FRIEZE. Está representado por las galerías Formato Cómodo (Madrid) y Casa Triângulo (São Paulo)
http://www.dardonews.com/dardonews/noticias/guillermo-mora-gana-el-premio-audemars-pi
¡AHLAN!
Publicado y realizado por Nuria Carrasco
Otra revista que evoca un formato de revista, ¡Hola! . El tema es la lucha por la liberación de tres generaciones de refugiados en el desierto del Sahara. Se nos invita a ir dentro de varias tiendas de campaña, conocer a las familias, etc, todo en el estilo de Hola!. Esto, junto con algunos anuncios – brillantes-, compone uno de los mejores trabajos fotográficas del año.2013.
El Artista Guillermo Mora participa en la exposición. Ideas sobre la pintura en el MACUF. Museo de Arte Contemporáneo Unión FENOSA, A Coruña.
2014 es un proyecto -expositivo y editorial- que nace con la intención de acercarnos a una generación de artistas españoles o residentes en España, capaces de redefinir lo que hoy entendemos por pintura contemporánea, una pintura que ha hecho de la contaminación una de sus razones de ser, una pintura que se mueve después de la pintura y que ha asumido con naturalidad que ya no es una técnica y sí una tradición, una idea con capacidad de reformulación constante de sí misma.
El título propuesto, 2014, es un guiño irónico a la exposición 1980, una de las exposiciones que marcó el ritmo de la década de los ochenta y que acabó convirtiéndose en referencial para los seguidores de la pintura del momento. La exposición se celebró en la galería Juana Mordó en noviembre de 1979; tres décadas después, esta muestra -para la que únicamente se han seleccionado siete artistas de los 40 presentes en el proyecto editorial-, se inaugura también en el mes de noviembre del año anterior, 2013; aunque con una intención más abierta y ecléctica.
Desde entonces no han abundado los proyectos con sentido de grupo, de reflexión conjunta en torno a la pintura. Se podría afirmar incluso que en las últimas décadas ha existido una especie de alergia y miedo a la hora de hablar del arte español desde un punto de vista generacional. También para hablar de pintura.
2014 trata de historiar el presente mirando de lejos y de cerca; de ahí que una de las claves editoriales sea el acercarse visualmente a los estudios de los artistas; ese lugar donde todo se detiene y se torna adictivo. Mientras, la exposición, se aproxima al proceso con muchas obras site-specific, o realizadas a propósito para el MAC. Interesa la acción de perseguir la pintura y cómo cada vez más desde hace unos años se ha asumido otra vez la pintura con naturalidad, ya sea trabajando lo específico de lo pictórico, adoptando la propia historia de la pintura como modelo, desarrollando procedimientos del acto de pintar o enfatizando la conciencia del proceso.
Artistas en exposición: Miren Doiz, Jerónimo Elespe, Philipp Fröhlich, Santiago Giralda, Laura González Cabrera, Guillermo Mora y Alain Urrutia.
http://www.mac.gasnaturalfenosa.com/es/inicio/exposiciones/1297161875770/2014++antes+de+irse+ideas+sobre+la+pintura.html
http://5th.moscowbiennale.ru
www.socratessculpturepark.org
Una nueva selección de la colección Elgiz se mostrará en el área de exposiciones temporales del museo. El título '13' representa los 13 años del Museo Elgiz así como el año 2013. Entre las obras recién adquiridas se mostrarán pinturas, esculturas y video-instalaciones. Algunos de los artistas cuyas obras se pueden ver en la exposición son Julian Opie, Tony Cragg, Guillermo Mora, Aimée Zito Lema, Ray Harris, Veljko Zejak, Giuseppe Belvedere, Alexander Liberman.
www.elgizmuseum.org
y fotógrafo Harold Edgerton, el inventor del flash electrónico. El video toma como punto de partida la relación de Edgerton con la fotografía submarina y con el programa atómico de los años 50.
El video combina escenas de ficción con imágenes documentales casi propias
de un turista y crea una lazada conceptual en torno a la labor del fotógrafo y al significado de su práctica. A través de escenas aparentemente inconexas amplía estas preocupaciones iniciales a
otros temas como el reenactment y los cuerpos-espejismo. Estos motivos que ya están presentes en el trabajo anterior de la artista, adquieren una mayor presencia y complejidad en “All the things that are not there".
Video, color , sonido. Duración: 40 minutos.
El próximo 9 de mayo se presenta en la galería Formato Cómodo la revista !AHLAN! realizada por la artista Nuria Carrasco. El título es la traducción saharaui de “Hola” y la publicación es un fake de la célebre revista del corazón que ostenta esa cabecera. Se imposta escrupulosamente el formato y la maquetación pero en su contenido se ha sustituido la realidad española por la de los Campos de Refugiados saharauis en Argelia.
La idea y los materiales utilizados en esta intervención surgieron de una estancia de la artista en los Campamentos de Tindouf, en el marco de Artfariti 2012, Encuentros Internacionales de Arte y Derechos Humanos del Sahara Occidental, en el que se dan cita cada año una selección de artistas internacionales de primera línea y que en esta ocasión ha contado, entre otros, con Santiago Sierra, Esther Ferrer, Isidoro Valcárcel, Los Torreznos, Federico Guzmán, Muntadas o Miquel Barceló, con el objeto de hacer universalmente visible la situación de despojo integral del que es víctima este sufrido pueblo desde hace más de treinta y cinco años.
La obra mantiene una clara congruencia con su trabajo anterior caracterizado por una fuerte vocación inquisitiva en relación con la gestualidad más banal de la vida cotidiana. Para ello Nuria ha venido usando diferentes medios expresivos y soportes diversos buscando la máxima pertinencia en cada caso en relación con su contenido respectivo.
www.nuriacarrasco.com
Aproject by Samuil Stoyanov
Samuil Stoyanov's site-specific space portraits series started with the Geocidite building in Belgrade where the 53rd October Salon took place in 2012. To study these modernist spaces of display and presentation, the artist first destabilizes the light, the fixed element of every space as such. Through these portraits every building he interacts with becomes a part of Stoyanov's artistic cosmos. In a gesture of hurling a light bulb above his head making the largest possible circle, Stoyanov, in his own words, makes reference to the movement of the space objects in the universe. Here the figure of the artist appears not only as a pseudo-scientist conducting inventive experiments but also as a black hole holding all the centrifugal movement in an orbit around him. The artist chose the Natural Museum of History in Sofia for the venue of his first-time such experiment in Bulgaria of a site-specific portrait as museum is a classic display place for geological history.
Where: National Museum of Natural History
When: 19 April – 12 May, 10am-6pm
1 Tsar Osvoboditel Blvd
1000 Sofia, Bulgaria
PELICULA EXPERIMENTAL
Ensayo Grabado de Etjudy sobre Las Tres Hermanas
de Antón Chéjov. Boceto Teatral Audiovisual
Bio-Creadoras
Clara Gonzalez Ortega Málaga 1985
Maruchi León .Cáceres 1967.
Técnica: Video
Duración: 50:07 min
Idioma: Español
Año: 2011
vakbocetoteatralaudiovisual.tumblr.com/#13558811204
ON PAINTING [Prácticas pictóricas actuales… más allá de la Pintura o más acá] abre el día 1 de marzo el programa de exposiciones de 2013 en el CAAM. Será una gran muestra colectiva de ámbito internacional en la que participan un total de 66 artistas, de 15 países del contexto iberoamericano, procedentes de Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Costa Rica, Haití, México, Perú, Puerto Rico, Surinán, Venezuela, Portugal y España, así como invitados de Filipinas y Estados Unidos.
Comisariada por el director artístico del CAAM, Omar-Pascual Castillo, la exposición reunirá más de un centenar de obras de pintura, algunas en préstamo de otros museos, galerías, coleccionistas y de los propios artistas, e incluye un total de 10 intervenciones que se crearán de forma expresa en zonas comunes del centro de arte, como fachada, paredes o patios interiores.
El proyecto expositivo irá acompañado de un evento teórico gestado desde Atlántica. Revista de Arte y Pensamiento, dirigido por Octavio Zaya, que culminará en una publicación monográfica de un alto rigor teórico-crítico. Además se editará el catálogo de la exposición que contará con las firmas de Barry Schwabsky, Kevin Power, Octavio Zaya y Omar-Pascual Castillo.
8 Febrero-5 mayo 2013
En esta XIII edición de Generaciones ,una convocatoria de la Obra Social de Caja Madrid, que ha conseguido posicionarse como uno de los premios de referencia en el panorama artístico Español, se presenta el trabajo de los diez artistas premiados:
Elena Alonso, La Tapadera
Irene de Andrés,Festival club
Manuel Eirís
Santiago Giralda, Rendering Landscapes
Juan López,castiga el pladur
Asunción Molinos
Guillermo Mora,Pentapack
Teresa Solar, Doble mordido
Julia Spinola,Frase(Objeto)
Martín Vitaliti, #17
A través del empleo de diversos soportes y técnicas, los artistas de Generación 2013-01-20 coinciden en señalar en sus respectivos proyectos conceptos como el vacío,la ruina,la pérdida o la desaparición.
El jurado ha estado compuesto por: Joao Fernandes,subdirector del Museo Reina Sofia;Javier Montes,escritor y critico de arte; y Gloria Picazo,directora del Centre d´Art la Panera.
www.generacionescajamadrid.com
www.lacasaencendida.com
“Hacer en lo cotidiano” se estructura en torno a dos exposiciones colectivas que reúnen a un total de 20 artistas y plantea la capacidad de los creadores para cuestionar los territorios más cercanos y la aproximación personal de cada uno de ellos a los cotidiano mediante diferentes estrategias.
La primera exposición,, parte de la idea de destacar lo insólito en lo cotidiano y reúne la obra de diez artistas: Julio Adán, Maite Ángulo, María Castelló Solbes, Julio Falagán, Hisae Ikenaga, Luján Marcos, Begoña Olavarrieta, Leonor Serrano Rivas, Luis Vassallo y Javier Velázquez. Todos ellos emplean la descontextualización de un fragmento de la realidad más cercana para proporcionar nuevas lecturas a través de metáforas de elementos o situaciones muy comunes para todos.
La joven historiadora del arte Beatriz Alonso gano con su proyecto “Hacer en lo cotidiano” el concurso ‘Se busca comisario’ convocado por la Consejería de Empleo, Turismo y Cultura de la Comunidad de Madrid
31/08/2012 Primer Acto toma como punto de partida el momento de subir el telón en la ceremonia de reinauguración. Primer Actopretende, a través de los aspectos sociales y políticos del evento, cuestionar el papel del museo en relación alespectador, la obra de arte, el espacio y la crítica. Mediante el empleo de elementos retóricos propios de la historia de lapintura y la representación teatral, como el espejo y el telón, se intenta reflejar el vínculo entre las expectativas creadas antes de cualquier acto o exposición y lo que se ve a la hora de la verdad sobre estos escenarios. Además, en varias obras se critica y cuestiona la institución como un sistema que ejerce su poder sobre la opinión pública al definir estructuras específicas de comprensión e interpretación del arte.
En la exposición participan los siguientes artistas: Mark Benson, Stefan Brüggemann, Andre Cadere, Mariana Castillo-Deball, Tacita Dean, Thomas Demand, Ceal Floyer, Lucio Fontana, Andrea Fraser, Douglas Gordon, Jonathan Hernández, Adad Hannah, Fritzia Irizar, Adriana Lara, Natalia Martínez, Nils Nova, Goran Petercol, Wilfredo Prieto, Ana Roldán, SUPERFLEX y Pablo Vargas Lugo. Exposición comisariada por Andrea Torreblanca, comisaria adjunta del Museo Tamayo.
Museo Tamayo
www.museotamayo.org
La presente exposición ha surgido de diálogos –tanto orales como escritos, desarrollados en 2012– que fueron construidos a distancia entre los artistasy el comisario. Solamente una de sus obras, Toga(2011) de Marcellvs L., existía previamente alproyecto y consiste en el motor ruidoso de estaexposición en Noestudio.Cada uno de los diálogos fue grabado para crearuna memoria digital además de la memoria naturalde sus participantes, porque los recuerdos humanoscambian constantemente de manera sutil.“Recientemente, estudios neurofisiológicos handemostrado que cada vez que el cerebro realizasinapsis se altera, lo que parece confirmar que nohay trazos permanentemente fijos en el cerebro”. Laesencia misma de la memoria es subjetiva y no unasimple reproducción mecánica. De hecho, el mundoque vemos, oímos, sentimos, son invenciones denuestro cerebro. “Colores como tales no existen,sólo son invenciones humanas”2. Conversación conIsrael Rosenfield acerca de las obras de laexposición y sus nuevos estudios sobre el cerebroy la memoria. El primer punto de contacto entre lasobras es la vibración de color que es emitida porellas. En el caso específico de la obra Toga (2011)existe un movimiento incansable de generación denuevos colores. El vídeo, lleno de una fisicidadescultórica, presenta de manera descontextualizada,a una red de pesca, en el puerto de Reikiavik(Islandia), siendo recogida de un barco después demeses en el mar. Las obras de Sean Edwards yGuillermo Mora se nutrieron del cruce entre la presencia de este motor preexistente en laexposición, de los diálogos entre ellos y lascaracterísticas del espacio. Guillermo ha colgadoen el techo Entre tú y yo (2012)2. Obra realizada conla ayuda del Ministerio de Educación, Cultura yDeporte., una larga línea de bastidores enroscadoscreando un cuerpo abstracto que otea el espacioinestable desde arriba, mientras la obra de Sean dael ritmo a la exposición haciendo que cada uno delos objetos dispuestos sobre el estante, que bisecaa Noestudio, haga un guiño a los diálogos orales yescritos mantenidos con los participantes.
ICEBERG es un proyecto que se desarrolla a través de una exposición acompañada de una publicación. Éste, propone reflexionar sobre el contexto actual de Madrid, a partir de la obra de 17 artistas, que comparten espacio y tiempo. A su vez, ICEBERG ha sido concebido como un punto de partida con la intención de dar comienzo al diálogo crítico.
Jugando con las características de un iceberg: está en continuo movimiento y es visible solo una pequeña parte de su volumen total, este proyecto reúne fragmentos de la actividad artística de Madrid, de características muy diversas y que se generan en circunstancias similares. También, un iceberg es imposible de cartografiar, como la escena general de la ciudad.
Este proyecto no pretende definir la escena con la selección de artistas, sino pensar sobre el contexto actual partiendo del nuestro. Los artistas que conforman esta exposición han sido reunidos con el interés de focalizar diversos puntos de acción que convergen dentro de un mismo panorama: Julio Adán, Elena Alonso, Irene de Andrés, Ignacio Bautista, Ignacio Chávarri, José Díaz, Carlos Fernández-Pello, Theo Firmo, Cristina Garrido, Karlos Gil, Cristina Llanos, Almudena Lobera, Nacho Martín Silva, Alfredo Rodríguez, Teresa Solar Abboud, Luis Vassallo y Françoise Vanneraud. Y enfatizar los vínculos y las conexiones que produce este contexto.
Proyecto de Teresa Solar - La playa de los gigantes.
In this work different photographs taken by tourists at Los Gigantes beach, in Tenerife, are projected. The portaits of the tourists remain focused on the small screen, while the seascape, stays unfocused in the back.
La exposición se articula en torno en torno a las prácticas de artistas que han buscado el fracaso de una forma activa. La exposición plantea una visión poliédrica a través de artistas de diferentes generaciones y trayectorias con una relación vital con España.
Obras de: Wilfredo Prieto, Guillermo Mora, David Bestué, Fermín Jimenez Landa, Ignacio Uriarte, Jaime Pitarch, Chus Cortina, Carla Farren, Raul Gomez Valverde, Julio Falagán, Isidoro Valcárcel Medina.
El jurado de este año ha estado compuesto por D. Alessio Antoniolli, Director Triangle Network & Gasworks, Dª. Katya García-Antón, comisaria del pabellón de España en la Bienal de Venecia y Dª. Carolina Grau, comisaria independiente.
La Casa Encendida
Ronda de Valencia 2 - 28012 Madrid
www.lacasaencendida.com
Inauguración martes 5 de Junio a las 20 h de 2012.
Joaquín del Palacio Kindel ( Madrid 1905) consideraba la fotografía como el resultado de la mirada del artista que disparaba su maquina cuando veía algo que le gustaba , le interesaba más la luz de la imagen que las propias escenas que fotografiaba .
“Es cuestión de mirar y disparar cuando te gusta algo de manera especial , no tiene más misterio . La luz es muy importante , como en la pintura . La técnica es lo de menos”
Kindel ofrece en secreto eso que no se exhibe y nos ofrece en secreto la oculta y prodigiosa belleza de lo que nadie sabe y se mantiene en la adversidad .
Fotógrafo autodidacta , rechazo integrarse en cualquier grupo, pero tuvo relación como fotógrafo de la revista arquitectura en los años cincuenta con arquitectos de vanguardia. Tras la Guerra Civil comienza su trabajo en fotografía profesional en Regiones Devastadas , después pasó a trabajar para la Dirección General de Turismo.
En esta exposición incluida en el festival Off de PHOTOESPAÑA 2012 “Lo popular depurado “ Presentamos una fotografías elegidas al azar del gran archivo que constituye el legado de Kindel . Su trabajo fue definido por Alejandro de la Sota como : …” Lo popular depurado despojado de toda exornación chabacana , es un filón de hallazgos y de sorpresas .”
15.12.2011 - 29.04.2012
Matadero Madrid
Nave 16
www.mataderomadrid.org
Matadero Madrid abre la presentación pública de El Ranchito, un proyecto de investigación en el que participan 34 artistas o colectivos locales e internacionales, además de un amplio número de instituciones de la ciudad, agentes y asociaciones artísticas.
La presentación pública de El Ranchito no es una exposición al uso y no se limita a mostrar obra artística, sino que apuesta por hacer visibles los procesos de trabajo entre creadores, comisarios, instituciones y el entorno social. Con una vocación transdisciplinar, la presentación de El Ranchito, que ocupa la Nave 16 de Matadero Madrid hasta el 29 de abril, dista mucho de parecerse a la sala de un museo o galería. El público puede ver la obra producida y en proceso de producción de los artistas Colectivo Excedentes / Excess, El Gato con Moscas con Arquitectura Expandida, Enrique Radigales, Guillermo Mora, Husos, Puctum con BiNeural MonoKultur, Sally y Gabriela Gutiérrez Dewar, Tercerunquinto, Todo por la Praxis, Walking Theory, Zira02 y Zoohaus.
La artista mexicana reflexiona en esta nueva intervención específica acerca de lo habitual que resulta leer o escuchar en los medios de comunicación referencias a terrenos de juego deportivos para medir superficies de grandes dimensiones. Pero ¿cuánto mide realmente un campo de fútbol? Cada persona utiliza sus propios métodos para medir superficies, utilizando referencias de objetos que le resultan habituales, pero que no guardan relación con el sistema métrico decimal establecido.
Ikenaga ha elaborado una serie de piezas en las que establece diversos elementos como referencia para medir. En el espacio Abierto x Obras, no sólo basta el trazado del campo de fútbol y su portería, sino que también resulta relevante la reacción que provoca en los espectadores y en los propios jugadores de dos equipos de fútbol que juegan un partido dentro de este nuevo espacio.
Las cuatro medidas que Ikenaga propone utilizar se desenvuelven en medios muy distintos: una animación con dibujos hechos a mano, dos acciones el día de la inauguración (un partido de fútbol y la medición del volumen llenando la sala de humo, que quedarán registradas en vídeo), y una instalación realizada con muebles.
Sistema Métrico Campo de Fútbol comenzó en 2009 con el registro fotográfico de Piscina-Baloncesto, un partido de baloncesto que se disputó dentro de una piscina y en la que se utilizó como medida de referencia una pista de baloncesto reglamentaria.
Ese mismo año presentó la obra Vitrina, galeria FORMATOCOMODO en la que midió el volumen de una vitrina contando ante notario las pelucas de cabello largo y rizado que cabían dentro.
