Lo más nada posible La exposición toma el nombre de un conocido aforismo de Alejandro de la Sota, arquitecto español que transforma el conocido «Menos es Más» mediante su visión pragmática de la arquitectura. Y es esta la clave interpretativa en torno a la cual se construyen los trabajos de esta exposición: Mi interés está vinculado a los cambios acontecidos en el mundo de la arquitectura en este periodo histórico concreto. No solo se produce un cambio en los procesos constructivos en paralelo al desarrollo industrial de la posguerra, sino que también el propio enfoque proyectual sufre una profunda transformación. De hecho el arquitecto deja de «diseñar» el detalle y comienza casi a ensamblar soluciones tipológicas para las que elige formas y materiales a partir de un catálogo. Es justo en este periodo cuando el arquitecto experimenta y mezcla nuevos elementos y por tanto nuevos materiales. Esta forma de ensamblaje genera nuevas atmósferas: También en las casas de la Sota la arquitectura se desvanece y se transforma en una atmósfera en la que ya no existe invención sino intención. Es la misma atmósfera que se encuentra en la obra de David Hockney quien, en una serie de sus trabajos más conocidos, representa las nuevas casas de Los Ángeles. Me interesa experimentar este proceso creativo/constructivo asociando materiales y terminaciones propias del mundo de la construcción con otros materiales, elegidos a partir de catálogos procedentes de otros ámbitos de aplicación, poniéndolos en relación según su utilización y funciones originales. Se genera de esta manera una superposición de lenguajes que constituye la estética en sí del trabajo.



Sin título – Serie de vidrios Son las piezas de la muestra que reconstruyen de manera más didáctica la idea del pragmatismo. El contraste entre los materiales se proyecta en una dirección pictórica: El arenado sobre la superficie del cristal reproduce las salpicaduras presentes en las obras de Hockney. Los cristales, por contra, son sostenidos por elementos de madera quemada según una antigua técnica japonesa: la pátina carbonizada a través de la oxidación protege la madera a través del tiempo como si de un fósil se tratara.


  Italia Mattone Son bajos relieves de la serie en proceso Italia, piezas que revelan la cualidad esencial de ciertas características arquitectónicas, como la elegante simplicidad del arco. Cada trabajo, concebido desde perspectivas irreales, es capaz de activar un imaginario basado en la experiencia personal, las emociones y la imaginación del espectador. Hay dos figuras históricas que son esenciales para la interpretación de los trabajos: el arquitecto alemán Heinrich Tesenow y el pintor italiano Giorgio de Chirico. Para ambos, el ser humano y la arquitectura deben coincidir en uno solo. La proporción y la composición de la arquitectura se encuentran gobernadas por el ser humano que es tanto la unidad de medida como el sujeto que modifica el espacio que le rodea mediante su propia experiencia, interpretación y sentimientos.


  La serie de trabajos llamada Venecia En la serie de esculturas se utiliza la técnica del «sembrado a la veneciana», un tipo de suelo continuo, fabricado en obras, que requiere toda la maestría y artesanía necesarias para el proceso de realización in situ. Las placas de sembrado colocadas unas al lado de otras acercan la técnica original a la técnica modular de baldosas, invirtiendo la naturaleza del sembrado/proceso y transformándola de artesanal a industrial. Para enfatizar la idea de modularidad, las formas se unen mediante fugas de colores. Una vez más, la intervención de un material que es «otro» altera la percepción de una imagen familiar. En el lugar de las tradicionales juntas entre «baldosas» se encuentra ahora una junta de goma, utilizada para amortiguar las fricciones de las grandes máquinas-herramienta, un préstamo del mundo de la producción industrial y -de nuevo- una superposición de imágenes familiares provenientes de mundos y momentos históricos diversos.